Carlo Goldoni

"O mundo é um belo livro, mas com pouca utilidade para quem não sabe ler"

Carlo Goldoni

Louis Armstrong (clicar em baixo)                                                         http://www.youtube.com/watch?v=vnRqYMTpXHc

Separati dall’infanzia, i due gemelli, Zanetto e Tonino, non sono a conoscenza l’uno dell’esistenza dell’altro: il destino li conduce improvvisamente nella stessa città. Il primo è ricco e un po’ lento, il secondo scaltro e poverissimo. Impossibile per chi li circonda (servi, amici, fidanzate) non confonderli e scambiarli dando vita a un turbinio di equivoci, rivelazioni, follie. Un capolavoro della scrittura comica, l’eccezionale virtuosismo sul classico tema dello sdoppiamento, l’incanto del gioco teatrale dei simili e degli opposti. Carlo Goldoni porta a livelli altissimi il teatro comico: lo fa usando le tecniche della drammaturgia settecentesca e la sapienza scenica di chi il teatro lo scrive ma sa anche “farlo”, di chi impone agli attori una parte, ma solo dopo averla costruita sulle loro personali potenzialità e inclinazioni.

Sul palco, oltre a Massimo Dapporto, Alessandra Raichi, Giovanna Centamore, Osvaldo Ruggeri, Francesco Gusmitta, Umberto Bortolani, Marianna de Pinto, Carlo Ragone, Felice Casciano, Adriano Braidotti, Lamberto Consani. Le scene sono di Pier Paolo Bisleri, i costumi di Elena Mannini, le musiche di Germano Mazzocchetti, le luci di Sergio Rossi.

Prezzo dei biglietti: 25 euro per il I settore di platea (ridotto 23), 22 euro per il II settore di platea (ridotto 20) e 20 euro per i palchi (ridotto 17); 20 euro per il I settore di galleria (ridotto 18), 18 per il II settore di galleria (ridotto 16) e 16 per i palchi (ridotto 14). Per ulteriori informazioni: 0773.652642 - 0773.652637.

"Vi amo troppo e voi mi amate pochissimo" tale è la considerazione che Leonardo rivolge a Giacinta, sua futura sposa al calar del sipario sul primo tempo della Trilogia della Villeggiatura di Carlo Goldoni per la regia di Toni Servillo. Una frase che dà la dimensione della tragedia personale di Leonardo: consapevole di amare una ragazza che non lo ama, ma spinto dall'amore che prova per lei a sposarla e a esserne geloso. La regia di Servillo, infatti, mette in rilievo proprio l'amore infelice di Leonardo. Lo fa mettendo in posizione di preminenza (il calar del sipario) la battuta riportata e lo fa dando una rilevanza assoluta alla fisicità: a differenza di quanto si è soliti vedere nelle commedie goldoniane, infatti, gli attori della compagnia di Servillo si toccano, si abbracciano o si tengono a distanza. Giacinta accarezza (sensualmente) l'uomo di cui è innamorata (Gugliemo) e tiene a debita distanza l'uomo che diventerà suo marito. Il corpo - a differenza delle parole - non mente: Giacinta, infatti, dichiara verbalmente di amare Leonardo, ma con il linguaggio non verbale lo rifiuta, mentre accoglie Guglielmo che respinge a parole. Giacinta è frigida con Leonardo ma passionale con Gugliemo. Entrambi la amano ed entrambi sono destinati all'infelicità per causa sua: ella, infatti, sceglie di sposarsi con Leonardo perché più che l'amore è bene seguire le regole imposte dalle convenienze sociali. Giacinta, insomma, nella regia di Servillo, diventa una ragazza, tutto sommato, odiosa e scioccamente razionale (la mente prima del cuore, questo potrebbe essere il suo motto).

