Dirigido por Michelangelo Antonioni, Blow Up (1966) é título indispensável nas listas mais decentes de “filmes obrigatórios da história do cinema”. Utilizando a Swinging London como cenário, o diretor italiano (morto em julho de 2007) lança mão de uma série de artifícios para “causar”. Entre eles, a primeira cena de nu frontal feminino do cinema britânico, com a bela Jane Birkin (aquela que faz para com Serge Gainsbourg em Je T'Aime Moi Non Plus).

Em outra seqüência clássica, o protagonista Thomas entra em um clube onde estão se apresentando os Yardbirds. Durante o show, Jeff Beck fica emputecido com as falhas de um amplificador, arrebenta sua guitarra e arremessa ao público.

http://www.youtube.com/watch?v=jSJGEn4FDys

O enredo é envolvente, um fotografo testemunha um crime pelas lentes da sua câmera. Mas não percebe no ato em que tira as fotos, e somente depois de estudá-las e ampliar a todas, começa a desvendar o crime. As câmeras fotográficas naquele tempo possuíam uma capacidade de dimensão fantástica, sendo possível ampliar figuras a partir de pequenos fragmentos de cada imagem. Sim, isso é possível hoje em dia facilmente, mas é 1966! Pura mágica. Deixei-me levar pelo suspense criado por Antonioni. O texto é adaptado de uma short story do escritor argentino Julio Cortázar.

O melhor do filme são os paradoxos. O fotografo esta sempre com o olhar atento, e o expectador “eu ou você” começa a analisar e procurar junto com ele detalhes pelos ambientes que são mostrados. Meus olhos corriam a cena, a procura da tomada perfeita, o foco instigante que iria saltar a vista imediatamente no segundo seguinte. Todo o processo de revelação das fotos beira a alquimia, pois o fotografo esta envolto na aura de artista em conseqüência da composição. Tanto o fotografo, quanto o próprio Antonioni. E o fotografo se perde, e perde a si mesmo tentando resolver o crime, demorando, a saber, como fazê-lo. O maior simbolismo são os mímicos que aparecem logo no começo e ao final do filme, uma analogia ao fato de que o fotografo não pode sempre enxergar tudo ou abraçar a imagem. Às vezes ele é parte dela.

A trilha sonora vai de Yardbirds a Herbie Hancock. E eu vi o show outro dia no Parque Villa Lobos, que coisa...

Os Yardbirds participam do filme mesmo. O curioso é que o Who e o Velvet Underground estavam cotados para estar lá, mas por razões financeiras e disponibilidade, os Yardbirds foram escalados. Com direito a guitarra quebrando em algumas cenas, em um momento a lá The Who, aqui protagonizada por Jeff Beck. Participação especialíssima de Jimmy Page, ainda gozando de toda a sua juventude. Agora ele parece o velho da Quaker. “Aquele da embalagem da aveia.”

Nota 11 para o filme. Me fez perder o sono.

Não confundir Blow-Up, com Blow-Out do Brian DePalma. Um inspirou o outro.

E fica o registro que esse filme trouxe uma das primeiras cenas de nudez frontal (feminina) do cinema. Claro, em um filme que não é pornô. E Antonioni sabe usar muito bem essa imagem, não amontoando partes não definidas de corpos de uma forma supostamente artística, com close-up em parte alguma. Esta tudo lá, quando se deixa escapar. Aos nossos olhos... Aos olhos atentos do fotografo.

retirado dos rodapés das pp. 55-99 do livro
"Jean-Luc Godard Documents", Paris: Centre National Georges Pompideau, 2006.

O evento conta a trajetória de Tazio Sechhiaroli [foto], fotógrafo que faleceu em 1998 aos 37 anos. Suas histórias serviram de inspiração para o roteiro do filme "La Dolce Vita", de Federico Fellini, que o apelidou de 'Paparazzo'. As lentes de Tazio Sechhiaroli registraram sets de filmagem de nomes como Fellini, Vittorio de Sica, Pasolini, Antonioni, Sergio Leone, Ettore Scola e Charles Chaplin.

