Per affinità di genere può essere accostato ad altri sceneggiati del periodo quali A come Andromeda, E.S.P., Il fauno di Marmo, Gamma e soprattutto Il segno del comando con cui condivide svariate similitudini.

L'azione si svolge in Toscana tra Firenze e la zona di Volterra e coinvolge un giovane squattrinato Nino Castelnuovo alle prese con una misteriosa ragazza interpretata da Daria Nicolodi (all'epoca molto nota dopo il successo del film Profondo Rosso) che pare essere la reincarnazione della misteriosa donna velata ritratta in un quadro del 700.

Tra misteriose apparizioni, personaggi venuti dal passato, morti inspiegabili ed inquietanti coincidenze il giovane si troverà intricato in un mistero legato ad un'urna che nasconde le indicazioni per trovale l'ingresso ad una necropoli etrusca piena di tesori.

5 episodi di 60' minuti circa

trasmessa su Rai 1

sigla dello sceneggiato

Top! do Leitor:

franc1968

Uma lista desleixada:

01. Dublê de Corpo (Brian de Palma, 1984)
02. Sem Saída (Roger Donaldson, 1987)
03. A Piscina Mortal (Stuart Rosenberg, 1975)
04. A Maratona da Morte (John Schlesinger, 1976)
05. Coração Satânico (Alan Parker, 1987)
06. Prelúdio Para Matar (Dario Argento, 1975)
07. Faca de Dois Gumes (Murillo Salles, 1989)
08. A Trama (Alan J. Pakula, 1974)
09. Seven (David Fincher, 1975)
10. Sinais (M. Night Shyamalan, 2002)

Tops! da Equipe:

Daniel Dalpizzolo

Os três primeiros são releituras daquele que considero o filme mais importante já feito – Vertigo, é claro - e no restante a grande herança sobrevivente pode ser redividida em alguns segmentos bem específicos, desde a construção da farsa narrativa até a composição do humor que sustenta alguns de seus trabalhos. Em tempo, e antes que questionem: Blowup e Blowout, que seguindo rótulos populares seriam dois dos melhores filmes a se citar neste top, ficaram de fora por achar muito pouco representativos em relação ao tema proposto.

01. Blackout (Abel Ferrara, 1997)
02. Trágica Obsessão (Brian De Palma, 1976)
03. A Síndrome de Sthandal (Dario Argento, 1997)
04. Lisa e o Diabo (Mario Bava, 1973)
05. Os Filhos do Medo (David Cronenberg, 1979)
06. O Segredo da Porta Fechada (Fritz Lang, 1947)
07. Halloween (John Carpenter, 1977)
08. Charada (Stanley Donen, 1968)
09. A Vida Íntima de Sherlock Holmes (Billy Wilder, 1970)
10. Busca Frenética (Roman Polanski, 1988)

Djonata Ramos

Não sei se é pra ordenar por ordem de mais hitchcockiano ou melhor filme independente disso, então, não tem ordem alguma.

01. Blow Out - Um Tiro na Noite (De Palma, 1981)
02. O Silêncio do Lago (George Sluizer, 1988)
03. Gosto de Sangue (Irmãos Coen, 1984)
04. Cabo do Medo (Martin Scorsese, 1991)
05. Zodíaco (David Fincher, 2007)
06. Match Point (Woody Allen, 2006)
07. Corpo Fechado (M. Night Shyamalan, 2001)
08. Spider (David Cronenberg, 2002)
09. Halloween (John Carpenter, 1977)
10. Barton Fink (Irmãos Coen, 1991)

Adney Silva

Hitchcok sem dúvida alguma foi um dos diretores mais influentes do cinema. ele era um dos poucos diretores que sabiam agradar a crítica eo público (especialmente na era de ouro da Universal). E essa influência vemos em filmes dos mais variados gêneros, do suspense a comédia.

01. Vestida Para Matar (Brian De Palma, 1980)
02. Barton Fink (Irmãos Coen, 1991)
03. O Mensageiro do Diabo (Charles Laughton, 1955)
04. Charada (Stanley Donen, 1968)
05. Halloween (John Carpenter, 1977)
06. O Grande Golpe (Stanley Kubrick, 1956)
07. Cabo do Medo (Martin Scorsese, 1991)
08. Cliente Morto Não Paga (Carl Reiner, 1982)
09. O Sexto Sentido (M. Night Shyalaman, 1999)
10. Match Point (Woody Allen, 2006)

Thiago Duarte

01. Barton Fink (Joel Coen, 1991)
02. Match Point (Woody Allen, 2006)
03. Blow Out - Um Tiro na Noite (Brian De Palma, 1981)
04. De Olhos Bem Fechados (Stanley Kubrick, 1999)
05. O Homem Que Não Estava Lá (Joel Coen, 2001)
06. Corpo Fechado (M. Night Shyamalan, 2001)
07. Blow Up - Depois Daquele Beijo (Michelangelo Antonioni, 1966)
08. Tubarão (Steven Spielberg, 1975)
09. Veludo Azul (David Lynch, 1984)
10. Seven (David Fincher, 1995)

Luis Henrique Boaventura

Ia colocar Profondo em primeiro, depois mudei pra Tenebre pra não citar acho que pela terceira vez o Profondo Rosso no top 1, aí pensei pelo grau de influência do Hitch notável em cada filme, depois pensei que não precisava levar os tops tão a sério, depois parei com essa putaria e postei o top de uma vez.

01. Prelúdio Para Matar (Dario Argento, 1975)
02. Veludo Azul (David Lynch, 1984)
03. A Tortura do Medo (Michael Powell, 1960)
04. Blow Up - Depois Daquele Beijo (Michelangelo Antonioni, 1966)
05. Sinais (M. Night Shyamalan, 2002)
06. Ensaio de um Crime (Luis Buñuel, 1955)
07. Vestida Para Matar (Brian De Palma, 1980)
08. Olhos Diabólicos (Mario Bava, 1963)
09. O Estripador de Nova York (Lucio Fulci, 1982)
10. O Pássaro das Plumas de Cristal (Dario Argento, 1970)

Durante a divulgação do DVD do filme O Retorno da Maldição - A Mãe das Lágrimas nos EUA, o diretor Dario Argento deu uma rápida entrevista a Brian Collins do portal Bloody-Disgusting.com. Apesar do assunto principal ser o filme em questão, Brian conseguiu algumas informações extras sobre o próximo filme do mestre italiano - Giallo, com lançamento previsto para 2009. Para mais informações sobre o filme, clique aqui. Caso queira ler a versão original, em inglês, da entrevista, clique aqui. Veja abaixo a versão traduzida do material:

Brian Collins: Então, chegou O Retorno da Maldição. Obviamente, este foi um filme que você planejava fazer há um bom tempo, desde Mansão do Inferno, certo?
Dario Argento: Sim, por muitos e muitos anos tive vontade!