Una regia, quella di Servillo, raffinata, colta ed elegante, supportata da costumi bellissimi (di Ortensia De Francesco) e da scene altrettanto belle (di Carlo Sala). La recitazione imposta agli attori va brevemente analizzata: i ragazzi sono apparsi convincenti, mentre le ragazze no. Anna Della Rosa nel ruolo di Giacinta è apparsa distante, razionale e isterica. Una chiave di lettura del suo personaggio, indubbiamente, ma non è stato del tutto convincente il modo dell'attrice di realizzarla. In altre parole, Anna Della Rosa è apparsa falsa. Anche Eva Cambiale (Vittoria) ha tenuto una recitazione troppo sopra le righe, costantemente isterica. Buone, invece, le prove di Andrea Renzi (un Leonardo a tratti infantile, a tratti consapevole) e Tommaso Ragno (un Gugliemo a volte comico per la sua serietà e compostezza). Ottima l'interpretazione di Betti Pedrazzi (Sabina volitiva e comicamente sensuale) e quella di Paolo Graziosi (un tenero e svagato Filippo). Di livello superiore quella di Toni Servillo (un Ferdinando affettato, effeminato e cicisbeo).
Spettacolo da non mancare.

Toni Servillo, regista di questo nuovo allestimento prodotto dal Piccolo di Milano e andato in scena al Teatro Gesualdo sabato 19 e domenica 20 gennaio 2008, pur riconoscendo i debiti a Strehler (e come non farlo?) sceglie poi di allontanarsene puntando sulla semplificazione dell’intreccio e riducendo la durata complessiva dello spettacolo a circa tre ore.

E, sia detto subito, credo sia proprio questo il limite maggiore di uno spettacolo certamente di grande qualità, ma non del tutto riuscito. La “Trilogia” non nasce come un testo unico: le tre commedie che la compongono (“Le smanie per la villeggiatura, Le avventure della villeggiatura, il ritorno dalla villeggiatura”) andarono in scena nel 1761 in periodi successivi, anche se ravvicinati. Goldoni le scrisse partendo da un’idea di base unica ma preoccupandosi di fare in modo che ogni spettacolo potesse essere visto in maniera autonoma. Da quel grande scrittore che era, Goldoni sperimentò una forma “seriale” di teatro che gli permise di seguire l’evoluzione dei suoi personaggi sulla lunga durata, analizzando motivazioni e comportamenti, caratteri e princìpi, vizi e virtù di una certa società mercantile del settecento.

Nello spettacolo di Servillo, però, questa ampiezza e sottigliezza di analisi emergono solo a tratti, più nelle singole scene che nell’insieme dell’opera, più nell’interpretazione degli attori che nello sviluppo drammaturgico, che anzi a volte risulta piuttosto forzato e frettoloso.

In compenso lo spettacolo è molto gradevole, scorre con linearità e piacevolezza dall’inizio alla fine, anche se con ritmi di recitazione fin troppo alti.

Ed è un piacere riscoprire, ancora una volta, quanto i classici possano continuare ad essere attuali: i personaggi di Goldoni sono patetici nella loro ansia di apparire e irritanti nella loro capacità di autodistruggersi pur di non rinunciare alla villeggiatura, simbolo di un benessere che va esibito ad ogni costo in una società che impone stili di vita e regole. Anche, e soprattutto, all’amore.

Tutti molto bravi gli attori, da Anna Della Rosa (Giacinta) a Andrea Renzi (Leonardo), dalla giovane Eva Cambiale (Vittoria) allo stesso Toni Servillo, un simpaticissimo Fernando, disteso su una sedia sdraio nell’assolata campagna toscana, con un enorme sole giallo in un cielo di un opprimente rosa pallido, quasi a sottolineare il peso di una vacanza che della vacanza non ha più nulla.

Mirko Di Martino

Teatro Gesualdo Avellino

Sabato 19 e domenica 20 gennaio 2008

Pubblicato su Il Corriere dell'Irpinia del 23 gennaio 2008

No terminamos de celebrar un espectáculo y aparece otro. El Festival Santiago a Mil se tomó en serio esto de “lo bueno, mucho” y de expandirse a regiones. La noche del viernes Goran Bregovic con su “Orquesta para bodas y funerales” desbordó la Playa Chica de Cartagena y mañana un clásico del teatro italiano, “Arlequín, servidor de dos patrones” se verá por primera vez en el Parque Aconcagua de Quillota, completamente gratis.