As imagens da mostra pertencem ao "Archivio Tazio Sechhiaroli", dirigido por seu filho David Sechhiaroli. As fotos estão em exposição na Galeria 1 da Caixa Cultural (Av. Almirante Barroso, 25, Centro, Rio), e a mostra fica em cartaz até 21 de setembro de 2008, de terça a sábado, das 10h às 21h, com entrada franca.

El debate generado a causa de las similitudes y diferencias entre el cine y la fotografía es bastante antiguo ya. "The image to come" fue la expresión que usó el archiconocido Henri Cartier Bresson para definir el cine en oposición a la fotografía. La imagen fija vs. la imagen en movimiento.

La exposición que tiene lugar en el CCCB de Barcelona es un trabajo conjunto de la agencia Magnum con la Cinèmathèque Française y, en ella, se pretende mostrar como el cine ha inspirado a los fotógrafos, en concreto, a aquellos de la agencia de Frank.

En la exposición hay imágenes de Gilles Peress y su relación/influencia con Alain Resnais ("Repérages"), Harry Gruyaert y Michelangelo Antonioni ("L'avventura, the eclipse, the red desert"), Abbas y Rossellini ("Paisà"), Alec Soth y Win Wenders ("Kings of the Road"), Mark Power y Kieslowski ( "Camera Buff"), Donovan Wylie y Alan Clarke ("Elephant") entre otros.

Os dejo con algunas imágenes de la exposición y os recomiendo que si tenéis prevista alguna visita a Barcelona antes del 7 de Septiembre, vayáis a verla porque no tiene desperdicio. El link al catálogo editado de la muestra es este.

[caption id="attachment_220" align="aligncenter" width="300" caption="IRAN. Tehran. Militantes armados fuera de la embajada estadounidense donde los diplomados estaban prisioneros desde el 4 de Noviembre de 1979."][/caption] [caption id="attachment_229" align="aligncenter" width="300" caption="Frame de la película Paisà de Rosselini"][/caption]

En algunos casos las influencias entre el cine y la fotografía dejan de ser estéticos para convertirse en experiencia, como sucede en el caso de Alec Soth, donde la relación directa entre la película de Wenders y su serie fotográfica se remite a la aventura que fue para él realizar este trabajo.

Os dejo ahora, para quien le interese, un reportaje que se emitió en Localia sobre la exposición:

Ma voiture pourtant assoiffée ignore bravement la station service attrape gogo et file étonnamment silencieuse en plein cœur de l’enfer, Death Valley. Il fait maintenant 50° à l’ombre et ce vent du désert qui vous enflamme dans son manteau brûlant. En haut d’une montée m’attend un banc solitaire où le fantôme d’Antonioni contemple la gueule béante de l’enfer. Un paysage fantastique d’une beauté abrasive. Nous sommes à Zabriskie Point. Un point de non retour, un point de grand vertige. Ce film et moi, nous nous sommes tant aimés, et me voici dans son décor. Feed-back sur années 70, révolte d’une jeunesse assoiffée de justice et affamée de vie, de rêve et d’utopies. Emeutes raciales, sans doute dans le quartier de Watts. Un étudiant noir est tué. Notre héros assiste au meurtre. Recherché, il fuit dans le désert et, à ce point de non retour, Zabriskie Point, rencontre une jeune femme enflammée avec laquelle il rêve le monde. Quel plus beau décor, plus juste et plus parlant pour un tel film que Zabriskie Point dont il porte le nom ? Ici rien ne semble impossible, la terre elle-même semble se rêver dans ce non-lieu, cette utopie géologique. Je m’assieds à côté du fantôme d’Antonioni et je refais son rêve.

