First came the iPod that we all know and love, which made its predecessors (the Boombox, the Walkman, the MiniDisc, the MP3 player) look just...silly. Its many subsequent iterations became sleeker and cooler each time. Then the iPhone came along and more and more of us drank the Apple flavored Kool-Aid. With 3G and the rapidly expanding App Store, the iPhone has become a veritable phenomenon.

Despite ongoing issues with MobileMe, email, low battery life and more, the little phone machine is charging down its steep rocky path alone, leaving its competitors in the dust and getting better every day.

Random sidenote: Someone actually told me they were torn between the new iPhone and the new Blackberry. I told him that's like saying you're torn between Prime Rib and a Big Mac. (He bought the iPhone the next day.)

Combining your phone and your music player into one device was certainly a convenient first step. But now, with the App Store going nuts, more and more innovative music apps for the iPhone are popping up. Here are my favorites so far:

Pandora
Yes, I know. We rave about Pandora ad nauseum. But, quite frankly, they deserve it. What was already a killer service is now one of the leading iPhone apps. Sick of your own music? Hate the radio? Then open up Pandora at home, in your car, or in your earphones while you're on the go and have your customized radio station at your finger tips. Remember, the more you use it the better it gets. In this case I say go ahead Captain Curious! Open up Pandora's box and watch the magic unfold.

Shazam
How often do you find yourself saying "Wait, who sings this song?" You make a mental note to find out later and never actually do? Here is the answer to your dilemma. Open Shazam, let your iPhone "listen" to the song in question and it will tell you the artist and track name. Freaking great. I've also been using it as a way to effortlessly tag songs that I want to possibly download later, as I hear them.

SeeqPod
On the flip side of Shazam's service, you have SeeqPod. You know the artist or track name but don't have the song when you want it. Type it into SeeqPod and, boom, their crawler finds songs and videos for you. (We've mentioned them before too, as pioneers of a growing digital music trend - "playable search".) So now, with SeeqPod on your iPhone, whenever a song pops into your head that you want to hear it's there for you.

Midomi
Midomi is like Shazam, but with with more flavors to choose from. In addition to letting your phone "listen" to the song à la Shazam (Midomi calls it "grab" not "listen"), you can also sing/hum the tune, or say/type the song name. Very handy. Naturally, once you find the song you can buy it on iTunes, bookmark and share, watch YouTube videos etc. Watch the overview video here.

All of the above are easy to use, insanely practical, and really fun to have. But, for the more musically inclined among you, here are a few others worth checking out:

For musicians, there is Stay in Tune, TyroRuner (guitars only), and OmniTuner to tune your instrument on the go. If you want a mobile click track check out Orfeo or iMetronome. For DJ types, MixMeister scratch (cool concept, reviews not great though) and BeatMaker (see a review and video here).

And these are just the early apps. Imagine how prehistoric they will seem in a year or two...

Carmen Consoli

Sei venuto a convincermi
o a biasimarmi per ciò che non ho ancora imparato
Sei venuto a riprendermi
Orfeo malato dai forza e coraggio al tuo canto eccelso

Portami con te non voltarti
conducimi alla luce del giorno
Portami con te non lasciarmi
Io sono bendata ma sento già il calore

È il momento di svegliarmi
é tempo di rinascere
Sento addosso le tue mani
ed è un caldo richiamo perché
ho bisogno di svegliarmi
di prendermi cura di te
Ritorno alla vita….
Sei venuto a difendermi
a liberarmi imponendo oltremodo la tua ostinazione
Sei venuto a riprendermi
eroe distratto da voci che inducono in tentazione

Portami con te non ascoltarle
conducimi alla luce del giorno Portami con te non lasciarmi
Il varco è vicino ed io sento già il tepore

È il momento di svegliarmi
é tempo di rinascere
Sento addosso le tue mani
ed è un caldo richiamo perché
ho bisogno di svegliarmi
è il momento di svegliarmi
Ritorno alla vita….
Ritorno alla vita….
Ritorno alla vita….
Ritorno alla vita….

Espero lo disfruten...

Ahh y escuchen el momento hermoso cuando cambia el famoso "Te quiero" por "Os quiero".