Collins: O quanto a versão final do filme se aproximou do ideal que você tinha em mente quando o concebeu, há tanto tempo?
Argento: Primeiramente, filmei Suspiria, na seqüência, Mansão do Inferno, sem intervalo entre eles, como se fosse uma produção só, que levou cerca de cinco anos para ser concluída. Para desenvolver a idéia da Mãe das Lágrimas, já estava cansado, portanto, acabei adiando o filme. Além disso, queria fazer outros trabalhos, outros filmes de terror e thrillers, então, acabei esperando tempo demais. Depois de muitos anos, a idéia de desenvolver a história veio e eu fiquei entusiasmado. Para roteirizar o filme, contratei dos roteiristas norte-americanos, Adam Geirasch e Jace Anderson, que trabalharam junto comigo no texto. Ambos vieram dos EUA à Itália para participarem da produção. É um ótimo projeto, uma boa idéia.

Collins: Este DVD é sem cortes. Existe muita diferença entre esta versão e aquela que foi exibida nos cinemas?
Argento: Um pouco, sim. Existem algumas diferenças. Para a versão cinematográfica, houve o trabalho dos censores em determinadas cenas, por isso, fiquei contente do DVD sair sem os cortes feitos. Ficou mais próximo da minha versão final.

Collins: Seu próximo lançamento, Giallo, também foi escrito por norte-americanos... você gosta de escrever em parceria com norte-americanos? Há alguma diferença entre trabalhar com eles e com uma equipe italiana?
Argento: Eu gosto muito de trabalhar com roteiristas norte-americanos, além de atores da mesma nacionalidade, são mais profissionais, oferecem mais opções para você... artistas italianos são mais rígidos! É uma escolha que faço com facilidade. Sem falar dos técnicos, dos técnicos norte-americanos, especificamente, que são ótimas companhias de trabalho. Na Itália, temos ótimos profissionais também, porém, quando se trata de especialistas técnicos, a quantidade é bem menor. Além disso, muitos dos europeus mudam seu estilo de trabalhar, com isso, poucos restaram no nosso mercado (do Terror). Este é o principal motivo pelo qual tenho contratado pessoal dos EUA.

Collins: Quando você não está escrevendo o roteiro sozinho, você tem mais liberdade para concentrar-se na direção do filme?
Argento: Na verdade, não. Neste filme, adaptei uma história minha no roteiro, com meu estilo e minhas idéias. Foi muito bom. Tive tempo para dirigir melhor, mas ainda me envolvi profundamente na produção do roteiro.

Collins: Como está saindo Giallo? Pelo que sei, você está em processo de edição atualmente?
Argento: Sim, estou editando o filme agora. Bom, um bom thriller. Está um pouco sombrio, mas é um bom filme. Tive bons protagonistas - Adrien Brody e Emmanuelle Seigner. Ele é um ótimo ator, tão sensível e forte, ao mesmo tempo. Foi muito bom trabalhar com ele.

Collins: E o filme terá lançamento em circuito nacional nos EUA?
Argento: Sim, sim, claro. Mas somente no ano que vem, não agora. Nós gostaríamos de levar o filme para o festival de Cannes. É um bom filme.

Collins: Há planos de relançar algum de seus filmes mais antigos em DVD, como Four Flies on Gray Velvet (não cheguei a um acordo sobre o título nacional)?
Argento: Este filme desapareceu. Tivemos alguns problemas com a antiga produtora. Muito estranho. Estou muito desapontado com isso, é uma vergonha, de fato.

Collins: Você está envolvido na refilmagem de Suspiria?
Argento: Ninguém me procurou ainda sobre isso. Espero que respeitem o espírito do filme. Talvez não mantenham exatamente a mesma história, mas espero que o espírito do filme seja mantido o mesmo.

Collins: Qual a sua opinião sobre as refilmagens, de um modo geral?
Argento: Temos tantos filmes para criar. Faça algo novo! Continuam comprando os direitos para refazerem os filmes antigos. Às vezes, as novas versões ficam melhores que as originais. Espero que o novo Suspiria seja bom. Quem o comprou é uma pessoa interessante (Nota: Argento fala de David Gordon Green, que dirigiu o recente sucesso Segurando as Pontas [Pineapple Express], e adquiriu os direitos de refilmagem de Suspiria).

Collins: Em sua opinião, porque há tão poucos diretores italianos trabalhando com filmes de terror, ao contrário do que aconteceu nas décadas de 1970 e 1980?
Argento: Atualmente, acredito que eu seja o único italiano que está dirigindo filmes de terror. Estes filmes costumam ser caros de serem produzidos, por causa dos efeitos especiais e tal, então fica difícil arrumar quem banque isto. Os distribuidores procuram investir em coisas mais simples, com comédias, por exemplo, em que o maior custo fica no elenco.

Collins: Você já tem algum projeto encaminhado para depois de lançar Giallo?
Argento: Até o momento, não. Quero finalizar este filme e só então começar a pensar em outros projetos.

Collins: Férias!
Argento: Sem ferias! Trabalho! (risos) Quando saio de férias, não tenho trégua. Passo o tempo inteiro pensando em novos filmes, novas idéias. No fim, as férias se transformam em trabalho! (risos)

Collins: Bem, acho que é isso. Obrigado por tirar um tempo para falar com a gente. Sabe, Phenomena foi primeiro filme italiano de terror que eu vi em minha vida...
Argento: Phenomena, sim! Com a maravilhosa Jennifer Connelly.

Collins: Sim, a garota do filme Labirinto. Eu era apenas um menino e ela foi o motivo pelo qual aluguei o filme.
Argento: (risos)

Collins: Então, obrigado novamente, foi uma honra!
Argento: Não, foi um prazer!

Collins: OK, De volta à edição!
Argento: Sim, claro! (risos)

Vale lembrar que o filme O Retorno da Maldição - A Mãe das Lágrimas chegou às locadoras nacionais entre julho e agosto, antes do lançamento nos EUA. Infelizmente, não chegou aos cinemas (que eu saiba, posso estar errado!) nacionais. A distribuição dele no País é da Swen Filmes e não se sabe se a versão daqui é a dos cinemas ou a sem cortes. De qualquer forma, Argento é Argento. Vale a pena alugar e até mesmo comprar o filme.

Karl Malden plays a retired journalist (he's also blind, just too add a bit more character) who hooks up with a Newspaper reporter (the studly James Franciccus) to catch a serial killer. The murders seem to be connected to a shady Pharmaceutical company conducting experiments in genetics. It's not the best film in the Italian Master of Horror's cannon, but CONT (that almost sounds dirty) is still a fun flick that's much better than it's reputation as one of Argento's lesser films would imply.   

The pace of the movie isn't exactly break neck and it feels about 20 minutes too long, (a common problem in Argento flicks) but if you're patient enough you'll be rewarded with some pretty brutal killings, including a sweet death-by-train scene! Oh, and did I mention boobs?

I first watched this in 2004, and recall thinking it was a mildly entertaining thriller but one that I found confusing and hard to fully enjoy.  Having now sat down and watched it for the second time, I feel much better about it.  It's probably one of Dario Argento's most coherent films (plot structure having never been one of his strong points), and although lacking much of the style and blood of earlier efforts, this is still good stuff.

