Rustichelli & Bordini

Opera Prima (1973)

http://www.mediafire.com/?tukye69doc1

Check out that bizarre cover art! This is Italian prog of the highest calibre, and sadly this is their only album. A notable feature of this album is the inclusion of only drums, keyboards and vocals. Their sound however, is remarkably full as there are a LOT of keyboards. Another notable feature of this album is the terrible, terrible vocals. Even going by the relatively low standards of Italian prog, these are pretty damn bad. Fortunately the singing mistake isn't quite enough to ruin the album, which is top notch bombast, memorable melodies, and an enormous load of sweet Mellotron. The first two tracks on this aren't all that good in my opinion (with some seriously comedic singing on "Icaro"), but things really get going after that. "Un Cane" opens up with a short piano introduction and then some super fat synth comes out of nowhere. "Dolce Sorella" features a nice melody and finishes with a solo that would make Rick Wakeman proud. The rest of the album is more of the same- a synth lovers dream. One of the best of the Italian 70's if you can tolerate the singing. A minor historical note: Bordini would play the drums for the Cherry Five a couple of years after this album was recorded, the band that would later become Goblin.

Ante lo infructuoso de la tentativa, Malle, que recordemos proviene de una familia acomodada, (de tal forma que, preguntado en 1952 por L’Express: “¿Qué película haría usted si tuviera 100 millones de francos?”, respondió: “Yo los tengo”), da el salto a la ficción y coescribe, dirige y financia (creando para ello su propia productora) la adaptación de una novela policíaca escrita por Noël Calef. La única condición que le imponen sus socios es que la película esté interpretada por Jeanne Moreau, esta imposición terminará redundando en beneficio de Malle, pues Moreau se convertiría en la actriz fetiche de su primera época (Los amantes, Fuego fatuo, Viva María); también repetirá cinco años más tarde protagonista masculino,  M. Ronet, en Fuego fatuo.

La película se inserta dentro de los cánones del policíaco, al más puro estilo de la novela y el cine negro norteamericano, a saber: un amor arrebatado, clandestino e imposible, unos amantes que se conjuran para acabar con la precariedad de su situación de manera expeditiva -p.e. Perdición (B. Wilder, 1944), o El cartero siempre llama dos veces (T. Garnett, 1946)-, la ambición, un plan perfecto que no tiene en cuenta el azar, el destino que se desenvuelve inexorable, la fatalidad que todo lo recubre (Atraco perfecto, S. Kubrick, 1956), un contexto social opresivo, corrupto y turbulento, los bares y locales nocturnos, la ciudad como telón de fondo, lugar de perdición, frío e inhumano (Rififí, J.Dassin,1955). Incluso en ella es posible rastrear ecos del cine más nihilista del F.Lang del final de su etapa americana: el falso culpable, lo absurdo de la violencia, la deshumanización de la sociedad, el automatismo de los resortes estatales. Tanto el comienzo de la película, seco y contundente, como la magnífica secuencia del asesinato, por un lado marcan la desolada pauta del film, y por otro, absorven de inmediato al espectador, dejándole a merced de los hechos consumados a la espera de su camusiano desenlace, tan fatal como inevitable.

La elección de una película de este género no resulta sorprendente si tenemos en cuenta que es en Francia donde se rehabilita la novela negra -considerada un género menor y objeto de seriales en revistas pulp-, dónde gana el atributo de noir -gracias a la magnífica colección “Série noire” dirigida desde 1945 por M. Duhamel en la editorial Gallimard-; y dónde se escriben (gracias entre otros a Japrisot, Giovanni, Le Breton, Jonquet, Malet y, sobre todo, Jean-Patrick Manchette) y realizan algunos de los más interesantes policíacos de la historia del cine en la segunda mitad del siglo veinte, dando lugar incluso a una variante propia, el polar. Entre ellos podríamos citar Touchez pas au grisbi (1954) o Le trou (1960), ambas de J. Becker, la filmografía de J.P. Melville -con El samurai (1967) como obra más destacada e influyente- o la de C. Chabrol, las incursiones de Truffaut (p.e. Disparen sobre el pianista, 1961), Godard (Al final de la escapada, 1959 o Alphaville, 1965), Claude Miller o B. Tavernier con la adaptación del maestro del hard-boiled, J. Thompson (Coup de Torchon, 1981).

Buena parte de la atmósfera y el tono frío, distante y ascético del film viene logrado, a parte de por la magnífica fotografía de Decaë, por un elemento con entidad propia: la banda sonora compuesta por el legendario trompetista Miles Davis. Ascensor inaugura la fértil relación entre el Jazz y el cine, en su vertiente de cine negro, (el maridaje con el cine viene de antiguo, The jazz singer (1927) fue la primera película sonora), después vendrían D. Ellington en Anatomía de un asesinato (O. Preminger, 1959), Ch. Mingus y S. Hadi en Shadows (Cassavettes, 1959),  John Lewis de The modern jazz quartet en Odds against tomorrow (R. Wise, 1959), Martial Solal en Al final de la escapada (1959) o H. Hancock en Blow up (M.A. Antonioni, 1966).

Aunque la música siempre ha constituido un elemento esencial en el cine de Malle, al parecer la participación de Miles Davis fue fruto del azar. Davis, que estaba pasando una temporada en París en medio de una gira frustrada por Europa, contactó con Malle gracias a Juliette Greco. Con la formación constituida ad hoc para aquella mini gira (el pianista René Urtrager, el saxo Barney Wilen, Pierre Michelot al contrabajo, y el expatriado Kenny Clarke a la batería) crean la música de la película improvisando en dos sesiones mientras se proyecta simultáneamente el film. La banda sonora, una de las partituras más densas y sugerentes de la historia del cine, carece de un leit-motiv concreto; lo cual supuso un concepto innovador para la época. De las veinticuatro tomas que se realizaron en aquellas sesiones, finalmente diez pasaron a formar parte de la película. El grupo en sí tuvo una existencia efímera, vivió para realizar la grabación y apenas un par de conciertos en París y Ámsterdam, pero dejó como impronta indeleble uno de los discos más evocadores, míticos e importantes de la historia del Jazz.