(Fuente: La Nación)

“Arlequín, servidor de dos patrones” es una comedia escrita en 1747 por Carlo Goldoni, seis décadas de montajes. La versión que será presentada en Chile por Ferruccio Soleri con la compañía Piccolo Teatro di Milano, es de Giorgio Strehler (1921-1997), quien retoma características originales de la obra: gran teatralidad, hilarantes equívocos, alta destreza física, música y canto, con toda la fuerza y transparencia del teatro popular y callejero del siglo XVIII.

Arlequín es representado por el actor Ferruccio Soleri, de 78 años, quien además de demostrar gran destreza física, aporta su genialidad y trabajo, haciendo que el personaje crezca aún más. 

El Piccolo Teatro di Milano fue fundado en Milán en 1947 por Paolo Grassi y Giorgio Strehler y como compañía son la primera organización estable de la escena italiana. Desde el inicio el objetivo fue constituir un teatro popular e ideológicamente opuesto al movimiento fascista de la época y por eso innovaron en el repertorio y en el estilo de interpretación.

“Arlequín, servidor de dos patrones”, en al versión de Carlo Goldoni es parte de la tradición de la Commedia dell Arte Italiana, es un género teatral que surgió entre los siglos XVI y XVII, en el que se incorporaron elementos para caracterizar a cada personaje junto a máscaras, generalmente hechas de cuero y llevadas por los personajes masculinos, que cubrían la mitad del rostro.

Los actores llevaban a escena historias cotidianas donde la actuación, la acrobacia y la música se fundían en una mixtura cargada de improvisación y talento propio. Mucho de esta tradición estará el Arlequín que veremos en Chile.

Sabato 19 gennaio, alle 21, e domenica 20 alle 18,30, al Teatro Gesualdo sarà di scena Toni Servillo con “La trilogia della villeggiatura”.

Tra i massimi capolavori della maturità goldoniana, La trilogia della villeggiatura è anche una macchina teatrale di eccezionale ampiezza e complessità. Toni Servillo affronta Goldoni nell’anno del terzo centenario della nascita e lo confronta con Eduardo, autore molto caro e ben frequentato dal regista campano, di cui ha recentemente messo in scena Sabato, domenica e lunedì.

A oltre mezzo secolo dalla messa in scena di Giorgio Strehler (La Trilogia andò in scena al Piccolo il 23 novembre 1954) i tre testi Le smanie per la villeggiatura, Le avventure della villeggiatura e Il ritorno dalla villeggiatura, concepiti da Goldoni come un’unica opera, rivivono in uno stesso spettacolo con questo nuovo, originalissimo, allestimento che rappresenta un affresco “a puntate” della società settecentesca. Una folla di personaggi anima la scena tra l’ostentazione del lusso, la volontà di apparire, le difficoltà economiche e i contrasti del cuore.

La compagnia della Trilogia riunisce attori di provenienze geografiche e generazioni diverse, molti dei quali sono giovani formati con un lavoro “sul campo” nello spirito del gruppo di Teatri Uniti, da sempre luogo aperto di scambio culturale e di formazione alla scena. Nello spettacolo, con Toni Servillo, che firma adattamento e regia, sono in scena Andrea Renzi, Francesco Paglino, Rocco Giordano, Eva Cambiale, Salvatore Cantalupo, Tommaso Ragno, Paolo Graziosi, Anna Della Rosa, Chiara Baffi, Gigio Morra, Betti Pedrazzi, Giulia Pica, Marco D’Amore, Mariella Lo Sardo. Le scene sono di Carlo Sala, i costumi di Ortensia De Francesco, il suono di Daghi Rondanini, il disegno luci (realizzato da Lucio Sabatino) è di Pasquale Mari.