Curieux comme ces films cultes dont les héros sont de jeunes révoltés en appellent au vertige, aux lieux où le monde se retourne sous les étoiles, aux promontoires sans avenir. Au-dessus d’Hollywood se trouve l’observatoire où fut filmée une des séquences clefs de « La Fureur de vivre ». La statue de James Dean y est en bonne place, sous les étoiles observées, et au-dessus du vertige du monde. Les 9 lettres d’Hollywood collées sur la colline en face semblent vouloir nous rappeler que la vie est un film. Je note que « La Fureur de vivre » a pour titre original en anglais « Un rebelle sans cause ». C’est bien ainsi qu’on qualifia tous ces jeunes gens qui en mai 68, voulaient rêver le monde. Et « what else ? » Qu’en reste-t-il ? Rien sinon la fureur de vivre, encore et toujours, cette dévorante envie de justice humaine, ce défi à la mort et ce désir toujours de refaire sans arrêt le film du monde. Je monte plus haut, je vais au Point de vue de Dante qui embrasse toute l’étendue de l’enfer. En bas une mer de sel, un écran gigantesque où les nuages se font leur cinéma en ombres chinoises. Je descends au fond de la fournaise. Ce qui me paraissait écran lisse, est un paysage torturé nommé « Le terrain de golf du diable » qui étend ses blocs de sel sur des centaines d’hectares à des dizaines de mètres au dessous du niveau de la mer. Sous cette plaque y coule une eau saumâtre nommée Bad Waters. Je fuis cette fournaise et remonte par l’Artist drive, une route qui dessine une fantastique palette de couleurs sur des pentes torturées avec toutes les ressources des minerais présents dans le sous sol. Quand on s’approche de trop près, on n’y voit rien. Les détails ne parlent pas. Il faut monter toujours monter au point de non retour, à ce lui du vertige. C’est de là-haut qu’on voit l’écran. Les nuages ont raison.

Eu não entendia o por quê de uma pessoa trocar de identidade, que aquilo era um desespero, um último suspiro de vida, um abandono total para viver uma outra vida: a de um sósia.

Sem música, com poucos diálogos, grandes planos, planos sequência. A lingugem era para mim à época quase impenetrável. Na escuridão da segunda sessão me envolvi mais com o filme. Realmente o personagem Locke (o repórter que investigava a guerrilha na África) estava desesperado. Ao chegar no seu  hotel no meio do deserto, o meio do nada encontra um sujeito morto em outro quarto, ele vê seu passaporte. Um sósia. Troca de passaporte pega a agenda e passa a viver a vida do sujeito.

Em princípio a vida do sósia parecia ser muito mais interessante, cheia de viagens, encontros, reuniões. A vida de um traficante de armas é cheia de riscos.

Assim Lacaniamente assume a identidade do traficante e passa a viver assim. No meio da trajetória encontra Maria Schneider, bela em seus 19 ou 20 anos. Passa a viver uma aventura com ela.

O que demorei anos para perceber é que Locke não trocou de identidade ele soprepôs mais uma à dele. Assim a primeira, a sua própria aquela carregada de simbolos atribuída pelo próprio personagem, somada à outra carregada pelo seu imaginário, feito a partir de algumas informações obtidas na agenda do sósia.

As imagens do filme são espetaculares, mas são carregadas de vazio. A estética do vazio percorre todo o filme. Esse vazio aparece de forma ambígua ao mesmo tempo que se maravilha com a paisagem, com a atividade, com as surpresas, também se entedia pela falta de sentido de que tudo aquilo é carregado.

O cinema nos anos 70 era carregado de psicanálise, ou esta era grande influenciadora do processo cinematográfico. Locke é essencialme um ser lacaniano: símbolo e imaginário se sobrepõe a um único personagem.

Jack Nicholson dá vida à Locke, a existência dos personsagens estão vinculadas às atuações dele e da Maria Schneider. Jack também foi o responsável pelo lançamento do DVD. Ele detém os direitos do filme que originalmente tinha 4 horas, e o produtor pediu para reduzi-lo, o filme ficou com 126 minutos. Então o produtor desistiu do filme. Jack comprou os direitos e o lançou com os corretos 126 minutos editados por Antonioni.