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Francia, 1957, 92 min. Título original: Ascenseur pour l'échafaud; Director: Louis Malle; Guión: L. Malle y Roger Nimier (sobre la novela de Noël Calef); Productora: Nouvelles Editions de Films; Fotografía: Henri Decaë; Montaje: Leonide Azar; Música: Miles Davis.

Intérpretes: Maurice Ronet, Jeanne Moreau, Georges Poujouly, Lino Ventura, Felix Marten, Jean Wall, Yori Bertin, Elga Andersen, Ivan Petrovich.

originale la trama (con qualche forzatura), una scrittura piana (troppo?), un libro pieno di sofferenza nelle vite di due giovani ... insomma discutibile e promettente

"I numeri primi sono divisibili soltanto per 1 e per se stessi. Se ne stanno al loro posto nell'infinita serie dei numeri naturali, schiacciati come tutti fra due, ma un passo in là rispetto agli altri. Sono numeri sospetti e solitari e per questo Mattia li trovava meravigliosi. Certe volte pensava che in quella sequenza ci fossero finiti per sbaglio, che vi fossero rimasti intrappolati come perline infilate in una collana.

Alice sorrise al pensiero che quella potesse essere la loro prima mezza verità di sposi, la prima delle minuscole crepe che si formano in un rapporto, dove presto o tardi la vita riesce a infilare un grimaldello e fare leva.

Mattia pensò che rimaneva solo questo, che tutto l'affetto dei genitori si risolve in piccole premure, nelle stesse preoccupazioni che i suoi elencavano al telefono ogni mercoledì: il mangiare,il caldo e il freddo, la stanchezza, a volte i soldi. Tutto il resto giaceva come sommerso a profondità irraggiungibili, in una massa cementificata di discorsi ma affrontati, di scuse da fare e da ricevere e di ricordi da correggere, che sarebbero rimasti tali."

PRÓXIMO ESTRENO: "Abrígate" el primer largometraje de Ramón Costafreda, con guión de Fernando Castets

"Abrígate" se estrenará en las pantallas españolas el próximo 23 de Mayo

Protagonizada por Félix Gómez (Herederos) y la popular actriz argentina Manuela Pal, y escrita por Fernando Castets y Ramón Costafreda.

 "Abrígate" es un hermoso relato sobre el afán universal de hallar la propia identidad, descifrar la colectiva y vivir el amor en una tierra que nada tiene que envidiar a los bulevares de París.

Valeria ha cambiado su Buenos Aires natal por Betanzos, un pueblo de A Coruña del que procede su familia. Excéntrica, soñadora y divertida, a sus 25 años se encuentra en la encrucijada sentimental más surrealista de su vida: tras la repentina muerte de su maduro y atractivo amante, se enamora de Marcelo, el hijo del difunto. Su amiga Adela, dueña de la peluquería donde ambas trabajan, la ayudará a despejar la incógnita. Y mientras tanto disfrutan con sus vecinos de las pequeñas alegrías, se ríen de las penas y fantasean con tener una vida diferente (inspirada quizá en los carteles parisinos que decoran la peluquería...).

Ramón Costafreda es realizador de spots publicitarios desde 1989 y cuenta con más de trescientas producciones a sus espaldas.

Según Ramón, con su ópera prima: "lo que más me apetecía hacer era una buena comedia. Según mi parecer, las mejores comedias tienen un fondo dramático. Nadie va al cine a reírse como si le hicieran cosquillas, en general nos reímos de "una caída" bien hecha".

Por su parte, Fernando Castets, guionista de "Abrígate", es una de las figuras más importantes de la cinematografía argentina. Su habitual colaboración como guionista con Juan José Campanella ha supuesto una de las fórmulas de mayor éxito del cine argentino en todo el mundo. Además de guionista ha dirigido y producido obras para cine, teatro y televisión.

"Abrígate" es una producción de CONTINENTAL PRODUCCIONES, SB PRODUCCIONES, PATAGONIK y OBERÓN CINEMATOGRÁFICA,y será distribuida de la mano de Buena Vista International Spain.

GLACIACIÓN EMOCIONAL

El dramaturgo, director y actor Fritz Haneke no hubiera pasado a la historia por su carrera en la televisión alemana de los años sesenta. Ni siquiera el romance que mantuvo con una actriz católica (siendo él protestante), llamó mucho la atención. Pero de esa relación amorosa nació alguien que permitiría que el tal Fritz tuviera algo de presencia en el futuro: Michael Haneke. A pesar de nacer en Alemania (Munich, 23/3/1942), Michael se educó en Austria, al amparo del universo artístico de sus progenitores. Se interesó por la filosofía y la psicología, pero decidió estudiar Arte Dramático en la Universidad de Viena, donde forma parte de la cadena de televisión Südwestfunk.

En los años posteriores la televisión acapara su interés, con obras que inevitablemente suscitan puntos de vista encontrados. En los años ochenta, buscando material para otro trabajo televisivo, lee en las páginas de sucesos de un periódico la historia de una familia aparentemente normal, y decide que quiere convertir ese suceso en un trabajo para la televisión. Cuando ninguna cadena acepta la producción, Haneke decide plantearla como una obra cinematográfica. Bendita decisión.

El interior de un túnel de lavado es el lugar ideal para que Michael Haneke se diera a conocer fuera de la caja tonta con El 7º Continente (1989). A saber: tres personas cualesquiera, de un ámbito urbano occidental y medianamente acomodado, con una vinculación emocional directa y profunda entre ellos, comparten el interior de un coche sometido a la voluntad de las máquinas de lavado. Lo que en otro cineasta podría ser un marco perfecto para plasmar un diálogo descarnado, juguetear con la cámara en busca de planos atrevidos o favorecer disertaciones de todo tipo, termina siendo para Haneke un símbolo no solo de la vida rutinaria, vacía y deshumanizada de la familia protagonista sino un avance premonitorio de gran parte de su cine posterior.