Stefania Rocca plays police detective Anna Mari who is contacted via email by a deranged killer who wants to play internet poker games in return for the lives of his kidnapped, female victims.  Naturally the police are cautious to play the crazed killer's game, but soon come to realise that the women's lives are in their hands, and really there's no other choice.  Step in British cop Liam Cunningham who is on hand to help Anna unmask the killer.

A new spin on Argento's tired genre of giallo thrillers where a black gloved killer stalks and slashes beautiful women - he has made it an art form for over 30 years, but even he sees that change is as good as a rest.  Fans picked this film apart when it first came out due to it being so lacking in gore and violence - but in retrospect, I think the film works just as well for what you don't see as what you do - sometimes your imagination can fill in the gaps - and anyway, isn't there enough gore filled movies around right now to satisfy our blood lust?  I agree the whole film plays it safe throughout, but the basic idea is excellent, the performances, especially from Stefania Rocca above average (and a helluva lot better than the usual no talent actors found in an Argento flick), and the ending is silly but kind of brilliant at the same time.

Not the disaster many will have you believe.

Verdict:  3 /5

This year’s festival is going to contain a mixture of films we have not yet seen (Vampyr, The Orphanage), re-viewings of classics (Scanners, Serpent and the Rainbow, and our annual screening of Halloween) and some cheese (Monster Squad, Night of the Lepus).

I’ve been disappointed with a lot of horror films of the past 15 – 20 years. Sure, there have been some rare gems here and there (The Descent and 28 Days Later being a couple examples off the top of my head), but often it seems like there is either too much CGI, an overabundance of gore with no real significance to the plot, or they are simply retreads (and many are even straight-up remakes) of ideas that were better the first time.

With that said, our annual horror film festival offers a reminder of why we love horror films as we seek out material that engages, thrills, inspires, and terrifies, whether they are classics we’ve seen dozens of times or older stand outs we haven’t yet had the chance to see.

Here’s a list of films that often make our yearly horror film fest:

Halloween (1978 - Carpenter’s classic never fails to thrill)
The Thing (1982 - my favorite film of all time—philosophical and suspenseful)
The Shining (1980 - darkly beautiful, highly quotable, unforgettable)
Night of the Living Dead (1968 - one of the first horror films I ever saw; fits the “Halloween” mood almost more than any other)
Dawn of the Dead (1978 - one of the most socially relevant horror films ever)
Black Christmas (1974 - scary and highly underrated)
The Horror of Dracula (1958 - my favorite of the Hammer Dracula series)
The Exorcist (1973 - shocking, terrifying)
Evil Dead 2 (1987 - insane, hilarious, goofy)
The Fog (1980 - Carpenter meets Poe meets Val Lewton)
Night of the Hunter (1955 – Robert Mitchum’s most haunting performance)
American Psycho (2000 - so disturbing because it touches on so many relevant social themes)
The Black Cat (1934 - Lugosi and Karloff unite in a take on a Poe tale)
Prince of Darkness (1987 - thought provoking while also prompting some chuckles)
Sunset Boulevard (1950 - not truly a horror film, but the dark mood fits the season)
Suspiria (1977 - Argento’s most coherent and chilling work)
Martin (1977 - Romero’s low budget yet interesting take on a vampire tale)
Texas Chainsaw Massacre (1974 - the documentary style of the original is highly disturbing)
Wait Until Dark (1967 – not exactly horror, but the suspense is abundant)
Freaks (1932 - still can’t believe this cult-classic was ever made, let alone in the ‘30s!)
In the Mouth of Madness (1995 – Carpenter meets a Lovecraft inspired story that messes with your mind)
Hour of the Wolf (1968 - Bergman’s strangest and most suspenseful film)

I could probably stretch this list into 50 or 60, but I’ll stop for now.

But I have a question: What are your favorite horror films? Feel free to drop us a line as we’re always looking for new ones to check out. Maybe you can tip us off to a classic we’ve missed? Or perhaps you can recommend a recent one that was made with style that skipped our radar? Whatever the case, drop us a line and let us know your thoughts.

--Brian Peterson/IMUR

Let me begin by saying that although Dario Argento is one of my favourite directors, he is not one without faults.  He is terrible at directing actors and often cares little for plot coherence or believable dialogue.  Yet what he does right - he does so right as to nearly forgive any shortcomings.  This made for TV entry in his commendable cannon of output is his tribute to Alfred Hitchcock and how many have compared him to the famed director over the years - yet without the bravura of Argento's more celebrated work (Suspiria, Tenebrae, Opera etc) and with some pitifully amateurish actors gathered together - he also shows himself up as an inferior director, at least when trying to copy such a master.

A film student believes that after witnessing a murder across the street from him via his window (a clear nod to Rear Window) his overactive imagination suspects that the murder victim's daughter and a mysterious blonde are working together, ala Strangers On A Train.  Quite why he comes to such a conclusion is both unclear and unbelievable - but thankfully, or should that be luckily he turns out to be somewhere near the truth.  As this is Argento the atmosphere, some grand orchestral music and one stand out murder set piece impressed me greatly, but the characters, especially our nerdy film student proved highly unlikable to the point of annoyance.

I wasn't expecting much, as the feedback on this film is luke warm at best, but the story is engaging enough and as I said its plenty atmospheric - it just needed some of that balls-to-the-wall attitude and showmanship Argento is normally so good at, which was painfully lacking.

Verdict:  3 /5

Due autori cult del fumetto giapponese, Yasuhiro Nightow, creatore di Trigun, e Kohta Hirano, creatore di Hellsing, saranno ospiti della manifestazione lucchese, che riserverà però anche alcune sorprese "extra fumettistiche". Parteciperanno infatti alla giuria del Gran Guinigi lo scrittore Carlo Lucarelli e il maestro dell'horror Dario Argento.

Per conoscere la lista aggiornata, basta visitare il sito ufficiale della manifestazione.

[by Marco Rizzo] [25-09-08]

Top! do Leitor:

Fábio Rochenback

Tops! da Equipe:

Daniel Dalpizzolo

Procurei citar alguns que, se fossem reais, renderiam muita história de esquina, se é que me entendem.

01. Ferdinand/Pierrot (Jean-Paul Belmondo – O Demônio das Onze Horas, de Jean-Luc Godard)
02. Ângela Carne e Osso (Helena Ignez – A Mulher de Todos, de Rogério Sganzerla)
03. Sandii (Asia Argento – New Rose Hotel, de Abel Ferrara)
04. Fritz Lang (Fritz Lang – O Desprezo, de Jean-Luc Godard)
05. Nada (Roddy Piper – Eles Vivem, de John Carpenter)
06. Dr. Mabuse (Rudolf Klein-Rogge - Trilogia do Dr. Mabuse, de Fritz Lang)
07. Leandro (Terry Savalas - Lisa e o Diabo, de Mario Bava)
08. A Câmera (uma câmera – Bang Bang, de Andrea Tonacci)
09. O Macaco (um macaco - Phenomena, de Dario Argento)
10. Rupert Pumpking (Robert de Niro – O Rei da Comédia, de Martin Scorsese)

Djonata Ramos

Mítico não sei, foda, com certeza.