O FIM - a cena final dura uns 7 ou 8 minutos não há mudança de câmera, ela caminha de fora para dentro do quarto e lá uma surpresa; a morte do personagem, porém a ambiguidade se apresenta novamente, como isso aconteceu?

Novamente o vazio toma conta do cenário, sem música, apenas a expressão de Maria Schneider de incomprensão e tristeza

O filme deixou marcas profundas, a estética de Antonioni me ajuda a desnudar as coisas, as pessoas, a beleza e a secura ao mesmo tempo, a falta de esperança, desespero e momento de felicidade simples.

THe PASSENGER, PROFISSIONE: REPORTER, PROFISSÃO: REPÓRTER, ANTONIONI, JACK NICHOLSON, um filme para sempre.

Last night we turned my room into screen 1, Lauren picked the first picture and I selected a second that would hopefully (it's all about keeping the kids happy after all) compliment her choice.

Lauren: SMALL TIME CROOKS (Woody Allen 2000)
Me: A NIGHT AT THE OPERA (Sam Wood 1935)

Much is said of Woody Allen's later work being a sorry comparison to the halcyon ANNIE HALL or MANHATTAN period. Whilst I agree that some of his recent work hasn't been quite to the standard, as a whole, of his earlier pictures, I would argue the point that there's enough good in his later work to justify the continuation of his filmmaking career. Two examples I can think of off the top of my head would be the wonderful dance scene between Woody Allen and Goldie Hawn at the end of EVERYONE SAYS I LOVE YOU (1996) or the Robin Williams "out of focus" scene in DECONSTRUCTING HARRY (1997) . These films are both over 10 years old of course but I still think they qualify as recent considering the length of his career. More on his post Millennium output in an upcoming post.

SMALL TIME CROOKS is the story of Ray (Woody Allen) and Frenchy Winkler (Tracy Ullman) who are a couple living in Manhattan. No real surprise there. Ray is a guy who has spent his life running scams, doing jobs and is basically, as the title of the picture suggests, a small time crook. We quickly learn that he's spent time in the joint (Jail, done bird / porridge) as, on arriving home with a box of ulterior motive chocolates for the long suffering Frenchy in the first scene of the picture, reveals he wants to rob the local bank. Frenchy is vociferous in her complete ridiculing of this idea as he's 1: Already spent time in jail and 2: involved and working with a less than skilled bunch of collaborators.

In one of the most beautifully photographed scenes in the film, shot on the rooftop just before sundown, he talks Frenchy into staking their life savings on the rental of a shop situated two doors along from the bank to use as a front for the upcoming heist.

How are they going to get into the bank? Think THE GREAT ESCAPE, ESCAPE TO VICTORY or THE NAVIGATOR.

As is usual in Ray's life, the plan goes awry but the cookie business set up in the shop by Frenchy to conceal the highly shady goings on in the basement turns into an overnight success and becomes a massive money-maker for the couple. This is where Allen flips the picture on its head.

The second half is still comedic but serves as a veneer for a quite tragic parting of ways for Frenchy and Ray. Ray, being true to his roots does not let their new found wealth alter his outlook on life but Frenchy sees the affluence as a gateway to society, the key to being accepted by the upper classes. This is where Hugh Grant comes into the picture. He's nothing more than Hugh Grant playing the typical Hugh Grant character in any other movie but it definately works here. His foppish mannerisms are in direct contrast to Ray's, which drives a further wedge between the two as that's the kind of man Frenchy wants to compliment her reinvented personality. What I love about this relationship dynamic is it's the opposite of the one seen in MANHATTAN, still my favourite Woody Allen picture.

The scene below is an example of the changing styles, changing personas of Ray and Frenchy. Notice how Frenchy, as much as she tries, is obvious in her superficial attempts to become "one of them". From wanting the truffles shaved thick, (check the look on the chefs face) to bragging to her guests about her fibre optic rug. Tracy Ullman is fantastic in this movie, as is the whole cast.