Apenas vemos sus caras durante gran parte de la película. Casi ni les oímos, más allá de un educado “Buenos Días” o un desangelado “Despiértate, cielo”. Sus manos toman el mando, acicalándose, preparando el desayuno, agarrando con fuerza el volante. A veces son sus objetos los que atrapan nuestra atención: una pecera, el carro de la compra, sus útiles laborales….Intensos y precisos planos cortos nos atrapan y nos despistan, añadiendo banalidad a la sistematización de un proceso inevitable de alienación, desgraciadamente común a la mayoría de los mortales. Aunque resulta aterradora y fría la reiteración de los ritos familiares, lo peor de todo es que uno se reconoce partícipe del rito y siente que puede estar a muy poca distancia de convertirse en otro miembro más del selecto club de personajes de la filmografía de Haneke.

Todo transcurre con precisión, con calma, sin aspavientos. Así es Haneke. Incluso en los momentos de quiebra emocional la contención domina la escena e incluso hay cierta pornografía en la frialdad con que se muestra el inevitable desenlace. Cada miembro de la familia ha elegido su modalidad de infierno rutinario particular (los progenitores en sus respectivos lugares de trabajo, la niña en su escuela), o quizás alguien lo eligió por ellos hace tiempo, con o sin su consentimiento. Eso ahora da igual, están en él y no les queda más remedio que caminar o reventar. Y quizás, si lo piensan un poco, lo mejor es reventar.

Esta historia, que toma como punto de partida un suceso real ocurrido en Austria, -hecho del que tendremos noticia únicamente al finalizar la película- inaugura la denominada por su director “trilogía de la glaciación emocional”, compuesta además por El vídeo de Benny y 71 fragmentos de una cronología del azar. Esta voluntad unificadora se conduce, además de por el tema escogido -la alienación del mundo actual y la banalidad del mal-, con un discurso fílmico característico.

 Así, los primeros diez minutos transcurren a través de una sucesión de fragmentarios planos fijos; sin apenas intercambio de palabras y sin tan siquiera mostrarnos los rostros de sus protagonistas, recurso que intencionadamente se repetirá a lo largo del film. En estos planos resuenan ecos de imágenes muy semejantes vistas en la obra de R. Bresson, (una de sus influencias reconocidas): las manos de Pickpocket (1959), los intercambios de billetes en El dinero (1983); o la fábrica y la vida familiar en El desierto rojo (1964) de M. Antonioni. Si además tenemos en cuenta los planos vacíos y, en general, su duración, más allá de lo convencionalmente aceptable, incluso de los fundidos en negro que puntúan la película, y le sumamos la trivialidad de los diálogos y la ausencia de empatía de los protagonistas, (en la mejor línea de los modelos bressonianos y la “trilogía de la incomunicación” de Antonioni) estaremos en presencia de una fría e inquietante pesadilla visual. Esta idea se refuerza con pequeños detalles como la desubicación geográfica, la fotografía gris, la recurrente y fantasmagórica imagen de Australia, la seminal y reiterada escena del túnel de lavado de coches que, como terrible metáfora -por extensión- del mundo contemporáneo occidental, limpia y abrillanta por fuera algo que en realidad porta en su interior un cuerpo que se descompone; y su coincidencia con la casa de la familia, a la que, como una cueva moderna, se entra y sale por un oscuro garaje que se los traga y expulsa diariamente.

La historia se estructura a través de tres segmentos correspondientes a tres años sucesivos en la vida de la familia protagonista (de 1987 a 1989). Primero se nos muestra la gélida sucesión de eventos banales y repetitivos que componen su día a día. Posteriormente, y sin abandonar la dinámica de la repetición de pautas, tras ver alterado el frágil orden interno familiar (la falsa ceguera de Eva, el llanto imprevisto de Alexander, el encuentro de Georg con su ex-jefe, el accidente en la cuneta), asistimos a su crisis -las lágrimas en el túnel son su exteriorización-; El episodio final está dedicado a su metódica autodestrucción.

El séptimo continente plasma la rutinaria vida sin alma de una familia perfectamente burguesa, modelo del supuesto éxito social, que desarrolla una existencia material, mecánica (la inexpresividad de la pareja es sangrante, incluso el sexo es automático y programado), interiorizando la vacuidad de su catálogo de gestos anodinos, hasta el punto de alcanzar la inhumanidad y el puro sinsentido; incluso la hija lo percibe, somatizando esta desazón. Buen ejemplo de ello es tanto el consumo de imágenes televisivas, que les acompaña hasta el desenlace final, a través de sesiones hipnóticas, como su alienante trabajo, (Georg lee páginas y páginas de números y Anna examina ojos desfigurados mientras escucha una verborrea insustancial), clave sobre la que, por cierto, giran últimamente una larga lista de magníficas películas p.e. Recursos humanos (L. Cantet, 1999), Workingman’s death (M. Glawogger, 2005) o La question humaine (N.Klotz, 2007).

A nadie se le escapa que la organización del sistema político y socioeconómico en el que occidente vive inmerso, esto es, la sociedad mercantilizada y post-tecnológica del espectáculo, genera, -al margen de las injusticias y además de las tensiones sociales que ya conocemos y están a la orden del día-, un alto grado de insatisfacción, un malestar individual indefinido, un ruido de fondo constante. Así, el film de Haneke supone, además de un contundente debut y una de sus mejores obras hasta la fecha, un puñetazo directo a la sin razón de la omnipresente lógica de la acumulación y el consumo irracional. Al modo de modernos e implosivos “ultracuerpos”, los protagonistas no encuentran mejor manera de escapar al nihilismo y a la alineación a la que están sometidos que la de suicidarse, pero, eso sí, tras deshacerse previa y metódicamente de absolutamente todas sus posesiones y se suicidan, sí, pero sin dejar de ver juntos la televisión. Ni aun en su forma más pura y radical hay lugar para la verdadera emancipación, para la autodeterminación individual. Haneke desvela de esta inquietante e irónica manera el "agujero negro" sobre el que en realidad se asienta hoy la sociedad desarrollada.