Para comenzar voy a subir el unico tema inedito que canto y se titula "Por si las musas". Como dije en mi critica sobre el recital aqui hace referencia a que no quiere decir la palabra despedida porque aun tiene la esperanza de que alguna musa le regale una cancion. Esperemos que asi sea.

Disfruten....

Y ahora viene algo en lo que tenemos que colaborar todos...
Aqui les dejo la letra de la cancion que pude escribir del video pero hay algunas partecitas que no pude entender muy bien asi que las deje con puntos suspensivos para que todos juntos la completemos

Por si las musas

Solo yo, hablando del tiempo
entreveres como gotas de lluvia
mis historias de amor y soledades
de añoranzas sin fin de lo vivido
y recuerdos de infancia y adolescencia
................ de la musica

Y ahora estoy, aqui
intentando resumir en minutos
lo que fue mi vida
y evitando pronunciar la palabra despedida
por si un dia las musas deciden volver
y regalarme una nueva cancion
algun dia

............. mis emociones
y mi modo susurrando al oido
mis historias vividas o inventadas
porque todas al fin fueron canciones
que salieron del alma y se marcharon
y volaron en brazos de la musica

Y ahora estoy, aqui
intentando agradecer tantas cosas
que me dio la vida
y evitando pronunciar la palabra despedida
por si un dia las musas deciden volver
y regalarme una nueva cancion

intentando resumir en minutos
lo que fue mi vida
y evitando pronunciar la palabra despedida
por si un dia las musas deciden volver
y regalarme una nueva cancion,
algun dia

Afortunadamente anoche me pude hacer presente en el Orfeo en Cordoba Capital para escuchar una vez mas sus grandes exitos.

Como lado positivo del recital me llevo las nuevas versiones que interpreto de esos inolvidables temas con un muy buen grupo de musicos (Todas en una version mas melodica).

Algo mas de lo positivo es que pude escuchar en un recital un tema muy conocido pero que pocas veces suele cantar (de hecho de las cuatro veces que lo vi nunca lo hizo) que es "Le llamaban loca". Me encanto que lo cantara porque tenia muchas ganas de escucharlo pero como dije anteriormente no tenia muchas esperanzas de que lo hiciera.

Una de las cosas negativas, mas teniendo en cuenta que se piensa grabar un DVD, es que no se haya puesto en contacto con algun coro municipal para hacer una interpretacion del tema "Que canten los niños" que sinceramente me pone piel de gallina cuando lo esucho cantar. Aqui en Cordoba lo canto con el publico obviando las partes en las que cantaban lo niños. De todos modos espero que en Rosario o Buenos Aires que tambien van a ser parte de la grabacion del DVD lo alla hecho con un coro. Si alguien sabe sera muy valioso su aporte.

Otro aspecto negativo es que tanto en los momentos que hablo como en la letra de su tema inedito hace alusion a que por el momento no tiene pensado sacar un nuevo disco ( Aparate del DVD de fin de año, me refiero a un CD con temas ineditos ).  Dijo entre otras cosas que no le gusta la palabra DESPEDIDA, que por eso va a esperar que alguna musa le regale una cancion para venir nuevamente a cantarnosla al oido.

De todos modos se dio a entender que ese posible CD es nada mas que una esperanza que el tiene pero por el momento nada concreto. Por lo pronto disfrutemos del DVD que lanzara a fin de año que contendra unas exelentes versiones de los temas que tantos nos gustan.

Ahhhh....

Esten atentos que ire subiendo los videos que pude grabar.....

Saludos,

Juan Manuel Beatriz

Sucede que a veces. "Reivindica el derecho a la esperanza. Cuando todo se derrumba, uno reivindica el derecho a levantar la mirada. Y hay cosillas que te hacen recuperar el ánimo".

Elegía. "Es una rumba que homenajea a El Vaquilla, quien se convirtió en personaje mediático porque protagonizó fugas espectaculares televisadas. Acabó muriéndose de cirrosis en la cárcel. Es una forma de cantarles a esos parias que nacen en la periferias de las grandes ciudades y son carne de cañón".

* las referencias son de Clarín.