01. Alex "Delarge" (Malcon Mcdowell - Laranja Mecânica, de Stanley Kubrick)
02. Don Vito Corleone (Marlon Brando - O Poderoso Chefão, de Francis Ford Coppola)
03. The Dude/Lebowski (Jeff Bridges - O Grande Lebowski, de Irmãos Coen)
04. Richard Blaine (Humphrey Bogart - Casablanca, de Michael Curtiz)
05. "Blondie" (Clint Eastwood - Três Homens em Conflito, de Sergio Leone)
06. Tony Montana (Al Pacino - Scarface, de Brian De Palma)
07. Bob Harris (Bill Murray - Encontros e Desencontros, de Sofia Coppola)
08. Robert Eroica Dupea (Jack Nicholson - Cada Um Vive Como Quer, de Bob Rafelson)
09. Norma Desmond (Gloria Swanson - Crepúsculo dos Deuses, de Billy Wilder)
10. Hal 9000 (um computador - 2001: Uma Odisséia no Espaço, de Stanley Kubrick)

Thiago Duarte

Uma cambada que com certeza estaria presente na capa se eu tivesse feito um Sgt. Peppers.

01. Jack Torrance (Jack Nicholson - O Iluminado, de Stanley Kubrick)
02. Mr. Blonde (Michael Madsen - Cães de Aluguel, de Quentin Tarantino)
03. Rob Gordon (John Cusack - Alta Fidelidade, de Stephen Frears)
04. Jesse e Celine (Ethan Hawke e Julie Delpy - Antes do Amanhecer/Antes do Pôr do Sol, de Richard Linklater)
05. Bob Harris (Bill Murray - Encontros e Desencontros, de Sofia Coppola)
06. Bill Munny (Clint Eastwood - Os Imperdoáveis, de Clint Eastwood)
07. Pierrot e Marianne (Jean-Paul Belmondo e Anna Karina - O Demônio das Onze Horas, de Jean-Luc Godard)
08. Jules Winnfield (Samuel L. Jackson - Pulp Fiction, de Quentin Tarantino)
09. Dude (Jeff Bridges - O Grande Lebowski, de Joel Coen)
10. Snake Plisken (Kurt Russel -Fuga de Nova York/Fuga de Los Angeles, de John Carpenter)

Jaílton Rocha

Estou voando sobre o tema até agora, então resolvi fazer uma "relação de personagens". Ponto.

01. Paul Hackett (Griffin Dunne - Depois de Horas, de Martin Scorsese)
02. Eliot Ness (Kevin Costner - Os Intocáveis, de Brian DePalma)
03. Martin (Rutger Hauer - Conquista Sangrenta, de Paul Verhoeven)
04. Charlie/Augustus/Veruca/Violet/Mike (Freddy Highmore e outros - A Fantástica Fábrica de Chocolates, de Tim Burton)
05. Bernie Lomax (Terry Kyser - Um Morto Muito Louco, de Ted Kotcheff)
06. Beowulf (Ray Winstone - A Lenda de Beowulf, de Robert Zemeckis)
07. Oliver Rose (Michael Douglas - A Guerra dos Roses, de Danny DeVito)
08. Rodrigo Mendoza (Robert DeNiro - A Missão, de Rolland Joffé)
09. Teddy (Urso, voz de Jack Angel - A.I. Inteligência Artificial, de Steven Spielberg)
10. Wilson (Bola de Volei - Náufrago, de Robert Zemeckis)

Adney Silva

Gostaria de saber quem é o desgraçado que sugere esses posts malucos! Sim, por quê o tema dessa semana é o mais maluco de todos!!! Pelo menos ele permite a gente viajar legal na hora de fazer o top! Por isso, na condição de ser humano do sexo masculino, o primeiro não poderia ser outro. Afinal de contas, qual personagem que você conhece que traça no mínimo duas mulheres a cada filme durante mais de 40 anos, mesmo tendo seis rostos diferentes? Esse foi o critério de desempate em relação ao segundo colocado...

01. James Bond (Sean Connery/George Labenzy/Roger Moore/Timolty Dalton/Pierce Brosnan/Daniel Craig - 007, Vários)
02. Rick Blaine (ou qualquer personagem feito pelo ator) (Humphrey Bogart - Casablanca, de Michael Curtiz)
03. Ferris Bueller (Matthew Brodrick - Curtindo a Vida Adoidado, de John Hughes)
04. Harmonica Man (Charles Bronson - Era Uma Vez no Oeste, de Sergio Leone)
05. Marion Cobretti a.k.a. Cobra (Sylvester Stallone - Stallone Cobra, de George P. Cosmatos)
06. A Matrix (Efeitos Especiais - Matrix, de Wachovski Brothers)
07. Harry Powell (Robert Mitchum - O Mensageiro do Diabo, de Charles Laughton)
08. Os Pássaros (Efeitos visuais e sonoros - Os Pássaros, de Alfred Hitchcock)
09. Inspetor Closeau (Peter Sellers - A Pantera Cor-de-Rosa, de Blake Edwards)
10. O Falcão Maltês (Uma estátua - O Falcão Maltês, de John Huston)

Cassius Abreu

Tentei misturar de tudo um pouco, conforme a idéia do Duarte, e indo conforme minha memória pelos filmes; à exceção dos dois primeiros colocados. O primeiro porque quase ninguém ia lembrar e mudei muito minha posição ao rever o filme, além de ser o símbolo deste nosso especial atual; e o porquê do segundo vocês já sabem. De resto, coloquei religião, dois surtos de filmes de 1968, marcas de grandes atores, o símbolo universal da beleza e o da fanfarronice metafórica.

01. Jimmy (James Dean - Juventude Transviada, de Nicholas Ray)
02. Alex DeLarge (Malcom MacDowell - Laranja Mecânica, de Stanley Kubrick)
03. Ferris Bueller (Matthew Broderick - Curtindo a Vida Adoidado, de John Hughes)
04. Judas (Harvey Keitel - A Última Tentação de Cristo, de Martin Scorsese)
05. Rick Blaine (Humphrey Bogart - Casablanca, de Michael Curtiz)
06. O Monolito (Efeitos Especiais - 2001: Uma Odisséia no Espaço, de Stanley Kubrick)
07. Tadzio (Björn Andrésen - Morte em Veneza, de Luchino Visconti)
08. O Bandido da Luz Vermelha (Paulo Villaça - Bandido da Luz Vermelha, de Rogério Sganzerla)
09. O Oeste (Paisagem americana/italiana/espanhola - Era Uma Vez no Oeste, de Sergio Leone)
10. Willy Wonka (Johnny Depp - A Fantástica Fábrica de Chocolate, de Tim Burton)

Luis Henrique Boaventura

Levando ao pé da letra, citei os personagens mais 'cinematográficos', inexistentes, icônicos e que possuem sempre um poder gravitacional sobre tudo e todos nos seus respectivos filmes. Acho que ainda ficaram de fora o Don Vito, T-800 e T-1000 (Terminator 1 e 2), Tadzio (Morte em Veneza), Dixon Steele (No Silêncio da Noite), A (O Ano Passado em Marienbad), e todo o resto do top de femme fatales.