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Di seguito, la trama:

NORT b-EAST
di e con Marco Tizianel e Silvio Barbiero

Due uomini e sullo sfondo Padova.
Un bancario perfettamente integrato con lo spazio e rappresentante del mito della città come luogo produttivo e uno studente universitario fuori corso che invece questo mito lo subisce, si raccontano senza incrociarsi quasi mai.
Due storie parallele, due personaggi tanto diversi tra loro eppure immersi nello stesso luogo che diventa spazio per una doppia dimensione: una interiore che passa attraverso le vicende dei protagonisti e l’altra ambientale che è filtrata nelle maglie di una città chiusa e borghese.
Così i due piani si accavallano, la storia personale incrocia i meccanismi letali della città.
I due protagonisti descrivono i particolari di Padania City, il luogo in cui vivono, amano, incontrano e torturano sopra ogni cosa sè stessi, luogo che li ha trasformati, appunto, in North b-east.
Ne viene fuori un perfetto ritratto del nord est produttivo, tra lo sfruttamento degli immigrati e l’inquinamento, un quadro a tinte cupe, a volte, a tinte ironiche altre volte.

North b-east è metafora di un mondo tanto differente da quello che appare dove c’è un inquinamento che sfugge alle sigle e ai numeri, più sottile delle polveri, più impalpabile dei gas e dei fumi e che devia i pensieri e le azioni i cui effetti sono imprevedibili.
Uno spettacolo che è denuncia di un disagio diffuso che giorno dopo giorno si insinua e diventa sempre più difficile sfuggire.
Un racconto che è specchio di una società, uno specchio deformato dalla fantasia e dalla paura, il tentativo di riportare, attraverso la scena, quello che è spesso sotto gli occhi di tutti, chiarissimo alle menti, ma che sfugge alle coscienze.

L'ingresso costa 10 euro; per informazioni 0773.268727, 333.2476762

FICHA TÉCNICA
Dirección: Cristian Bernard y Flavio Nardini
Guión: Cristian Bernard y Flavio Nardini
Intérpretes: Sergio Baldini, Gerardo Chendo, Diego Mackenzie, Claudio Rissi, Sol Alac, Fernando Cía, Carlos Lanari, Laura Melnizki, Ricardo Lázara, Luis Albornoz, Martín Slipak
Producción: Edi Flehner
Producción ejecutiva: Orlando Rodríguez y Jonathan Perel
Dirección de producción: Daniel García (II)
Jefe de Producción: Juan De Francesco
Asistente de Dirección: Andrei Durán
Fotografía: Daniel Sotelo
Dirección de arte: Gisselle Peisojovich
Montaje: Eliane Katz
Música: Sergio Figueroa
Sonido: Sergio Iglesias
Asistente de producción: Pablo Valerga
Asistente de arte: Virna Cortinovis
Vestuario: Gisselle Peisojovich
Asistente de vestuario: Virna Cortinovis
Origen: Argentina
Año: 2000

A grande richiesta,ecco il primo e vero post dello Zio Buby!

Argomento? Eccheccazz...non avete letto il titolo?

Non ho la presunzione di sentirmi un luminare sul tema dei rapporti di coppia, anzi, per citare il sommo poeta Caparezza, iodellavitanonhocapitouncazzo.

Ma essendomi trovato single ad un passo dalle nozze e costretto a dovermi confrontare con l'altro sesso nella "ricerca" di una compagna, vorrei mettere a disposizione dei tanti frequentatori di questo blog il sunto dell'esperienza acquisita in questi mesi; chissà che non serva a qualcuno per schiarirsi le idee...

In caso contrario, sarò pronto a subire la fitta sassaiola dei dissensi.

Partiamo dal fatto che per natura l'uomo (inteso come genere umano) non è fatto per stare da solo. L'orgoglio single, scusate la troppa sincerità, è un'emerita cazzata. Se così fosse, il genere umano sarebbe estinto già dall'uomo di Cro-Magnon in poi, ed ora a fare la voce grossa sarebbero probabilmente gli scarafaggi.

Se la razza umana è arrivata evolvendosi fino ai giorni nostri è la prova tangibile che non sbaglio. Quindi, cari lettori e lettrici, non mentite a voi stessi, siamo tutti alla ricerca della famigerata "altra metà della mela".

Proprio a causa dell'evoluzione, l'uomo, in quanto unico animale fornito di intelletto, ha sviluppato un "sistema" per cui raggiunto un certo grado di maturità si mette alla ricerca dell'altro sesso,dapprima per esplorane la realtà, le mille differenze e sfumature (questo solitamente accade nell'adolescenza al sorgere dei primi pruriti sessuali) fino a che in età adulta, decide di accoppiarsi con quella che in teoria dovrebbe essere l'anima gemella, con la quale metterà al mondo degli eredi che a loro volta seguiranno lo stesso percorso.

Veniamo ai giorni nostri,il 60 - 70% della popolazione mondiale ancora si comporta così, specialmente nei paesi del terzo mondo, dove il metter su famiglia è una questione di sopravvivenza.

Per chi come me fa parte del rimanente 30 - 40% e vive in un paese civilizzato ed industrializzato incomincia il calvario...Perchè alla soglia dei 33 anni sono ancora single?

Errore di valutazione? Ecco la prima delle cause.

Eppure ero pronto a fare il grande passo, mutuo, casa arredata di tutto punto e prenotazione della sala per il rinfresco. Cosa è andato storto? La risposta è semplice, mi sono reso conto, forse un po' tardi lo ammetto, che non era "LEI" la mezza mela che cercavo.

Ho impiegato 13 lunghi anni, ma alla fine l'ho capito! Ammesso con estrema onestà l'errore mi sono ritrovato single.

In quel momento avevo due alternative: spegnere la mente e farmi trasportare dal turbinio delle illusioni oppure ricostruire mattone su mattone una nuova esistenza.

Dapprima ho spento il cervello, vivendo ogni momento come se non ci fosse un domani. Ma puntualmente il domani arrivava e portava con se l'insoddisfazione di una vita senza meta. Fu a quel punto che capii che era ora di rimboccarsi le maniche, era ora di fare i conti con me stesso.

COSA VUOI DALLA TUA VITA ZIO BUBY?