Estamos sentados en un abigarrado salón del Palacio Ducal de Mantua. Hay nerviosismo entre los anfitriones. El Duque Gonzaga ha encargado a un tal Monteverdi que prepare una obra como la exitosa Euridice de Peri, que vieron en Florencia hace siete años. Se dice que el poema lo ha escrito al final Alessandro Striggio, cogiendo de aquí y de allá de la Metamorfosis de Ovidio y las Geórgicas de Virgilio. Por las ventanas se cuela algo del jolgorio de las calles; hace poco que comenzó el carnaval. De pronto, varios músicos —puedo contar hasta veinte— hacen su entrada en el gran salón sin mucho orden. Detrás aparece un señor alto, de pelo cano, que va enfundado en una refulgente capa encarnada. Debe ser el clavecinista que dirigirá la obra. Desde aquí puedo divisar la primera página de la partitura que está en un atril próximo. Se titula L’Orfeo y es una favola in musica. ¿Una favola in musica? Mis pensamientos se ven interrumpidos por una fanfarria. Parece que esto empieza ya.

El director de escena Pier Luigi Pizzi nos sitúa en aquella mágica noche del 24 de febrero de 1607 cuando Claudio Monteverdi estrenó la que está considerada como la primera composición que abrió a la ópera su camino como género. Por virtud de la magia del teatro, somos uno más en aquél acontecimiento decisivo, mientras vemos cómo los músicos se acomodan a nuestro lado, sin el foso habitual, mientras de la oscuridad del escenario emerge el patio interior del Palacio Ducal, entre el centellear de las antorchas y la fanfarria que el músico de Cremona compuso para la ocasión, avisándonos de que el espectáculo ha comenzado.

La recreación del ambiente renacentista italiano no dura toda la obra y tras el descanso, los músicos recuperan sus ropas actuales, en una metáfora de la vigencia que la obra rezuma hoy, cuatrocientos años después de su estreno. Hemos regresado al presente y dejado atrás los vistosos ropajes en gama de rojos y amarillos de la boda y la dicha de Orfeo. Pizzi confiere un gran sentido del ritmo escénico que decae en ocasiones en la segunda parte. Se trata de un ambiente más quedo, más onírico que el de la primera; el que acompaña a Orfeo hasta las profundidades del Hades. En uno de los momentos más conseguidos de la producción, compartimos la emoción del protagonista al contemplar por última vez el rostro de la bella Eurídice, tras quitarle el velo a la sombra blanca que le sigue y transgrediendo la advertencia de Plutón. Nos afligimos con él al verla desaparecer de nuestra presencia. La ópera termina con la célebre danza festiva La Moresca, que se convierte en una improvisada fiesta contemporánea. Sobraban los pasos de break dance que improvisa una, hasta ese momento, grácil bailarina.

Christie consigue una lectura muy expresiva de la obra, consiguiendo momentos de gran dramatismo como la noticia de la muerte de Eurídice. Les Arts Florissants extraen de sus instrumentos un sonido añejo de gran exquisitez musical. El Orfeo de Dietrich Henschel fue muy aplaudido por el público; fue de menos a más, pero estuvo un tanto irregular, con una dicción poco clara. Destacaron Sonia Prina, Maria Grazia Schiavo y el cuarteto de pastores, que dieron muestras de una gran compenetración, con Xavier Sabata y Cyril Auvity a la cabeza. L’Orfeo es el primer acto de la trilogía monteverdiana que ha programado el Teatro Real con el mismo equipo artístico. La próxima temporada llegará al escenario del coliseo madrileño Il ritorno d’Ulisse in patria, y en 2009-2010, L’incoronazione di Poppea.

La gran aportación de esta ópera a la historia de la música fue la de compenetrar un discurso musical con la acción teatral, de manera que quedaran subrayados y enfatizados sus momentos más dramáticos, en un alarde de equilibrio formal entre texto y música como pocas veces se verá en el futuro. Monteverdi, como Orfeo, transgrede la forma de la época para darnos un género único en su conjunción de las artes y conseguir el efecto catártico de la belleza clásica. Nos lo recordará, siglos más tarde, Rainer Maria Rilke en su Soneto V a Orfeo: “Él ya está más allá, donde no podéis acompañarle./La reja de la lira no le constriñe las manos./Y, transgrediendo, obedece.”