01. Sem Nome (Clint Eastwood - Trilogia dos Dólares, de Sergio Leone)
02. Jef Costello (Alain Delon - O Samurai, de Jean-Pierre Melville)
03. Harry Powell (Robert Mitchum - O Mensageiro do Diabo, de Charles Laughton)
04. Ferris Bueller (Matthew Broderick - Curtindo a Vida Adoidado, de John Hughes)
05. Ana (Simone Spoladore - Lavoura Arcaica, de Luiz Fernando Carvalho)
06. Overlook Hotel (um hotel - O Iluminado, de Stanley Kubrick)
07. Rick Blaine (Humphrey Bogart - Casablanca, de Michael Curtiz)
08. Hill Valley (uma cidade - De Volta Para o Futuro, de Robert Zemeckis)
09. O Inquilino (Jean Marais - Noites Brancas, de Luchino Visconti)
10. Você (o espectador - Prelúdio Para Matar, de Dario Argento)

Dario Argento e i videogiochi, un binomio insolito e apparentemente distante, almeno fino a quando il ‘maestro del brivido' non si è imbattuto nel doppiaggio di un personaggio presente all'interno di Dead Space, videogioco che miscela horror e fantascienza in maniera originale ed entusiasmante, questo anche secondo il parere illustre del regista che ha dichiarato: "Dead Space è in grado di riproporre lo spirito dell'horror come pochi altri prodotti di entertainment: non solo è il videogioco più terrificante che abbia mai giocato, ma è anche un titolo che tutti i fan dell'horror sapranno apprezzare."

Nei panni del ‘Dottor Kyne', figura chiave dell'intera trama del gioco, Dario Argento non si è limitato a leggere un copione prestando la sua voce, ma ha partecipato in maniera attiva con suggerimenti e preziosi consigli sul miglior intercalare da utilizzare per il doppiaggio, mettendo a disposizione la sua decennale esperienza. Sublime il risultato, che va ben oltre alla classica ‘voce famosa' all'interno del gioco, grazie alla preziosa opera di rifinitura che fa del capolavoro un opera unica e imperdibile per gli amanti del genere.

Come se non bastasse, al termine della sessione di lavoro il regista, dopo aver elogiato gli sviluppatori per l'enorme mole di lavoro svolta nella fase di produzione del gioco - ottime a sue dire le ambientazioni claustrofobiche e la ricca trama - ha mostrato grande rispetto ed interesse per un'area dell'entertainment ancora tutta da scoprire e in continua evoluzione.

fonte: Everyeye.it

Il regista ha dichiarato "Dead Space è in grado di riproporre lo spirito dell’horror come pochi altri prodotti di entertainment: non solo è il videogioco più terrificante che abbia mai giocato, ma è anche un titolo che tutti i fan dell’horror sapranno apprezzare.”

Se trata de Goblin, una banda italiana con una trayectoria bastante irregular (formación inestable, se han separado y reunido varias veces, etc.) con un estilo muy personal, mezclando rock progresivo con opera y otros elementos.

Sin embargo, lo más curioso de la banda es el hecho de que, aún con este estilo, la mayoría de su obra haya sido compuesta para bandas sonoras de decenas de films italianos, muchos de los cuáles dirigidos por el maestro del giallo (cine de terror-policíaco característico de Italia, para que nos entendamos) Dario Argento.

Así, entre algunas de las muchas bandas sonoras que realizaron Goblin podemos encontrar las de películas como Phenomena, Suspiria, Zombi, El amanecer de los muertos...

Sin más preludios, os dejo aquí algunas de sus canciones más representativas de la banda:

Banda sonora de Phenomena:

Banda sonora de Profondo Rosso:

Banda sonora de Suspiria:

A modo de curiosidad, comentar que la banda Rhapsody of Fire ha hecho un par de tributos a la banda en dos canciones; la primera de ella, basada en el tema principal de Phenomena:

Y la otra, una versión de Non Ho Sonno, una de las últimas bandas sonoras de Goblin:

Al parecer, algunos de los miembros de Goblin publican discos bajo el nombre de Daemonia... en cuanto los escuche ya comentaré algo por aquí, ciertamente tienen buena pinta.

Continua...

PAGINA OFICIAL DE ASIA ARGENTO http://www.asiargento.it/

Roma, 15 set. - (Adnkronos) - "Ho paura del buio come di tante altre cose normali. Ma di notte sono perseguitato da pensieri piu' profondi, da incubi che hanno poco a che fare con il reale. Sono visioni, allucinazioni". Questa la confessione che il regista Dario Argento fa a "Grazia", il settimanale diretto da Vera Montanari in edicola da domani. "Per esempio -aggiunge il regista- quando vedo un film sul diavolo, non mi impressiono. Pero', qualche tempo fa ho letto un libro che parlava anche del diavolo e mi ha messo una paura pazzesca. Ero a casa da solo e sono dovuto scappare in albergo. Guardavo il corridoio e pensavo che 'lui' sarebbe arrivato da un momento all'altro".

fonte: Adnkronos.com

On first glance, Vermeer's work lacks the heavy metal doom of Caravaggio or the sensory dizziness of Peter Paul Rubens, painters who would perhaps more immediately share a sensibility - aesthetically and thematically - with the films of Lucio Fulci. Vermeer is altogether too domestic, too ordinary, too provincial, too twee. Fulci, on the other hand, is best known for epic, explicitly gruesome horror films and giallo. At his horror best, Fulci produced some of the more fascinating and loved genre films in both Italy and the world, notably E tu vivrai nel terrore - L'aldilà (The Beyond, 1981), Zombie (1979) and Paura nella città dei morti viventi (City of the Living Dead, 1980). Despite this, there is still a vague attitude that surrounds Fulci as a poor-mans-Argento, an overzealous, bumbling second-in-command who sometimes just happened to fluke a remarkable film.

This is, of course, simply untrue. If one can extract oneself even momentarily from the starry-eyed cult of Argento, Fulci's work differs substantially and, lets face it, both directors are as guilty of producing duds as the other (Il Cartaio, I'm talking to you). If there can be one distinct formal feature that separates them, it would be this: light is to Fulci what colour is to Argento. And it is precisely this point that marks the first intersection between Fulci and Vermeer - in their respective mediums, both artists relied on light to create their unique visions.

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Vermeer's The Love Letter is much, much more than just a cute reference in the unfolding narrative of Fulci's giallo-supernatural hybrid Sette Note in Nero (Seven Notes in Black, 1977). Much critical attention to Vermeer's work by art historians has focused upon his signature utilisation of "paintings within paintings" - it is common for paintings to appear on the walls of the scenes he is depicting, and those mini, diegetically-contained paintings themselves provide "clues" as to the broader themes of the piece as a whole. In The Love Letter, for instance, it is the two paintings in the background that provide the main indication that the letter received by the woman in yellow is, in fact, a love letter. This frame-within-a-frame feature of Vermeer's work is pivotal to Sette Note in Nero, both aesthetically and thematically, and is emphasised by the privileged inclusion of Vermeer's painting itself.