Mmmmhhhh.....

Intanto se non sai dove stai andando fermati e cerca di capire dove sei finito.

Una volta capito dove sei finito trova il modo di uscirne prima che sia troppo tardi.

Uscitone, cerca di capire chi sei e quanto vali, sinceramente.

Se pensi di valere poco, rifonda te stesso al fine di diventare una persona migliore.

Se non ce la fai da solo, circondati di persone che possano aiutarti ad esserlo ed evita chi ti da sempre ragione.

Ripensa ai tuoi errori con estrema onestà e non vergognarti di ammetterli.

Ascolta le altrui esperienze e falle tue, il giorno che toccherà a te saprai come comportarti.

Decidi quanto deve valere una donna per stare con te.

Cosa più importante,decidi tu e non lasciare che siano gli altri a decidere per te.

Le donne con cui sono uscito in questi mesi non hanno capito. C'è chi mi ha etichettato come presuntuoso, arrogante e snob. Un mio caro ex-amico mi considera un senza palle solo perchè non esco il sabato sera con l'intento della caccia grossa. Secondo lui non è naturale un atteggiamento come il mio. Ma come dice la mia cara sister chica mala, quando si pesca a strascico si tira su un po' di tutto...Compresi copertoni e scarpe vecchie. No grazie...

Ho la presunzione di non essere considerato un pezzo di carne. Sono un essere senziente con idee e sentimenti.

Io le donne le rispetto fino a prova contraria e quando smetto di rispettarle smetto di vederle. Lascio volentieri agli altri maschietti le donzelle che mi vedono come un oggetto sessuale, certo mi fa piacere, ma non credo sia il genere di donna per cui investire tempo ed energie. Per non parlare di quelle che hanno avuto paura delle mie idee!

Eppure a sentirle parlare cercano tutte un uomo che sappia quello che vuole, maturo e lungimirante...

In tutta sincerità vi dico che mi sento meno solo io di chi ha 2/3 appuntamenti galanti a settimana, a proposito vorrei mettere in guardia queste persone: non lamentatevi se il giorno dopo il telefono non squilla, e soprattutto non lamentatevi se a quarantanni vi accorgerete di aver commesso l'ennesimo errore di valutazione. Potrebbe essere davvero troppo tardi...

Dedicato a Pytta,con tanto affetto.

Zio Buby.

Desde aquí queremos agradecer a la dirección del bar (OPERA PRIMA) la gran acogida que ha tenido con este nuevo blog (tercera etapa) en su website, y en especial a mi amigo dijcris y mi hermano Franloga, por enlazarnos en el blog.
SM.

Esta vez, en la sesión de las 12:00 hay numerosas y atractivas opciones. Desde Irma Vep (1996), reflexión sobre el cine dentro del cine del francés Olivier Assayas, a través de una revisitación posmoderna del folletín cinematográfico Les Vampires, del pionero Louis Feuillade, a Shadows (1959), la opera prima de J. Cassavettes. Pero sobre todo El bosque del luto (2007), la última -y premiada en Cannes- película de Naomi Kawase y Unas fotos en la ciudad de Sylvia (2007), proyecto llevado a cabo por J.L. Guerín al hilo del rodaje de En la ciudad de Sylvia; sin olvidar California Dreamin', la última obra del rumano Cristian Nemescu.

A las 16:00, La muerte del señor Lazarescu, (2005), interesante y tremenda película rumana, The paper will be blue (Radu Muntean, 2006), otra película rumana, ésta compitió el año pasado en el Festival, Crónica de un amor (Cronaca di un amore, 1950) el primer largometraje difigido por M. Antonioni y, en el CICCA, la tercera parte de Perlov's diary; los diarios del cineasta israelí David Perlov.

En la sesión de las 18:15, me quedo con el programa dedicado a Kawase en el CICCA, compuesto por Memory of the wind (1995) y Mangueky (1999); y con la proyección de Tracks projections y The island of the end of the world (2004), del cineasta filipino Raya Martin, en el CAAM, a las 19:00.

A las 20:30, Le filmeur (2005), de Alain Cavalier, cine autobiográfico, un diario íntimo con imágenes grabadas entre 1994 y 2005; a descubrir la primera película del director filipiino Brillante Mendoza, Masajista (2005), y para el que no haya tenido oportunidad de verla, Rosetta, la película que posicionó a los hermanos Dardenne en el panorama cinematográfico europeo, Palma de oro en Cannes en 1999, un drama naturalista sobre una joven que lucha por salir de la postración social y laboral; además de Firefly (Hotaru, 2000) de Naomi Kawase, y el programa que le dedica el CICCA, compuesto por The setting sun y This world (que recoge la correspondencia de la directora con Hirokazu Kore Eda), ambas de 1996.

El Festival se cierra con dos films, La sangre iluminada y Warrendale (1967), de Allan King, y una decepción, la cancelación definitiva de la proyección de Les baisers de secours (Philippe Garrel, 1989), que tampoco se proyectó en su pase anterior, hace unos días.

En la sesión de las 16:00, lo más relevante es el segundo pase del film de N. Klotz, La question humaine (2007), que desvela como, con la retorsión del lenguaje y bajo el manto de la "perfección" técnica y la eficacia empresarial (la eficiencia, la rentabilidad y demás conceptos economicistas, asumidos hoy como verdades sociales indiscutibles), en realidad se agazapa la catástrofe moral, pues constituye el perfecto sustrato -las condiciones- para una debacle humana, como fue el Holocausto; Los olvidados (1950), tal vez de las mejores películas que Buñuel realizó en México, y Wedding and babies (1958), de Morris Engel y Ruth Orkin; sin olvidarnos del pase de Naomi Kawase en el CICCA, con Yellow cherry Blossom (2002) y Kage (2004).

A las 18:15, dos películas de la retrospectiva Cineastas frente al espejo, Les années déclic (1984), un ejercicio autobiográfico de G. Depardon, que repasa su vida haciendo uso de fotografías personales y otras tomadas entre 1957 y 1977 y De son appartement (2007) de Jean Claude Rousseau, que viene de recibir el premio al mejor documental en el Festival de Marsella y presentará la película. Además, en el CICCA, la tercera parte de Perlov's diary; los diarios del cineasta israelí David Perlov.