Artículo publicado en Actualidad Económica, 6 de junio de 2008.

Quando ascoltai per la prima volta questo mito ne fui colpita e commossa. Cercando notizie, scoprii che molti artisti avevano subito il fascino di questa storia e ne avevano tratto ispirazione per nuove creazioni, nella poesia, nell'arte, perfino nella musica, come testimonia il dolcissimo e indimenticabile Orfeo ed Euridice di Gluck. Tuttavia l'interpretazione per me più intensa e suggestiva del profondo dolore e sconforto per la separazione fra i due amanti è suggellata nello stupendo rilievo in marmo visibile al Museo archeologico di Napoli, dove perfino il volto di Ermes che deve scortare Euridice sembra velato dalla tristezza e dalla pietà. Perché l'amore, per uomini e dei, è la più grande e rispettabile delle passioni.

Già diversi anni prima che morisse, la vita mi aveva portato a percorrere strade diverse e lontane da lui. Avevo lasciato il gruppo nell’aprile del 1996, quando forse era giunto all’apice del successo. Da qualche mese avevamo vinto la coppa d’argento a un prestigioso concorso organizzato in Repubblica Ceca. Il punteggio che riportammo in quell’occasione fu di 88 su cento. Niente male per dei ragazzini che si misuravano nella categoria massima del concorso con orchestre di fiati provenienti da tutta Europa.

Gli esami di stato e l’imminente iscrizione all’università mi avevano fatto desistere dall’idea di voler continuare con la musica. Un nuovo capitolo si apriva nella mia vita, e un altro vecchio se n’era appena chiuso. Ma solo temporaneamente. Da qualche mese, a distanza di 12 anni da quando avevo riposto lo strumento nell’astuccio, ho ripreso in mano la mia vecchia Bach Stradivarius e ho ricominciato a suonare. Non mi pare che potesse esserci un modo migliore per ricordarmi del Maestro.

Qui c’è un articolo che ho scritto nel giorno del suo funerale.

      La música del Renacimiento se basaba en un juego de suspensiones armónicas entre las voces que producían una combinación serena, en ocasiones de extraordinaria belleza. Pero ni siquiera en el madrigal exuberante de las últimas generaciones se desplegaba una argumentación dramática capaz de promover inflexiones, giros o requiebros en la argumentación paralela del texto y del discurso musical.

     Faltaba drama. Y drama significa algo más que emotividad expresiva. Ésta podía ser tan desbordante como en los libros últimos de madrigales de Carlo Gesualdo. Pero ese expresionismo cifrado en el valor semántico de algunas palabras, o de ciertos sintagmas, no promovía, en los madrigales del príncipe de Venosa, una verdadera argumentación de la acción.

     El giro de letra y música hacia el drama constituye el gran logro de Monteverdi: lo que hace de él el auténtico fundador de ese género que terminará reconociéndose con el nombre de ópera.

     Por su parte, Carlo Gesualdo logra, quizá, crear un "madrigal en negativo" en el que se exacerban las tendencias expresivas de la tradición madrigalesca. La música se ciñe, en esa tradición, al valor icónico, pero sobre todo emocional, de algunos términos. No se trata tanto de destacar palabras por su contenido objetivo sino por su capacidad de expresión de afectos. Términos como crudo, crudel, sospirar, morire, dolore. Términos que convocan chirriantes disonancias. Gesualdo llegará al extremo, sobre todo en sus dos últimos libros, Quinto y Sexto, de promover un general deslizamiento tonal de la música por la escarpada vía del cromatismo.