Che interpreti il furbo servo Dubois di Marivaux o il geloso Peppino di Eduardo, o, al cinema, l’indimenticabile Titta Di Girolamo delle Conseguenze dell’amore, Toni Servillo è un artista che imprime ad ogni interpretazione e regia un tocco inconfondibile.

La Trilogia racconta una vacanza dalla vita che si rivela essere nient’altro che il contenitore di tutto l’orrore, le noie e le isterie della vita stessa. Ma racconta anche qualcosa di più terribilmente contemporaneo: il desiderio di esserci piuttosto che di essere. Il risultato finale è una malinconia infinita, perché ciascuno si ritrova davanti a una parete grigia e dietro quella parete grigia c’è un inesorabile temporale.

Note di regia:

“Ciò che conquista della Trilogia della Villeggiatura è la sua assoluta originalità, la sua perfetta architettura teatrale”, spiega Toni Servillo. “Sotto i nostri occhi, nello svolgimento delle tre commedie, assistiamo, come se si trattasse di un romanzo, alla trasformazione dei personaggi in persone i cui destini, le cui emozioni, ci riguardano e ci toccano profondamente. Questa trasformazione è visibile soprattutto in Giacinta, che sembra sottrarsi alla propria rappresentazione per rivolgersi, nei suoi monologhi, direttamente al pubblico, alla vita”.

I personaggi che via via incontriamo sembrano raccontarci un oggi animato dalla necessità di esserci piuttosto che di essere, da una ricerca ostinata e nevrotica della felicità, dall’incapacità di intravedere, all’orizzonte, novità che sostituiscano le abitudini. Goldoni ci offre un’analisi lucida e cruda di questo mondo, che è anche il nostro. Un mondo”, conclude il regista, “in cui i sentimenti e i destini sono spesso trattati con fredda aridità, alla stregua di una partita doppia”.

Letizia Russo, in questa singolare riscrittura del Feudatario di Goldoni, reinterpreta la formula a modo suo, lasciando inalterata la struttura dell’opera ma riempiendola di un contenuto che è esattamente opposto al suo significato originale.

L’ordine iniziale si ricompone, è vero, ma è un ordine che i personaggi subiscono senza scegliere, incapaci come sono di uscire dai ruoli che ciascuno di essi deve giocare fino in fondo. Attraverso le loro azioni si esprime la necessità del potere che non fa altro che alimentare se stesso: il denaro, la proprietà, la terra, tutto ciò che i personaggi chiamano semplicemente con il nome di “merda”, è il centro a cui tutto tende e tutto ritorna. Qualcuno si sente a suo agio, qualcun altro no, ma il risultato è lo stesso. Perfino i contadini-scagnozzi imparano ben presto che comandare o ubbidire, a conti fatti, è un po’ la stessa cosa. E anche l’amore, in fondo, è solo un’altra faccia del potere, una proprietà come un’altra.

Il fascino dello spettacolo è proprio in questo gioco di specchi, in questo suo essere una sorta di “lato nascosto della luna”: anche nel Feudatario originale, in fondo, si parla delle stesse cose, ma lì le parole mascherano la realtà: il sesso diventa amore e il potere giustizia. Convincono meno, invece, nello spettacolo, alcune altre scelte che appaiono piuttosto gratuite, una sorta di concessione a certi stereotipi della contemporaneità come, ad esempio, l’amore incestuoso tra madre e figlio.

La lingua di Letizia Russo è incisiva ed efficace, anche se spesso troppo compiaciuta nel ricercare la disarticolazione ad ogni costo. Pierpaolo Sepe guida con sicurezza gli attori verso una recitazione piena di ritmo ma distaccata, fredda, con le battute che vengono rilanciate l’una addosso all’altra come rasoiate. La sua regia, spingendo sul pedale del grottesco a volte in maniera un po’ schematica, offre alcune idee di forte impatto visivo, costruendo in particolare un finale di inquietante bellezza.