En la sesión de las 20:30, me inclino por el segundo pase de Memories (2007), (el proyecto digital a tres manos que anualmente se realiza al amparo del Festival coreano de Jeonju, esta vez a cargo de directores europeos: H.Farocki, P.Costa y E.Green), al menos el primero de ellos, el prodigioso ejercicio sobre la memoria incómoda a cargo del director alemán Harun Farocki. También tendremos la oportunidad de contemplar la obra de José Luis Guerín, Unas fotos en la ciudad de Sylvia (2007), proyecto llevado a cabo al hilo del rodaje de En la ciudad de Sylvia, la película estará presentada por su autor. Asimismo, en el CICCA, la primera parte de Perlov's diary. En el CAAM, Double blind (No sex last night) (1992), el viaje en Cadillac, a través de los EEUU, de la artista/fotógrafa Sophie Calle.

A las 22:45 lo más intereante es el film ensayo de la presidenta del jurado del Festival, la cineasta belga Chantal Akerman, News from home (1976), en el que recita las cartas de su madre mientras muestra una serie de postales urbanas de Nueva York; y la segunda parte de Perlov's diary. A descubrir, en el CICCA, la primera película del director filipiino Brillante Mendoza, Masajista (2005).

Excepcionalmente, a las 00:30 habrá una sesión especial con Sukiyaki western: Django (2007), del barroco y siempre excesivo Takashi Miike, e Irma Vep (1996), reflexión sobre el cine dentro del cine del francés Olivier Assayas, a través de una revisitación posmoderna del folletín cinematográfico Les Vampires, del pionero Louis Feuillade (con una perturbadora Maggie Cheung envuelta en latex negro).

Por la mañana, como es habitual, dos películas a concurso, la marroquí Les coeurs brûlès (2007) y Wonderful town , del tailandés Aditya Assarat, y una de la sección informativa, Ópera, del mexicano Juan Francisco Riveroll.

A las 16:00, lo más destacable es la presencia de Death in the land of Encantos, del filipino Lav Díaz, un auténtico e imposible film río (540 minutos), más larga que Sátántangó (Béla Tarr, 1994) -450 minutos-, y en dura pugna -550 min- con Al oeste de los railes, de Wang Bing (2003). Para el que no esté dispuesto a emplear en ella su tiempo, (si alguien lo hace, por favor, que me deje un mensaje en esta entrada) L'aimée, la penúltima -y breve- obra del director francés Arnaud Desplechin, presentada a concurso; o bien, Les baisers de secours (Philippe Garrel, 1989), el juego de los espejos cinematográficos llevado a su máximo exponente: la película la protagoniza un director de cine interpretado por el propio Garrel, y su mujer, hijo y padre hacen respectivamente de mujer, hijo y padre del personaje. En el CICCA, el tercer programa de Naomi Kawase que, por cierto, está en la ciudad.

A las 18:15, la película de los hermanos Maysles, Grey gardens (1975), dentro de la sección dedicada al cine directo, una visión sobre las ancianas tía y prima de Jackie Onassis. En esa misma sesión, dos películas de la sección oficial, la irlandesa Garage y la marroquí Les coeurs brûlès. Además, en el CICCA, la primera parte de Perlov's diary; los diarios del cineasta israelí David Perlov, la segunda se proyectará en la siguiente sesión, 20:30, y la tercera mañana a las 18:15.

En la sesión de las 20:30 hay más donde elegir, por un lado, El bosque del luto (2007), la última -y premiada en Cannes- película de Naomi Kawase; por otro, The way I spent the end of the world (2006), del rumano Catalin Mitulescu, y la última oportunidad de contemplar Don't look back (D.A. Pennebaker, 1967), el esclarecedor documental donde el emperador del pop, Bob Dylan, vanidoso, rodeado de una corte de admiradores/aduladores, sobrado -y en ocasiones faltón-, queda desnudo (más aún su manager, A. Grossman) ante la cámara de Pennebaker. Finalmente, recalcar que a las 20:00 se pasa una pequeña y breve joyita, La rosière de Pessac (1968), la primera de las dos versiones que rodó el post-nouvellevaguiano Jean Eustache (la otra, más amarga, fue rodada diez años más tarde, en 1979). La rosière.. es un documental sobre la (ya en 1968) trasnochada fiesta de su pueblo natal, -instituida a finales del siglo XIX con la herencia de un acaudalado ciudadano de la localidad- consiste en la elección anual, por una suerte de "notables" del municipio, de una doncella de intachable conducta.

Finalmente, a las 22:45, Our ten years (corto) y Useless (2007), documental de Jia Zhangke, dividido en tres partes, centrado en la observación de los cambios en el mundo del trabajo, Sherman's march (1986) documental de Ross McElwee, y Shadows (1959), la opera prima de J. Cassavettes. Además, dos obras de Naomi Kawase, ambas de 1996, The setting sun y This world (que recoge la correspondencia de la directora con Hirokazu Kore Eda) en el CICCA.

Para los madrugadores, como todos los días, hay pases de películas a competición, que también tendrán oportunidad de verse por la tarde: With a girl of black soil, de Jeon Soo-il, a las 9:30 y Foster child, del filipino Brillante Mendoza a las 12:00; también a esa hora la película estonia Magnus, de Kadri Koussar.

A las 16:00 la película de Naomi Kawase nuestra de cada día: Suzaku (1997), pero las verdaderamente recomendables son un par de apuestas arriesgadas: Walden, el primero de los diarios de Jonas Mekas, correspondiente a los años 1964 a 1969 -con una duración de tres horas-, y el viaje en Cadillac de la artista/fotógrafa Sophie Calle, a través de los EEUU, Double blind (No sex last night) (1992). Además, dos muestras de Cine directo, La pyramide humaine (1961) de Jean Rouch y Warrendale (1967), de Allan King.