     El expresionismo desquiciado de Gesualdo estalla en una percepción estática y ex-stática, en la que en puro pasmo y petrificación parece ahogarse la acción relatada en la emoción suscitada. Ese carácter de quietismo sensual, o ese modo paralítico de atrapar y exorcizar el horror (expiación quizá del crimen cometido; del asesinato consumado) hacen de ese madrigalismo de Gesualdo, lo mismo que en el caso del manierismo pictórico en su relación con el clasicismo renacentista, una explosión de la composición en fragmentos, en detalles nimios destacados en forma hiperbólica. La unidad armónica de la pieza parece descomponerse en disyecta membra, como el cuerpo despedazado de Orfeo o de Dionisos (Schopenhauer o Nietzsche hablan de la imnanente contradicción del Uno, o de la Voluntad que se auto-desgarra en una multiplicidad de entes; o del sufrimiento esencial de esa Voluntad de Vivir, que tendría en el dios Dionisos su mejor representación). Si algún miembro del Arsis Ensemble lee esto, seguramente recordará el "membrorum divisio" del motete de Victoria.

     En Gesualdo, al igual que en artistas como Pontormo, Beccafumi, Parmigianino... Abunda esa perturbación del orden clásico postrafaelesco mediante alargamiento de las figuras (o de las melodías), desequilibrios compositivos (o de distribución de voces), empuje de los planos hacia la superficie, en desafío de la perspectiva geométrica. Se destaca el detalle pintoresco: la maniera.

       La unidad de la composición asegurada en el Renacimiento por el punto de fuga y la conversión del cuadrado en cubo, de forma que puedan tramarse una diversidad de planos que fijan cercanías y distancias, se corresponde con la superposición "democrática" de voces del contrapunto imitativo de la música renacentista, de cuya conjunción resulta una armonía que controla y domina la disonancia. Ésta únicamente se tolera entre consonancias antecedente y consecuente.

     El manierismo, en cambio, parece resarcirse de esa conseguida uniformidad formal al resaltar un detalle exagerado hasta la deformación. La disonancia comienza a emanciparse. Pero la música de Gesualdo no es, todavía, una música en la que esa expresividad exacerbada se produzca en el argumentado discurso de una música impregnada de dramatismo. La disonancia no preparada es asistida por el sustento textual, como sucede también en Monteverdi. Pero en ningún momento se presagia y barrunta en Gesualdo el gran logro inventivo de Claudio: la movilización dramática del discurso musical mediante el acopio de todo el conjunto de recursos que proceden del madrigalismo expresivo, o del incoado basso continuo (armonía funcional).

     En Carlo Gesualdo esa exacerbación expresionista no redunda en el dramatismo de la acción sino en su parálisis; no en el drama que discurre sino en la intensa emoción pasmada e inmovilizada, casi petrificada en la expresión del dolor, de la queja, del abandono. (Níobe, tras perder siete hijos, y después a otras tantas hijas, acaba transformada en roca. Es el ejemplo mítico del dolor petrificador) .

     Gesualdo es, en este sentido, la verdadera sombra dia-bálica, o el contrapunto de horror, de las excelsas planicies religiosas, místicas, expresadas en disonancias preparadas y  mejor resueltas, de las grandes composiciones del Renacimiento en su madurez: las misas de Palestrina; los motetes de Orlando di Lasso.

     ¿Qué es lo que hizo posible esa crisis del estilo renacentista? ¿Puede determinarse una causa principal que explique el desplome de un estilo de época que sólo a través del drama in musica de Monteverdi encontrará una inflexión relevante y suficiente, capaz de dar la réplica a ese estado de confusión e incertidumbre?

     De pronto la comunidad religiosa, artística, moral se parte en dos; sufre una hendidura tal que ya nunca podrá volver a ser como era. Hubo un despertar en el horror y la consternación, con el truncamiento de la tradición humanista asociada al clasicismo. El conflicto entre Reforma y Contrarreforma dividió por la mitad la cristiandad. El efecto de la escisión fue fulminante. Todo el mundo quedó de pronto dividido en la dualidad de los potencialmente salvados y de los virtualmente condenados. Una obra como el Juicio Final de Miguel Ángel revela esa tremenda convulsión espiritual. Tras esa obra se extiende el gesto de arrepentimiento de quien mira su vida anterior con sentimiento de culpa: el que expresa Orlando di Lasso, en su vejez, a través de sus Lágrimas de San Pedro, o de su motete titulado Melancolía.