The second picture we watched was The Marx Brothers A NIGHT AT THE OPERA. Produced by then Hollywood wonderkid Irving Thalberg at MGM, who were famed for their musicals, this is a very different but at the same time very familiar Marx Brothers picture. For a start, the musical numbers are longer and more lavish, Lau gasped at the choreography in the number below where circle upon circle of dancers spin in different directions to stunning effect.

There is also a heightened sense of story in this film. As well as the Marx Brothers antics we have the story of Ricardo Baroni, an opera singer played by Alan Jones, struggling to be recognised as a talent and constantly in the shadow of the much revered Rodolfo Lassparri, played by Walter Woolf King. Baroni spends a good part of the picture fending of Lassparri who also has designs on his girl. The love interest is played by Kitty Carlisle who never had a huge movie career, only making 9 pictures. She does turn up in RADIO DAYS (1987) however, as well as being fairly active in both the theatre and opera. It should be noted that the Alan Jones part would usually have been played by Zeppo Marx, the straight man / romantic lead of the act. This was the first picture without him as he quit on account of his talents being under recognised.

In spite of long song and dance numbers, the film moves at a good pace with The Marx Brothers given more than enough room to flex their comedy muscles. There are some magical exchanges between Groucho (Playing Otis B. Driftwood) and Chico (Fiorello) including the scene below where the two discuss Baroni's contract. Chico is Baroni's friend and manager trying to cut a deal with wannabe opera mogul Otis B. Driftwood.

I can't help but post another scene from this film, one of the greatest comedy moments in cinema history. Otis B. Driftwood has been given a less than palatial cabin for a trip to New York and has found Baroni, Fiorello and Tomasso (played by Harpo) stowed in his trunk.... it gets pretty tight in there.

gehen wir da lang wenn es dir nichts ausmacht...

Résumé : Giovanni Pontano, écrivain reconnu, est attendu à la maison d'édition Bompani, où il doit présenter son dernier roman.

Au préalable, il rend visite, avec sa femme Lidia, à Tommaso Garrani, un ami proche hospitalisé, pour l'assister dans ses derniers instants.

Lidia, qui trouvait auprès de Tommaso l'attention et l'admiration que son époux ne songe plus à lui prodiguer, est à ce point désespérée qu'elle s'en va errer dans les rues, aspirant à mourir elle aussi.

Avec Jeanne Moreau, Marcello Mastroiani, Monica Vitti

Aparte from Renato Batata on Vimeo (essa merda de blog não me deixa postar o vídeo direto)

Retomando as postagens por aqui, resolvi postar o último curta produzido numa oficina do meu curso. A proposta da oficina (de direção de vídeo) era utilizar como referência algum diretor da escolha do grupo para fazer o filme.

Escolhemos Antonioni e tentamos dar um caráter atual à temática da incomunicabilidade.

Até que ponto conseguimos transmitir a idéia prevista no roteiro é um bom tema para uma discussão, mas acredito que dos 3 filmes que fiz até hoje, este está melhor acabado que os outros.

Fazer filmes sem grana é bem complicado, os problemas só aumentam no decorrer das gravações. Mas como disse Eduardo Coutinho e Cláudio Assis, no debate que vi no Festival de Cinema Latino Americano, a tecnologia está disponível para quem quiser produzir. Desde que exista reflexão e principalmente noção do que se está fazendo. Sem estudo teórico, histórico e de linguagem não é possível fazer algo novo.

Aparte

Elenco:
Andréia Guilhermina
Ricardo Fialho

Direção: Renato Batata
Produção: Mariana Romano
Direção de Fotografia: Rogério Pixote
Edição: Paulo Rodrigo
Áudio: Ailton Pinheiro

Warto obejrzeć film Zaćmienie (L'Eclisse , Eclipse) Antonioniego ze względu choćby na zdjęcia robione we wspomnianej dzielnicy EUR , poniżej mała zachęta , jedna ze sławnych scen w kinie , scena końcowa z
Zaćmienia oraz mała przechadzka z Moniką Vitti po EUR ...