Tutti molto bravi gli attori ma, in particolare, colpiscono il Pantalone di Gino Curcione, un amministratore cinico e astuto, la Beatrice di Monica Piseddu, simbolo stesso del potere che non ammette alcun ostacolo lungo il suo cammino, e il Nardo di Diego Sepe, simpaticissimo guappo che, in compagnia dei suoi ridicoli compari, si aggira come un clown in un mondo di cui fatica a capire le regole.

Pubblicato su www.teatroteatro.it

Vedi la scheda

Chi passa davanti a una filiale della Banca Carige può entrare a vedere se riesce a trovare ancora una copia dell'ultimo numero della sua rivista istituzionale, La Casana, da quarantanove anni omaggio della ditta. Al suo interno, insieme con un bel ritratto dell'architetto Gino Coppedè – autore, tra l'altro, del Castello Mackenzie – si trova un articolo di Vezio Melegari dedicato alla sosta "lietamente fatale" di un ventinovenne Carlo Goldoni nella Genova del Settecento e che riporta brani delle sue Memorie.

Il direttore e io avevamo alloggio in una casa attigua al teatro. Avevo visto alle finestre dirimpetto alle mie una giovane che mi pareva bellina e avevo voglia di conoscerla. Un giorno che era sola la salutai teneramente; lei mi fece una riverenza e scomparve subito, né più si lasciò vedere. Eccomi punto dalla curiosità e nell'amor proprio cerco di sapere chi sta nella casa dirimpetto al mio alloggio: è il signor Conio, notaio del collegio di Genova, uno dei quattro deputati al Banco di San Giorgio.

Un paio di mesi dopo viene celebrato il matrimonio e chi ha voglia di andare a cercare il luogo dell'incontro può trovarlo dalle parti di via Balbi. Il teatro di cui parla Goldoni, quello in cui recitava la sua compagnia, è il Teatro del Falcone, andato distrutto durante l'ultima guerra e da poco ristrutturato come spazio espositivo. Si trova in uno dei cortili di Palazzo Reale e, in fondo al caruggio tra questo e uno dei palazzi dell'università, una lapide su un muro ricorda quel lontano incontro citato nelle Memorie del commediografo.

Fino a domenica si può continuare con questo momento settecentesco-goldoniano con Il teatro comico, in scena al Teatro della Corte, un moderno esempio di "teatro nel teatro", la prima delle sedici nuove commedie promesse all'impresario Gerolamo Medebach per il 1750, la "commedia-manifesto" della sua riforma teatrale. Lo spettacolo è messo in scena dalla compagnia del Teatro Stabile di Bolzano e nel presentarlo alla Biennale di Venezia, il regista Marco Bernardi scriveva:

Se avessi la bacchetta magica porterei con me lo spettatore su una nave che viaggi nel tempo fino alla sera del 5 ottobre 1750, al Teatro S. Angelo, nell’attimo in cui si apre il sipario su "Il Teatro comico". Pensate quale doveva essere la tensione degli attori alle prese con uno spettacolo in cui interpretavano se stessi e l’essenza stessa del proprio destino artistico e professionale! Non avendo la bacchetta magica ho cercato di ricostruire quel clima di attesa, quel fervore che si crea in una compagnia quando c’è la sensazione di fare qualcosa di nuovo, di veramente importante, che cambierà le loro vite.

Nelle immagini: un dettaglio di una stampa settecentesca, collezione Carige, e gli attori della compagnia del Teatro Stabile di Bolzano.

It is when the action being presented is so enthralling, no matter how ridiculous or over-the-top, that the energy between the audience and cast members is one of responsiveness and appreciation. Theatre as a form of entertainment – a way to lose yourself in the melodrama of other people’s
lives – is a shared experience. The farcical presentation of the characters can make you glad that your life is, well, plain in comparison.

The Victorian College of the Arts Drama School’s season of Carlo Goldoni's The Venetian Twins, part of their comedy series Give 'Em Enough Rope, is an energetic piece in the Comeddia dell'Arte style.