     Una crisis fisiológica y mental generalizada, producto de la bilis negra, someterá a los contemporáneos de ese crepúsculo renacentista a una epidemia de infirmitas melancólica. Desde los últimos años de Miguel Ángel se asiste a la expansión de ese talante saturniano que descubre un icono especialmente exaltado en esa época: el Tiempo en su poder corruptor, en su carácter destructor. También en su capacidad para desvelar la verdad de lo sucedido. El tiempo dramatizado será la gran hazaña del Barroco. En música esa modulación de la temporalidad se iniciará con las grandes innovaciones dramáticas de Monteverdi.

     Esa contemplación del tiempo descubierto, sin velos, en toda su potencia destructora, a modo de icono que devora a sus propios hijos -como Cronos-, promueve, junto a la exacerbación del problema de la certitudo salutis (o certeza de salvación), un escenario de culpabilidad del que la pintura, la poesía y la música dan prueba.

-Eugenio Trías: El Canto De Las Sirenas- (extractos modificados)

 [Si tratta di un primo capitolo per un libro che sto scrivendo nel corso degli anni... più che un capitolo è in realtà un'introduzione un po' più lunga del solito per mettere in chiaro criteri e valutazioni, bilanci e prospettive, punti di vista e ricordi del passato (non a caso il testo è dedicato a Piero Cudini, un amico che non c'è più...). Giuseppe Panella]

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DINO CAMPANA: LA POETICA DELL'ORFISMO TRA  PITTURA E SOGNO

 di Giuseppe Panella

"Si chiamava adesso Orfeo o Arfa che vuol dire:

       colui che guarisce mediante la luce"

                                                                   (Edouard Schuré)

[alla memoria di Piero Cudini]

     Il mito fondatore

Nella poetica orfica di Dino Campana, sono assai probabilmente confluite tutte le più importanti e variegate esperienze espressive ed estetiche europee di inizio secolo; esse sono state poi, in tempi e modi diversi, successivamente riprese e messe dialetticamente a confronto, rapprese e come decantate nel crogiuolo linguistico della sua impresa poetica.

Di esse due, per le loro caratteristiche precipue e per il loro impatto generale, sono particolarmente interessanti ai fini di una pur necessariamente sintetica ricostruzione: da un lato, la lettura dell'opera di Edouard Schuré, praticata da Campana negli anni di formazione precedenti i Canti Orfici, dall'altra la probabile frequentazione dell'esperienza pittorica del Cubismo osservato a partire dalla rivalutazione dell'opera di Cézanne (considerato quale l'ideale precursore del movimento pittorico in questione) fino a giungere alla "svolta" del 1912 effettuata dall'orfismo pittoriale di  Robert Delaunay.

Tali aspetti, comunque - che furono sicuramente tra i più significativi nel corso della cultura europea a cavallo tra i due ultimi secoli - andranno, tuttavia, sempre inquadrati e riverificati nell'ambito dell'evoluzione poetica di Campana e ritrascritti, come in filigrana, nella sua successiva produzione.

La scelta del mito di Orfeo (e delle soluzioni espressive che esso richiede, permette e obbliga) è indicativo della volontà di Campana di esplorare le possibilità semantiche e concettuali della poesia fino ai suoi limiti estremi.

Nell'Orfismo, infatti, la volontà di riforma all'interno del culto dionisiaco nasce - giusta l'influente opinione contenuta in Psyche di Erwin Rohde (la grande sintesi di storia delle religioni del 1894 la cui importanza non era sfuggita a Campana) - dal desiderio di spostare nella dimensione dell'ascesi e in forma catartica l'originaria caratterizzazione estatica, di culto e ritualizzazione dell'orgia che aveva contraddistinto la religione di Dioniso.

Proprio nel richiamo alla figurazione mitica dell'opera di Orfeo, considerato come l'iniziatore e il fondatore di nuove pratiche di iniziazione religiosa e morale, contraddistinte dal predominio della disciplina spirituale e dal rifiuto delle pratiche bacchiche più esaltate, è evidente il significato profondo e innovatore (dal punto di vista stilistico) della ricerca di Campana.