Trata-se de um trechinho bem curto de uma entrevista na qual Bergman comenta sobre novos autores de cinema, ao que tudo indica, falando para uma emissora de tevê norte-americana, em 2002. Em meio a uma resposta, em meio a uma crítica mais que pertinente aos novos autores como um todo, o diretor de Persona (1966) e Monika e o Desejo (1953) citou uma bela frase proferida pelo diretor de A Aventura (1960) e Blow Up (1966). Vale a pena ver abaixo, aproveitando também para conferir quais eram os dois filmes de Antonioni preferidos do sueco. As legendas estão em inglês, mas está fácil de sacar a lição do grande cineasta, que por sinal teria completado 90 anos de idade esta semana, se vivo fosse.

La Dolce Vita is always two things at once: It's a wallow in decadence disguised as a moral saga, and it's a moral saga disguised as a wallow in decadence. It's always both, and that tension is always there, within the film and the filmmaker.

Mick LaSalle, San Francisco Chronicle

A series of nights and dawns, descents and ascents.  Once again everything collapses in an exhausted dawn.

Roger Ebert, Chicago Sun-Times

Nino Rota - Patricia

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/04%20-%20patricia.mp3]

For a film that is episodic (and lengthy) by nature, it might be wise to poach a single frame from memory and arrange a special menagerie for a future me to decipher.  I pity the totality of analysis, I champion my Rorschach in flux.

Don't look for the Trevi Fountain here.

Before Anna Nicole...

Holly Golightly

Send in the Clowns

Young@Heart

Trinity by fraud

All by Myself

Villa of the Damned

Mein Name ist Nico

You have the gift of foresight, tell me what you see.

Come to Nicky

Hawkman that Ho

Antonioniesque

Sweetness personified

FIN

Love me less, but love me a long time.

- Ismael Benoliel, Les Chansons d'amour

Hey, you got girlfriend Vietnam? Me so horny. Me love you long time.

- Da Nang Hooker, Full Metal Jacket

Louis Garrel & Grégoire Leprince-Ringuet - As-tu déjà aimé ?

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/08.%20As-tu%20d%C3%A9j%C3%A0%20aim%C3%A9%20.mp3]

For those of you who appreciate French music for its catchy pop melodies and inherent foreignness, Christopher Honoré's Love Songs (Les Chansons d'amour) might be the perfect film to start off a romantic evening that involves wine tasting and a fondue pot, you know, with all the calculated trimmings of a themed event. The only catch: turn off the monitor and leave the stereo on. The soundtrack, the foreground, the rest is mere background, the illusion of cosmopolitan sophistication is enough to satiate the Starbucks compilation palate. It's better leaving one's belief system in the French "tradition of quality" intact rather than shattering it through Honore's icy milieu of stock characters and tourist locales, not to mention, a preposterous suggestion that damaged grief brings about latent homosexuality, or perhaps mourning demands the "outing" of other bodies and orientations to hold on tight and fuck the pain away, or again, Ismael, the all-inclusive male figure was always a bisexual. Any of these scenarios could have been the case, but who gives a damn when the film squanders its chances to piece together the narrative threads in exchange for impromptu dalliances and nonsensical coincidences. The lyrics would've made Shakira cringe and laugh in agony..."Four pubes in the shower." At least in the heyday of French musicals, Demy was injecting frisky charm and dramatic irony into the Hollywood formula, and Godard broke down those same inane templates to form iconic sequences that are still the epitome of cool (See below). Honoré himself, a dedicated fan of that zeitgeist, took a more serious approach, then realizing his hip meter falling, he followed some needless detours and ended up somewhere between Paris and the land of lost convictions.

A signpost towards gay pride? Or a memorial of Timberlake before "4 Minutes"?

Enjoy the songs and think only of Anna Karina!

Louis Garrel, Ludivine Sagnier, & Clothilde Hesme - Je n'aime que toi

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/04.%20Je%20n%27aime%20que%20toi.mp3]

Chiara Mastrioanni - Au parc

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/12.%20Au%20parc.mp3]

This is how you make a musical, pedantic lyrics aside.