A las 18:45 la cosa se complica pues, a parte de Shara (2003), de Naomi Kawase, hay varias opciones igualmente llamativas. Por un lado, A short film about the Indio Nacional (2006), del filipino Raya Martin que, como dijimos ayer, es el nuevo wonder boy de la crítica internacional; y a las 19:00, los resultados de los talleres impartidos con motivo del Festival por el director Isaki Lacuesta. Antes, y para los que disfrutan de autores consagrados: Tristana, del director español más internacional que -a pesar de lo que digan los desmemoriados- no es otro que Luis Buñuel, y dos pequeñas obras de Ingmar Bergman, el corto Karins Ansikte (1984) y Faro Dokument (1969). También el documental Ghost of Abu Ghraib, en el CICCA.

En la sesión de las 20:30, dentro de lo que han denominado "La noche digital", destaca Memories (2007), el proyecto digital a tres manos que anualmente se realiza al amparo del Festival coreano de Jeonju, esta vez a cargo de directores europeos: H.Farocki, P.Costa y E.Green. Otras posibilidades incluirían los Moments choisis des Histoire(s) du cinema (2004), y la malaya The elephant and the sea (2007). El programa número dos de Naomi Kawase se exhibe a la misma hora en el CICCA.

En horario nocturno, a las 22:45, Autohystoria (2007), la última obra de Raya Martin; la desconocida y brutal -pero imprescindible- Oh Uomo! (2004), sobre los terrores de la guerra, y VHS Kalouche del tunecino Néjid Belkadhi. En el CICCA el programa número cinco de Naomi Kawase.

Para el que no tenga el periódico a mano, la programación del festival para el día de hoy en los Multicines Monopol pinchando aquí.

En la sesión matutina dos películas de la sección oficial, a las 9:30 la argentina El hombre robado y a las 12:00 la irlandesa Garage. Haciéndoles la competencia, en el mismo horario, pero en el CICCA, los dos bloques de cortos que componen el Foro Canario.

A las 16:00, dos clásicos desconocidos: la obra fundacional del denominado cinéma vérité, Chronique d'un été (1960), dirigida por el antropólogo Jean Rouch y el sociólogo Edgar Morin, una encuesta sobre la felicidad y el trabajo en la vida cotidiana francesa de los años sesenta; y La Rosiére de Pessac del malogrado Jean Eustache, (de la que hizo dos versiones, en 1968 y 1979), un documental sobre la fiesta tradicional de su pueblo, que consiste en la elección de una doncella. Además, El vuelo del globo rojo de Hou Hsiao Hsien que, dentro de una serie de films con el Musée d'Orsay como nexo, se apropia de El globo rojo (A. Lamorisse, 1956) para ofrecernos la visión -pausada, lírica y posmoderna (a la que nos tiene acostumbrados)- de la infancia/inocencia en la sociedad urbana global; y la película malaya, Before we fall in love again (2006), de James Lee. En el CICCA, la sesión Los Panero: después de tantos desencantos, con una proyección de cortos con los miembros de esta familia como objeto, a la que seguirá una mesa redonda posterior.

En la sesión de las 18:15, el bloque séptimo de Naomi Kawase en el CICCA, Juha (1999), del finlandés Aki Kaurismaki, Elle s'appelle Sabine, dirigido por la actriz Sandrine Bonnaire, la repetición del bloque de cortos de la sección oficial a concurso y el Bloque dos del Foro Canario.

A las 20:30, Ploy, de Pen-ek Ratanaruang y 1974, Une partie de campagne (1974) de R. Depardon que, al hilo de Primary (1960) -también exhibida en el Festival-, sigue la campaña electoral de V. Giscard d'Estaing a la presidencia de Francia. Además, el segundo bloque de cortos de la sección oficial y el Bloque de 35mm del Foro Canario. Sin olvidarnos de la consabida dosis de Naomi Kawase en el CICCA, esta vez con el primer programa de sus obras.

Para finalizar la jornada, el pase especial de Funny games, remake norteamericano de la película del mismo título, dirigida por el propio Michael Haneke. Delits flagrants (1994), de R. Depardon; y la obra póstuma del director rumano Cristian Nemescu, California dreamin' (2007). En el CICCA, el oportuno  paseo por Malasia con Rain dogs, de Ho Yuhang, película en la que es fácil rastrear las influencias del director tailandés Apichatpong Weerasethakul, y en la que -como hace Wong Kar Wai en sus films-, nos deleita con un tema por completo ajeno a la tradición asiática, la versión de Odetta del tradicional "Sometimes I feel like a motherless child"; tema que, por cierto, ya sonaba en una magnífica película, esta sí, El evangelio según San Mateo (P.P. Pasollini, 1964).

Por la mañana se presentan dos películas de la sección oficial y una de la informativa, si bien a las 12:00 entran en juego los cortos a concurso del Foro Canario con la cosecha del año pasado.

A las 16:00, doble ración de cine mexicano, por un lado, el estremecedor documental Bajo Juárez: la ciudad devorando a sus hijas (Alejandra Sánchez y José A. Cordero, 2006) rodada entre 2001 y 2005 sobre las desapariciones de mujeres en Ciudad Juárez y por otro, dentro de la retrospectiva dedicada al director Jaime Humberto Hermosillo, Amor; en el mismo horario se pasa el primer bloque de cortos a concurso de la sección oficial, y Pas a nivell, (Pere Vilà i Barceló, 2007) película española de la sección informativa, opera prima de su director, que ha rodado una historia mínima(lista) seleccionada para el pasado festival de Gijón: un joven que al terminar sus estudios, no sabe qué hacer y pasa el verano en casa de su abuela en la costa.

En la sesión de las 18:45, recomiendo la película de Naomi Kawase del día, Shara (2003), o bien el clásico -en su momento polémico- de Luis Buñuel, Viridiana (1965); también sale a la palestra el segundo bloque de cortos a concurso; y no podemos olvidar las dos muestras de la retrospectiva "Cine directo" y La tarea (1990), del mexicano Jaime Humberto Hermosillo. En el CICCA se pasa el quinto bloque de las obras de Naomi Kawase.