Outside of the stunning Una sull'altra (Perversion Story, or One on Top of the Other, 1969) and the flawless Una Lucertola con la pelle di donna (A Woman in a Lizard's Skin, 1971) (two of the most interesting - and most famous - giallos ever made), Fulci's giallos on the whole are defined even more so than other directors of the genre by hyperactively detailed vignettes, strung together with little more than a flagrant disregard for coherent narrative. But on the whole, despite being such well-known genre staples, there is a distinct lack of consistency in Fulci's giallo compared to those of Umberto Lenzi, Sergio Martino or (dare I say it) Argento himself. Murderock - uccide a passo di danza (Murder Rock, or Slashdance, 1984) holds little allure outside of its spectacular and novel engagement with its own era, Non si sevizia un paperino (Don't Torture a Duckling, 1972) seems stylistically (let alone narratively) disengaged, and outside of some of the best gore in his entire filmography, Lo Squartaroe di New York (New York Ripper, 1982) feels like little more than an exercise in self-congratulation.

Sette Note in Nero is a relatively simple giallo, and despite the supernatural elements, there is nothing spooky or scary enough about these elements to dislocate the film from its firm giallo foundations. The film starts as a woman drives through Dover to a cliff, where she commits suicide by flinging herself over the edge. In Florence, her young daughter Virginia has a psychic vision and "sees" the death occur. These opening moments place us firmly in Fulciville - the lingering attention devoted to the collapsing skull of the falling woman allows no room for doubt as to why we are here:

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But despite this viscerally bombastic opening, the film is surprisingly low-key in its depictions of violence and (gasp) sexuality, with explicit displays of opened bodies kept to an uncharacteristic minimum. Cutting to a grown-up Virginia (played by Jennifer O'Neill of Scanners fame and, more recently, her vocal pro-life activism), it is she now who drives, smiling, happy and clearly rich as she takes her husband Francesco (Gianni Garko) to the airport. With a soundtrack gooey enough to make a Japanese bubblegum pop band overdose wretch, Virginia is a picture of wealth: it's all jodhpurs, furs, pot-o-gloss eyeshadow and fedoras in what appears to be no less than a picture-perfect, trouble free life. As she drives away, the film wastes no time as it launches immediately into its key enigma. Virginia has another psychic vision, and this becomes the riddle that the film aims to solve. It's a pretty straightforward method, and not that much different structurally from Ringu (Hideo Nakata, 1998), Spellbound (Alfred Hitchcock, 1945) or a multitude of other examples. Step 1: Provide incomprehensible sequence (dream, video, psychic vision). Step 2: Make sense of it. Virginia's mystery montage consists of a shot of a broken mirror, a shot of a room with a red lamp, flashes of red light on a black screen, a limping man, a cigarette, a dead woman's bleeding face, a magazine cover, a shot of a black and white reproduction of Vermeer's The Love Letter, and a first-person shot of a brick wall being constructed. The final component is aural, appearing over a black screen: the jingly, haunting seven notes of the films title.

From here, the narrative trajectory from beginning to end is clear. As each element of the psychic vision is explained, the story moves along, snakes and ladders like, to its next stage. Shaken after he initial vision (and peevish at the dismissive response of her parapsychologist ex-lover, Luca - Marc Porel, who was also in Don't Torture a Duckling), Virginia visits one of her husbands apparently many mansions to renovate it "as a surprise". Entering a room, she is struck immediately: it is the same room, with the same red lamp, as her vision. Compelled, she decides to dig into the wall, and discovers a skeleton:

When Francesco is arrested for the murder of this young woman (an ex-lover of his), Virginia's investigation begins in earnest, despite Francesco's often-violent dismissal of her psychic abilities. Assisted by Luca and his gorgeous assistant, Bruna (Jenny Tamburi, who was just as memorable in Martino's 1975 film Suspected Death of a Minor), begin to unravel the past. Led to an art gallery, it is here where the film takes a radical shift in mise en scene as Luca and Virginia are suddenly reduced from key players to flat black silhouettes:

It is only moments before the sight of the Vermeer painting strikes Virginia down. The camera lingers so unnecessarily long on the title plate of the painting that it becomes apparent it is not unnecessary at all: Fulci goes to great lengths to make sure we know what this painting is and who this painting is by. To prove the point, the camera pans up and is intercut between the "original" hanging in the gallery, and Virginia's memory of it from her vision:

The discovery of the Vermeer leads them to the last of the film's key players, Emilio Rospini (Gabriele Ferzetti), one of the policemen involved when the Vermeer painting was stolen years earlier (note here the synchronicity between the diegetic world of the film and the extratextual realities of this particular paintings history). As the man with the limp from her vision, Virginia is convinced Rospini is involved with the murder of the girl and Francesco's arrest, and lies her way into his house past his wife to confront him. As she awaits his arrival, Fulci carefully restages in three separate shots Vermeer's own "picture within a picture" structure:

The film barrels along at a cracking pace, until Luca realises that Virginia's visions may not be a flashback to the past at all, but a prediction of the future. Having proven her husband innocent of the girl's murder, Virginia should theoretically relax, but the opposite tellingly occurs: she becomes even more determined and frantic to discover the truth behind her vision, suggesting that whatever had lay behind her previous motivation to liberate her husband was, by now at least, far from her primary concern. The discovery of the body of an old woman who had left a message on her answering machine regarding the promise of clues to the riddle corroborates again with another element of her initial vision, confirming Luca's theory that it was in fact a premonition rather than a memory. Hastily grabbing "the clue" in question (an envelope, its hiding place also divulged to Virginia through her vision), she is chased into an old church in one of the most perfectly executed sequences in all giallodom:

With such a satisfyingly taut climactic chase scene, it seems only necessary to conclude with the perfunctory dénouement. Virginia arrives back to the mansion and awaits the return of Francesco. She takes the letter but, not reading it, places it on a sideboard. As Francesco approaches, he walks with a limp. having hurt his ankle, and Virginia realises that was he, not Rospini, from her vision. Seeing the letter, Francesco assumes Virginia has learned the whole story and, for our benefit, Rospini recounts from a hospital bed the truth that Virginia had sought. Francesco, Rospini and the young girl were in cahoots in the theft of the Vermeer painting, and Francesco had murdered the girl to keep the spoils, telling Rospini she had in fact escaped with the valuable art. Realising Virginia is now a dangerous witness, Francesco bops her on the head and places her in the empty wall cavity, and begins to brick it up: in a bitter twist, this is the image that she had seen in her vision.

By the time Luca and the police arrive, Francesco has removed all traces of Virginia who is by this time buried beneath the wall, falling in and out of consciousness. Luca questions the cocky Francesco, but the police become increasingly disinterested until all men decide to leave. It is only here, in its final moments, that Sette Note in Nero shifts from colour-by-numbers giallo to something far more important. A large dresser stands at the wall in front of where Virginia has been buried alive - we do not see her again, and we do not know whether she is alive or dead. Just as Luca is about to leave the room, the alarm to Virginia's watch - the "seven notes" of the title, the same that featured so notably in the church chase sequence with Rospini, goes off.