“Identificazione di una donna” stond gisteren op het Antonioni programma. En het was de eerste keer dat ik een beetje ontgoocheld was in zijn film kunnen, misschien omdat hij afweek van zijn raadselachtigheid en meer liet zien dan anders. Zelfs blote borsten en venusheuvels. Ongetwijfeld daardoor was de film destijds een kaskraker.

Naar goede gewoonte zat Dr. Julian ook in de zaal. Hij heeft geen enkele Antonioni overgeslagen maar verliet dit keer ook de zaal met gemengde gevoelens. Hij vond de film “quite dissapointing”, doch was superenthousiast omdat hij een oude vriendin had terug gezien op het doek. Ze speelde de lesbische vriendin van de hoofdrolspeelster. Veel valt er over haar acteerprestaties niet te vertellen, maar kom, zo een oude bekende in een flits en dan nog wel op het scherm terug zien, kan zorgen voor een diepe sensatie. Er moeten heel wat nostalgische gedachten door het hoofd van Dr. Julian hebben gespeeld want zelden had ik hem zo bevlogen gezien.

Dr. Julian is een heerlijk personage, met het uitzicht van een kabouter zonder baard, en zwart geverfde haren die van nature al vele jaren grijs zouden zijn. Hij schrijft historische boeken over de Singaporese black & white houses, over shophouses, over het ontstaan van de kreteksigaret, over het evoluerende stadsbeeld. Als hij over een gebeurtenis in zijn persoonlijk leven vertelt, vermeldt hij daar altijd de datum bij dat het voorval geschiedde. De actrice die we dus in een glimp gezien hadden, had nog in zijn Londense huis gelogeerd in oktober 1983. “Blow Up”, de Antonioni cultfilm had hij de eerste keer gezien in april 1972 en sinds die dag draagt hij net als het rokkenjagende hoofdpersonage altijd witte broeken omdat hij na het zien van de film overtuigd was dat hij daarmee mooie vrouwen zou kunnen imponeren. Dr. Julian is een historische autodidact want van opleiding een aquarel schilder. Een tijd terug had hij een informatief programma bij een lokaal televisiestation, in het welk hij met grote zwarte hoed op zijn hoofd en met witte opgerolde broek door de Singaporese straten draalde en historische feiten met verwante data naar de kijkers hun hoofd slingerde. Gedetailleerder  dan een wandelende encyclopedie. 

Dr. Julian woont te midden van het oerwoud in een statig maar vervallen huis. Echt wel een droomhuis voor een schrijver, met een bureau dat uitgeeft op de tropische bomentuin vol lianen en olifanten-oren-planten. Er woont een pythonslang in zijn tuin en die heeft alle kippen opgegeten behalve de kip die geen eieren legt. Toen ik op een avond op zijn zwoele terras zat, verlicht door lampionen in de bomen begon zijn telefoon opeens te rinkelen. Geen supersonisch gsm-gerinkel, Dr. Julian moet de enige mens op aarde zijn die niet meedoet aan de gsm-manie. Hij heeft er geen en  zal er nooit geen hebben. Het was een soort gerinkel dat ik al jaren niet meer had gehoord. Het gerinkel van een bakelieten telefoon.

Het leek wel een schilderij, dat duistere huis met een schijnend licht in Dr. Julians schrijversparadijs. Hij stond daar voor het raam met de zware hoorn tegen zijn oor geplakt, tussen de stapels, tonnen boeken in een zacht-gele gloed. Ik voelde me in een andere tijd. En toen hij de hoorn terug op de haak legde liep hij naar zijn grammofoonspeler, ja, zo nog een goeie ouwe echte, en hij liet een plaat van Sidney Bechet rondjes draaien. Ik waande me in een krakende zwart-wit film. Maar dan een met heel veel kleur. En een betere alvast dan “Identificazione di una donna”.   