A las 20:00, mi apuesta sería la sesión dedicada al director canadiense Guy Maddin, con el documental dedicado a su ciudad natal My Winnipeg (2007) y el corto Odin's Shield Maiden (2007). A las 20:30, otro documental, o film ensayo, éste de la presidenta del jurado del Festival, la cineasta belga Chantal Akerman, News from home (1976), que reúne una serie de postales urbanas de Nueva York; y para el que aún no la conozca, El desencanto (J. Chávarri, 1976), este documental sobre la familia Panero es una de las películas españolas más interesantes de los años 70, hoy verdadero film de culto. En el CICCA, la primera obra del wonder boy de moda entre la crítica internacional, el joven filipino Raya Martin.

Para los trasnochadores, la última sesión, a las 22:45, ofrece un interesante abanico que hace difícil la elección, desde  Gimme shelter (Maysles), -o de cómo un concierto gratuito y multitudinario de los Rolling Stones acaba en tragedia-, a Después de tantos años (Ricardo Franco), o el retrato de los restos de la familia Panero unos veinte años después de El desencanto; de Café Lumiere (Hou Hsiao Hsien), o el homenaje del taiwanés Hou al Japón del maestro Yasuhiro Ozu a L'Aimée (A. Desplechin), o el descubrimiento del pasado familiar de su director; e incluso la última película del pionero del género zombi Diary of the living dead (George A. Romero). En el CICCA, el sexto bloque de la obra de Naomi Kawase.

Nuevamente, en la sesión de las 12:00, dos alternativas de peso, por un lado L'aimée, la penúltima obra del director francés Arnaud Desplechin, presentada a concurso y La muerte del señor Lazarescu, (2005), de las películas rumanas más interesantes. 

A las 16:00, la segunda película de ficción de la directora japonesa, Naomi Kawase, Firefly, (Hotaru, 2000); y 12:08, East Bucharest, junto a la anterior, de las películas rumanas a tener en cuenta.

En la sesión de las 18:15 es difícil de escoger, por un lado, La question humaine, película exhibida en el Festival de Gijón; Juha (1999), del finlandés Aki Kaurismaki, y A short film about the Indio Nacional, (2006) del filipino Raya Martin; todo ello sin hacer de menos a Les inconnus de la terre, de Mario Ruspoli.

A las 20:30, tras ver ayer la magnífica Chronique d'un eté, es imposible pasar por alto, La Pyramide humaine (1961), también de Jean Rouch; La noire de.., de Ousmane Sembene en el CICCA, y quizás, por darnos un paseo por Malaisia, Rain dogs, de Ho Yuhang.

Para finalizar este domingo, Pisay de Aureaus Solito y Goodbye dragon Inn, de Tsai Ming Liang; o bien, el tercer programa de Naomi Kawase en el CICCA.

El Festival de Las Palmas reserva a los madrugadores verias películas de interés, por un lado, Rosetta, la película que posicionó a los hermanos Dardenne en el panorama cinematográfico europeo, Palma de oro en Cannes en 1999, un drama naturalista sobre una joven que lucha por salir de la postración social y laboral; Pisay, el tercer esfuerzo del filipino, Aureaus Solito, ganador del Lady Harimaguada de la edición del 2006, un retrato de la juventud del  Philippine Science High School durante la ley marcial, aquí va el trailer; y The way I spent the end of the world, del director rumano Catalin Mitulescu, en las postrimerías del régimen dictatorial de Ceaucescu, una adolescente -Dorotheea Petre- rompe accidentalmente en clase un busto del Conducător y por ello es enviada a una escuela profesional.

A las 16:00, Crime and punishment (Zhao Liang), película china de la sección oficial -proyectada en video digital-, documental que plasma tres intervenciones contra "el crimen" del ejército de fronteras en un pueblo situado en la frontera con Corea del Norte, naturalismo estático, pausado y minucioso, que retrata el trasfondo inquisitorial y arbitrario de las fuerzas del orden chinas. Japón (2002), ópera prima del polémico, a la par que premiado y ensalzado por la crítica, director mexicano Carlos Reygadas (su última -y dreyeriana- película, Luz silenciosa, está a punto de estrenarse); El vuelo del globo rojo (2006), último film estrenado del director taiwanés Hou Hsiao Hsien. Finalmente, el documental Gimme shelter (A. & D. Maysles, 1970), la pantalla delatora, los Rolling Stones -sus satánicas majestades- frente al abismo de la realidad irresponsable, la pesadilla que, de forma traumática, da por concluido el espejismo del verano del amor.

A las 18:15, por fin da comienzo la retrospectiva dedicada a la directora japonesa Naomi Kawase, con su primer film, Suzaku (1997) -Cámara de oro en Cannes-; también, dentro del ciclo Reescrituras, la peculiar VHS Kaloucha; en la sección informativa, el documental Ghost of Abu Ghraib (2007), en la línea de los documentales críticos que se están estrenando al hilo de la nefasta actuación de la administración Bush y su laxitud a la hora de tolerar conductas contrarias a los más elementales derechos humanos; también tendremos la oportunidad de contemplar el epítome del cinéma vérité, la obra del antropólogo Jean Rouch y el sociólogo Edgar Morin, Chronique d'un été. Y en el CICCA, La noir de.., del director senegalés Ousmane Sembene.

A las 20:30, el documental Don't look back (D.A. Pennebaker, 1967), esclarecedor documental donde el emperador, Bob Dylan, vanidoso, rodeado de una corte de admiradores/aduladores, sobrado -y en ocasiones faltón-, queda desnudo (más aún su manager, A. Grossman) ante la cámara de Pennebaker; la película rumana 12:08 East Bucharest, (Corneliu Porumboiu, 2006); Good bye, dragon inn, (Bu San, 2003) -ya vista en ediciones anteriores- del director de origen malayo, Tsai Ming Lian, que viene a ser una de las referencias indiscutibles en el panorama del cine asiático actual; sin olvidar que a la misma hora varias obras de Naomi Kawase se exhiben en el CICCA.

La última sesión estará dedicada a la -este año sorpresivamente anticipada- noche más freak.