The formal construction of these final moments is far more brutal in its ambivalence than it ever could be by showing the dying or dead body of Virginia. Luca approaches the dresser, but despite his position as the rescuer in the scene thus far, this action is instead depicted with so much melodramatic foreboding as to make a German Expressionist blush:







There has previously been little evidence to suggest that Luca is anything less than an ally - a little biased towards Virginia, perhaps, considering their implied romantic past and his consequent dislike of Francesco, but certainly nothing warranting the vicious condemnation of this shot. The camera follows the trajectory of the approaching shadow until the final shot of the film is reached and, in case you dared to miss the savageness of the past moments, ends with this image as the credits begin to roll over the sound of Virginia’s alarm:

Why is this one final image so important? Take another look at Vermeer's The Love Letter, paying particular note to its composition:

The semantics of this visual match cannot be underappreciated. In effect, Fulci has "cut out" the middle 'action' section of the frame. He has removed Virginia, just as the lines of Vermeer's paintings suggest that centre third of his paintings may be equally detached, as it hovers in a strange feat of perception both behind and above its frame. In this way, the two paintings behind the couple in Vermeer's work are not the only internal fractures. The painting as a whole functions as a kind of triptych. Not only has Fulci removed this central "panel", but he has removed all decorative traces from the already less ornate side blocks: there are no curtains, there are no maps. There is just a block of brown, and a block of black. The violence inherent in this reduction - a reduction at the expense not only of Virginia herself, but in many ways the narrative as a whole as it was so intrinsically linked to her perspective - for me commits an act of aesthetic subversion akin to that which can be measured by the difference in approach between Vermeer and the American abstract expressionist, Mark Rothko:

Flip Black on Grey (1969/70) on its side, and we can see precisely the jump that Fulci made at the end of Sette Note in Nero. There are exactly three hundred years between Vermeer's The Love Letter and Rothko'sBlack on Grey, and Fulci - in some crystalline stroke of manic formal genius - demonstrated the pure force of that leap in 20 seconds of languageless film. Argento came close to completely crashing the framework of representation through his art historical engagement with the Italian renaissance painting in The Stendhal Syndrome (1996), but while doubtlessly his most unrecognized master achievement, it simply does not come close to the eloquence, simplicity and unmitigated power of Fulci's Sette Note in Nero.

Martin busca un trabajo sencillo que le proporcione además de un buen dinero algo de tiempo para estudiar, así que cuando le proponen un puesto como vigilante nocturno en el depósito de cadáveres de un hospital, no duda un segundo en aceptar. Ni lo sombrío del lugar ni las razones un tanto confusas e inquietantes por las que su antecesor, un hombre ya mayor, ha pedido la jubilación anticipada, le suponen ningún obstáculo para volcarse de lleno en un empleo que se ajusta como un guante a lo que andaba buscando: sin molestias ni teléfono, sin jefes alrededor y con mucho tiempo y mucha tranquilidad para centrarse en sus apuntes de derecho. Un estado de euforia que irrumpe como una cuña y que aisla a Martin del estado de ánimo predominante en el resto de la ciudad, preocupada y angustiada ante los asesinatos que está cometiendo un psicópata al que la policía no ha conseguido aún capturar. Las imágenes televisivas de los crímenes, la oscuridad total y el denso silencio en el sótano del hospital, roto ocasionalmente por extraños ruidos provocados no se sabe muy bien por qué, empezarán a hacer mella en el ánimo de Martin, cuya paz para el estudio será perturbada por un creciente sentimiento de terror quizá no del todo infundado... más cuando algunos de los cadáveres que custodia pertenecen a unas víctimas atormentadas.

El danés Ole Bornedal sorprendió en 1994 con esta película de terror tanto por su adecuado tratamiento del suspense y del miedo como por la perfección de su atmósfera siniestra y gélida, más todavía si cabe procediendo de una cinematografía más habituada a los pesados dramas intimistas o a las revoluciones del Dogma 95. La película no carece de los problemas típicos del género, sobre todo por su previsibilidad en cuanto a la identidad del supuesto psicópata, pero al menos en su tratamiento excede los tópicos habituales del cine de terror norteamericano (algo en lo que el propio Bornedal caería estrepitosamente al rodar su remake para Hollywood), y, aunque la historia puede descomponerse en las simples y repetidas fórmulas de este tipo de películas sin ofrecer nada realmente novedoso ni extraordinario, por un lado huye de lo cutre de las producciones europeas de terror erótico, del cine de Dario Argento, de Jesse Franco o de las películas de Paul Naschy, y por otro de las corrientes del cine-sorpresa final tan manidas últimamente a partir de Alejandro Amenábar, M. Night Shyamalan o similares.

Sin duda es la acertada estética y la forma de contar el argumento lo que hacen especial a esta película danesa. Cuando ya se ha contado cien veces lo mismo, lo único que queda es introducir variaciones en cuanto al envoltorio, al cómo contarlo, y Bornedal lo hace de una forma muy interesante por su acabado final, por su estructura y por los acertados toques de humor que a pesar de la lúgubre localización de la historia no superan la línea del mal gusto ni llegan a ser tontos. Es decir, que Bornedal no nos cuenta nada nuevo, pero lo hace mejor que muchos otros, con una aceptable combinación de estética, atmósfera opresiva, escenas escalofriantes y tensión que resulta tremendamente entretenida a pesar de algunos elementos cogidos con alfileres y de su previsibilidad en cuanto al desenlace. Especialmente bien construido resulta el personaje de Martin, sólido y contradictorio, capaz de enorme fuerza y extremadamente vulnerable, lleno de dudas pero también de determinación, valiente y cobarde.

Lástima que el remake que el propio director rodó en Hollywood años más tarde como desembarco en la gran Meca del cine y para paliar la acuciante falta de creatividad de los autores americanos, protagonizado por Ewan McGregor y titulado La sombra de la noche, renunciara a la mayor parte de las pequeñas virtudes de su hermana mayor e incidiera en fórmulas estética y narrativamente más admisibles para los productores y el público norteamericanos, perdiendo así la frescura y la lucidez del proyecto original para adoptar una forma y un carácter plano en la narración que elimina las particularidades y la fuerza de su original danés y que sólo alcanza la categoría de entretenimiento mediocre pese a contar con el apoyo en el guión americano de Steven Soderbergh y de actores como Josh Brolin, Patricia Arquette, John C. Reilly o Nick Nolte. Una vez más, los productores contratan algo que les gusta y lo intentan adaptar a su público hasta que deja de parecerse a aquello que tanto les gustó y que motivó la contratación. El Hollywood de siempre, el del dinero.