Ingmar Bergman, o grande realizador sueco cujo desaparecimento já se aproxima de um ano (30 de julho de 2007), como grande autor de filmes, à exceção de alguns atípicos, construiu uma filmografia que se poderia dizer composta de uma única obra, o "macrofilme", e os filmes singulares apenas se constituem em variações sobre um mesmo tema. Um verdadeiro autor de filmes, na exata acepção da palavra, a possuir um universo ficcional próprio e um estilo marcante, a rigor realiza sempre um "macrofilme", a exemplo de tantos outros (Antonioni, Welles, Carl Dreyer, Hitchcock, Chaplin, et caterva).

Bergman, por exemplo, utilizava-se do veículo cinematográfico para expressar a sua filosofia de vida e visão do mundo. Suas constantes temáticas mais explícitas giram em torno do silêncio de Deus, que, segundo ele, se existe realmente, abandonou suas criaturas num mundo miserável e hostil do qual a única saída possível, para a possibilidade de momentos de felicidade, está no amor e na arte.

Leia o texto completo clicando no post A morte, esta implacável.

48. Andrei Rublev (Andrei Tarkovsky, 1966)

Tarkovsky's movies makes Antonioni's movies seem like "Crank". In other words, Tarkovsky likes to take his time.

This is one of those films I was absolutely dreading. It's 3 hours long, and Tarkovsky's reputation preceded him. But as is usually the case when I am absolutely dreading a film, it actually ended up quite good.

I don't really know how to explain the film, structurally it's completely linear divided up in to 7 parts. It's designed as an autobiography of Andrei Rublev, a 14th century Russian artist, although it's not really accurate(at least according to the wikipedia page). But Rublev isn't really the focus of the movie, it's more like he is there in order for Tarkovsky to have a reason to show the turmoil of 14th century Russia(at least according to wikipedia).

The film does a great job of creating and evoking the middle ages (or at least how I imagine them). It just looks primitive.

And I just purchased the Criterion DVD on Ebay as I type this. God bless cheap buy it now listings.

The poster is pretty solid too, I don't know if it's the original theatrical one, but Rublev looks 'hood in it, so I am down.

On filmaffinity.com I gave the film 8/10. I think it could go higher with a rewatching, as with any 3 hour film there is a lot going on.

Michelangelo Antonioni na filweb.pl

(kliknij - powiększ)

Segundo filme do diretor Glauber Rocha que eu assisto(o primeiro foi o excelente Deus e Diabo no Terra do Sol). Aqui, o ambiente é o cenário político brasileiro, e esteticamente nos remete ao neorealismo do Antonioni sendo que com toques de megalomania como um Oito e 1/2 do Fellini, ainda que com uma voz em off tão insuportável quanto a de Cidadão Kane(sacou?.P). O filme é explendoroso na primeira parte com cenas grandiosas, a segunda parte entedia demais pelo excesso de improvisação teatral filmada. Nhém! Ainda fiquei comovido com o elenco: Jardel Filho é um homem de verdade de tão viril; Paulo Autran dispensa comentários; Danuza Leão linda e calada fica óteema como atriz; Francisco Milani tão lindo jovem. Destaque ainda às cenas de festas regadas à jazz com os atores farreando com as bonitonas da cena carioca da época, comentada na última autobiografia da Danuza*(eu sou fã dela!) e à trilha sonora também.

* Lembro que a bunitah diz em sua biografia que o filme foi feito todo na colegagem: atores amigos do diretor, locações em casas de amigos, era filmado de manhã ou de dia, e o resto do dia o diretor ia atrás de dinheiro. Ela diz ainda que Autran e o diretor tiveram paus de briga pelo estilo do diretor de não seguir um roteiro e improvisar ou mudar tudo em cima da hora.

Rituale visita alla Fiera del Libro di Torino.
A differenza dello scorso anno, quando sono stato di casa a più appuntamenti quasi in contemporanea, questa volta mi sono limitato alla sola passeggiata tra le "bancarelle".
Stanchezza a parte, la visita è stata comunque fruttuosa: presso l'editore Taschen ho trovato l'interessante volume Michelangelo Antonioni - Tutti i film.
Che cosa ha fermato il mio occhio sul libro?
Il fotogramma di copertina tratto dal film Blow-up.