It’s initially confusing because the actors, who are pretending to be Italians, are putting on British accents. Moreover, the translation of an Italian play originally written in 1747 is sometimes awkward by using out-dated words such as ‘blockhead’, ‘clod’ and ‘oaf’. Nevertheless, as the play progresses you warm up to the characters, their complicated love stories, bawdy insults and melodramatic tendencies.

The play centres around Zanetto (Brendan McCallum), a rustic nobleman who has come to Verona to marry Rosaura (Celia Mitchell). Unknowingly his twin brother, the much more refined Tonino (Cameron Moore), is also in town looking for his true love Beatrice (Meredith Penman). The brothers have not seen each other for years and their startling resemblance causes an array of misdirected love declarations, dramatic outbursts and duel challenges.

The cast do a great job creating characters full of flaws and personality quirks, which makes them endearing to watch and heartening not to know in real life. Audience favourites include the sleazy Pancrazio (Tim Ross), Penman as the lovestruck Beatrice, whiny Florindo (Tim Potter) and the puntzy Lelio (Ben Pfeiffer).

Director Gary Down wrote the following in the programme: “I would have loved to have had an endless budget, but watching this cast of actors doing what they do on a minimal set, convinces me that "bells and whistles" do not necessarily make for an exciting night in the theatre. Good acting does.”

As an audience member, the vibrant action and sustained focus of the cast, coupled with colourful costumes and a witty script, made you unaware of The Venetian Twins' supposedly minimal budget. The play is professional, fast-paced and delightful, making you forgive Goldoni’s misogynist undertones and ostentatious characters. If you’re looking for a night of farcical fun, look no further.

:: The Venetian Twins at the Grant Street Theatre, VCA, Southbank from 24 August - 3 September 2007.

Massimo De Francovich

Il ventaglio de Goldoni es presenta per quatre dies al TNC per tancar la temporada teatral.

L'esdeveniment és important doncs aquestes quatre úniques representacions ens les ofereix el mític Piccolo Teatro di Milano sota la direcció de Luca Ronconi, dins les celebracions dels 300 anys del naixement de Carlo Goldoni i del 60è aniversari de la fundació del Piccolo.

Simone Toni (Crespino, el sabater)

Deliciós espectacle el que ens ha ofert el Piccolo. Magistral direcció del gran Luca Ronconi i magistral interpretació de tots i cadascun dels membres de la magnífica companyia.

Un joc escènic milimétricament treballat on és tan important el text com la gestualitat dels actors. Hi havia moments que el constant moviment gestual semblava una coreografia perfectament assemblada amb l'acció i el text. Quina absoluta sapiència escènica la de Ronconi i quina lliçó magistral de teatre, ben fet i ben dit.

Podria tan sols posar un únic retret en una actuació de cabdal importància en la trama,  per be què secundaria. A la senyora Giulia Lazzarini, que actua estupendament, li manca una presència vocal, que amb la crec jo que volguda, segurament per Ronconi, reducció del volum sonor d'aquest personatge, per tal de marcar més el caràcter senyorívol i aristocràtic, ha fet que la seva veu i per tan, la seva presència en escena, es perdés a la sala gran del TNC, que ja sabem que no és un prodigi d'acústica, però mentre que als altres, quasi sempre se'ls escoltava a ella quasi mai.

A destacar absolutament dues interpretacions de entre les eminents, la de Federica Castellini fent de la camperola Gianina i la de Massimo De Francovich fent el Comte de Rocca Marina. Però tots els altres, repeteixo que magnífics.

Avui dissabte 30 de juny, és l'última oportunitat de veure’ls a Barcelona. Si algú no vol veure un altre Manon, ni per la tele, li recomano una visita al TNC.

L'espectacle és en llengua italiana i sobretitolat al català (que és llegeix amb dificultat), però crec que l'obra, encara que el coneixement del italià no sigui de nivell de tesi doctoral sobre la Divina Comèdia, s’entén prou be.

Leggi anche: Le "Variazioni enigmatiche" per la regia di Mauri