Tell me where our time went

And if it was time well spent

Just don't let me fall asleep

Feeling empty again

Cuz I fear I might brake

And I fear I can't take it

Tonight i'll lie awake

Feeling empty

I can feel the pressure

It's getting closer now

We're better off without you

I can feel the pressure

It's getting closer now

We're better off without you

Now that I'm losing hope

And there's nothing else to show

For all the days that we spent

Carry away from home

Some things I'll never know

And I had to let them go

I'm sitting all alone

Feeling empty

I can feel the pressure

It's getting closer now

We're better off without you

I can feel the pressure

It's getting closer now

We're better off without you

Without you

Some things I'll never know

And I had to let them go

Some things I'll never know

And I had to let them go

But I'm sitting all alone

Feeling empty

I can feel the pressure

It's getting closer now

We're better off without you

I can feel the pressure

It's getting closer now

You're better off without me

Top! do Leitor:

Lucas

Top mais difícil de todos.
Ui.
Mas vou tentar.

Tops! da Equipe:

Daniel Dalpizzolo

Como falamos de diretores, de filmografias, citei apenas aqueles de quem vi pelo menos metade dos filmes - com exceção de Godard, Hawks e Lang, que ficaram em outra categoria, a de quem não vi metade por possuírem uma filmografia longa demais, mas mais de dez filmes, o que considero suficiente nestes casos; e Antonioni, de quem vi apenas os principais filmes - e é esta a única justificativa pra nomes como Monte Hellman, Anthony Mann, Samuel Fuller, John Cassavetes, Nicholas Ray e Lucio Fulci não estarem no top, ou disputando por ele. E dez é muito pouco, por que uidoandviskwisdmacalalalaldihsfufghcaytrewackszyback, como vocês bem sabem.

01. Abel Ferrara
02. Howard Hawks
03. Jean-Luc Godard
04. Michelangelo Antonioni
05. Brian De Palma
06. Fritz Lang
07. Sam Peckinpah
08. Dario Argento
09. Luis Buñuel
10. John Carpenter

Cassius Abreu

Só os dois primeiros são certíssimos.

01. Stanley Kubrick
02. Ingmar Bergman
03. Werner Herzog
04. Milos Forman
05. Robert Altman
06. Alfred Hitchcock
07. Tim Burton
08. Billy Wilder
09. Woody Allen
10. Luchino Visconti

Djonata Ramos

É foda deixar de fora Quentin Tarantino, Roman Polanski, Steven Spielberg, Edgar Wright, Mike Leigh, John Carpenter, Woody Allen, Francis Ford Coppola entre outros, mas tenho de escolher 10. esses 10 foram os que me vieram a mente primeiro, sim, esse foi o critério na falta dum melhor.

01. Stanley Kubrick
02. Michael Mann
03. Irmãos Coen
04. David Cronenberg
05. Brian de Palma
06. Sergio Leone
07. Martin Scorsese
08. David Lynch
09. Alfred Hitchcock
10. Terrence Malick

Marcelo Dillenburg

Como comparar diretores? Vi mais de 20 filmes de um, e três ou quatro filmes de outro. Uns tiveram algumas pisadas na bola entre diversas maravilhas, enquanto outros fizeram poucos filmes, mas sempre ótimos. Então, na falta de critério melhor, o critério é o feeling do momento. Talvez nesse momento a lista já tenha mudado. É por isso que não vou olhar pra ela de novo.

01. Alfred Hitchcock
02. Stanley Kubrick
03. Charles Chaplin
04. Frank Capra
05. Sergio Leone
06. Steven Spielberg
07. Orson Welles
08. Martin Scorsese
09. Roman Polanski
10. Sergei Eisenstein

Jaílton Rocha

Difícil comparar diretores, por isso nunca pensei em fazer tops desse tipo. Mesmo porque qualquer um que eu faria ficaria no mínimo ruim, inclusive este meu top aqui ficou. De qualquer jeito, aqui está. Pensei nesses nomes aqui nesse exato momento, e tirando o primeiro que é meu favorito mesmo, os outros estão em ordem aleatória total.

01. Robert Zemeckis
02. Steven Spielberg
03. Stanley Kubrick
04. Alfred Hitchcock
05. Paul Verhoeven
06. Martin Scorsese
07. Quentin Tarantino
08. David Fincher
09. Tim Burton
10. Cameron Crowe

Thiago Duarte

Aê, tomar no cu quem inventou top de diretores.

01. Woody Allen
02. Quentin Tarantino
03. Os Coen
04. David Cronenberg
05. Stanley Kubrick
06. Richard Linklater
07. David Lynch
08. Martin Scorsese
09. Ingmar Bergman
10. Sergio Leone

Enfio o Chaplin, Fincher, Spielbão, Orson Welles, etc, no cu? Putos.

Luis Henrique Boaventura

É, não sei bem o que dizer, fora que um top de diretores é uma auto-tortura lacerante. Mas estamos aqui pra isso... Muito pela ordem como pelos que ficaram de fora, como o De Palma, o Buñuel, o Visconti e o Bolaños que só não ponho ali porque fazia qualquer coisa maior que cinema.

01. Sergio Leone
02. Frank Capra
03. David Lynch
04. Alain Resnais
05. Dario Argento
06. Stanley Kubrick
07. Ingmar Bergman
08. Alfred Hitchcock
09. Quentin Tarantino
10. Martin Scorsese

Adney Silva

O primeiro da lista é imutável e incontestável (tanto é que 20% da minha coleção - o que corresponde a 31 DVD's - é composta de filmes dele), sendo que no restante da lista tentei ser o mais abrangente possível no que diz respeito a época, a importância do diretor para o cinema, além do número de filmes que assisti do mesmo (não coloquei cineastas estreantes ou que vi poucos filmes). Tudo isso porquê essa foi a única maneira que encontrei de elaborar essa lista sem que os diretores não-citados me assombrem e puxem o meu pé a noite na minha hora de sono (e, mesmo assim, sinto que falhei miserávelmente).

01. Alfred Hitchcock
02. Billy Wilder
03. Sergio Leone
04. John Carpenter
05. Charles Chaplin
06. Orson Welles
07. David Cronenberg
08. Roman Polanski
09. Paul Verhoeven
10. Brian de Palma

Thiago Macêdo Correia

Coppola fez o maior dentre os filmes de guerra, a maior das sagas, a mais cinematográfica das cenas; Welles revolucionou, se rebelou e foi gênio, até o fim; Chaplin firmou uma lingüagem e se tornou definitivo; Kubrick foi Kubrick e encerrou sua carreira com Eyes Wide Shut e aquela frase; Wilder fez tudo e em tudo colocou um duplo sentido; Hawks fez tudo e em tudo fez obras-primas; Cassavetes inventou um cinema para quem não depende; Antonioni não falou; Visconti nunca errou e ainda por cima fez o melhor de todos os filmes; Bergman sabia que a câmera falava parada, olhando para um rosto. Gênios!

01. Ingmar Bergman
02. Luchino Visconti
03. Michelangelo Antonioni
04. John Cassavetes
05. Howard Hawks
06. Billy Wilder
07. Stanley Kubrick
08. Charles Chaplin
09. Orson Welles
10. Francis Ford Coppola

Pedro Kerr

Se fazer de filmes já é difícil, diretor então pqp...

01. Brian De Palma
02. Sergio Leone
03. Quentin Tarantino
04. Dario Argento
05. Howard Hawks
06. Martin Scorsese
07. John Carpenter
08. John Ford
09. Irmãos Coen
10. Mario Bava