L'Orfismo, infatti, si proponeva, da un lato, di promuovere forme religiose in grado di conciliare il contenuto dionisiaco del culto (suo fondamento originario) con la forma apollinea della sua proposizione (la poesia come realizzazione formale di quel contenuto culturale sintetizzabile nel mistero dell'esistenza di Dioniso-Zagreus) e dall'altro di trasformarne i riti e le forme cultuali in espressione di una religione più interiorizzata.

E' nell'originale approccio al mito attraverso la dimensione formale della poesia che si trova il senso e il requisito fondamentale della religione di Orfeo; attraverso l'utilizzazione della sua poeticità espressiva, infatti, il culto religioso - incentrato su pratiche ascetiche di tipo sciamanico e sulla volontà di purificazione rappresentata, ad es., dalla scelta vegetariana - accede a statuto di dottrina generale e si fa interpretazione del mondo.

E in questo modo, allora, il suo lascito viene letto come un "Libro" che potrà essere interpretato solo alla luce di un'illuminazione sapienziale (in questo senso sono significativi gli accenni al riguardo contenuti in Platone o in Euripide).

In un simile contesto di precettistica diffusa e articolata in chiave di scelta esistenziale, il mito di Dioniso-Zagreus sbranato dai Titani per aver dichiarato la propria identità di fronte allo specchio (per essere uscito, cioè, dall'indistinzione della natura caotica e in-forme e dal conseguente mimetismo nei suoi confronti), acquista valore centrale.

Il genere umano nasce, infatti, proprio dalle ceneri dei Titani inceneriti da Zeus per punirli del loro gesto bestiale e mantiene al proprio interno le tracce di quella precedente sua dimensione inumana insieme alla scintilla della sua vocazione divina (la scelta della purificazione e dell'ascesi riguarda proprio la volontà da parte degli iniziati di riscoprire e di restaurare l'antico volto immortale del dio, equiparandosi ad esso (1).

A questo riguardo, tuttavia, va ricordato come il nucleo mistico dell'Orfismo preveda un ritorno di Dioniso "rinnovato" sulla terra e permetta il recupero di dimensioni spirituali profonde (in particolare, esse danno grande rilievo al tempo e alla memoria come caratteristiche dell'evocazione nostalgica e dolente del dio) che non sarebbero altrimenti presenti nell'apollineicità religiosa dell'Olimpo classico.

    Le figurazioni della poesia

Riguardo a questo aspetto, la lezione di Edouard Schuré appare maggiormente evidente per quanto riguarda le scelte di campo poietiche di Campana.

Campana aveva letto I grandi iniziati (che è del 1899) nella traduzione italiana di Arnaldo Cervesato uscita per i tipi di Laterza in quella Collana Mistica la cui direzione lo stesso Editore aveva avocato a sé, nonostante la ferma opposizione di Benedetto Croce alla sua pubblicazione e a quel che essa significava in termini di tendenza.

Nella sezione del libro dedicata a Orfeo e ai misteri dionisiaci, viene narrata in toni liricamente accorati e con figure e artifici da romanzo, l'apparizione di Orfeo, la nascita del suo culto e la sua morte (simbolica) per mano delle Baccanti dedite al culto orgiastico di Dioniso. Schuré insiste, tuttavia, sul carattere ‘civile' dell'operazione religiosa di ricucitura tra i culti di Apollo e di Dioniso tentata da Orfeo attraverso la sua predicazione legata e suscitata dal canto e dalla poesia:

"Infatti Orfeo trasse a sé, con la scienza e l'entusiasmo suo, la grande maggioranza dei Traci, trasformò completamente il culto di Bacco, dominò le Baccanti e rapidamente la sua influenza penetrò in tutti i santuari della Grecia. Egli consacrò la sovranità di Zeus in Tracia e quella di Apollo a Delfo, ove gettò le basi del tribunale delle Anfizionie, che divenne poi l'unità sociale della Grecia. Infine, creando i Misteri, formò l'anima religiosa della sua patria, poiché all'apice dell'iniziazione fuse in unico pensiero universale la religione di Zeus con quella di Dioniso. Gli iniziati ricevevano dai suoi insegnamenti le verità sublimi e questa luce discendeva poi fino al popolo, ma più temperata, non però meno benefica, sotto il velo delle poesie e delle feste incantatrici" (2).

Campana riprende da Schuré molti temi che sarà possibile ritrovare nei Canti Orfici e, soprattutto, ne accetta la dimensione onirica presente  nell' iniziazione dionisiaca a Orfeo.

La sua ricerca affidata al risultato finale nella poesia rappresenta il tentativo di ritrovare una sorta di essenza originaria dell'umano che sembra essere andata perduta in corso d'opera (nello sviluppo incontrollato e mortale delle vicende della Storia) e che può essere soltanto il frutto di una discesa nei labirinti iniziatici della perdita di senso e della notte fonda del delirio, nelle gravi e consonanti circonlocuzioni del sonno, nella prospettiva vertiginosa della memoria.

Il senso di una delle pagine più note della Notte, quasi alla sorgente della vena madre nativa dei Canti Orfici, laddove Campana rivive e ricostruisce la cognizione onirica della nascita del consentaneo impulso poetico che lo spinge, contemporaneamente, a descrivere e vivere all'interno di quella stessa descrizione, non è forse legato a un tale progetto globale di trasformazione della vita conscia che risulta ormai im-produttiva per l'artista?

"Non seppi mai come, costeggiando torpidi canali, rividi la mia ombra che mi derideva nel fondo. Mi accompagnò per strade male odoranti dove le femmine cantavano nella caldura. Ai confini della campagna una porta incisa di colpi, guardata da una giovane femmina in veste rosa, pallida e grassa, la attrasse: entrai. [..] Distinsi nell'ombra l'ancella che dormiva colla bocca semiaperta, rantolante di un sonno pesante, seminudo il bel corpo agile e ambrato. Sedetti piano" (3).

Ricorda, nella sua dimensione stravolta e allucinata, da incubo rivissuto nel limbo estremo della coscienza, la più pacata (ma successivamente idilliaca e come edulcorata) descrizione che Schuré campisce al centro del suo "romanzo di Orfeo" e che rievoca la festa dionisiaca nella valle di Tempe:

"E improvvisamente si svelò tutta intera coi suoi sfondi erbosi, i suoi boschetti di frassini e di pioppi, le sue sorgenti cristalline, le sue grotte velate di edere cadenti ed il suo fiume sinuoso allacciante isole di alberi o aggiratesi sotto le pergole intrecciate. Un vapore biondo, un sonno voluttuoso avvolgeva le piante e pareva che sospiri di ninfe facessero palpitare lo specchio delle sorgenti e vaghi suoni di flauti si levassero dagli immobili canneti. Su tutto si stendeva il silenzioso incanto di Diana. Il discepolo di Delfo avanzava come in un sogno, arrestandosi talvolta per respirare un delizioso odore di caprifoglio o di lauro amaro. Ma la magica chiarezza non durò che un istante, la luna si coprì di una nube e tutto ridivenne nero. Le rocce ripresero forme minacciose, brillarono per ogni dove sotto lo spesso fogliame degli alberi, sulle rive del fiume e nelle profondità della valle" (4).

Le due descrizioni sono indubbiamente le stesse, anche se il luogo della casa misteriosa ed equivoca della Notte racchiude un senso di mistero e di profondità iniziatica che la rende fortemente straniata, quasi dislocata nello spazio e proiettata indietro in un tempo totalmente de-strutturato (quello, asimmetrico, del sogno - e ciò sembrerebbe dare ragione all'ipotesi di Neuro Bonifazi riguardo la dimensione di sogno nello scorcio descrittivo campaniano) (5).

      Pittura e Sublime

Ma la stessa descrizione presente nel testo di Campana richiama i colori e le forme della grande esperienza pittorica del primo Novecento, soprattutto in ragione della distorsione cromatica, della prospettiva alterata dallo sguardo dello spettatore-attore che parla in prima persona, delle dimensioni difformi degli oggetti e delle persone rappresentate:

"Più interessanti, ai fini della nostra ricerca, sono gli anni 1912 e 1913, gli anni della preparazione prima di Il più lungo giorno e poi dei Canti Orfici. Sono anche gli anni della definitiva affermazione del Cubismo, con la mostra al Salon des Indépendants e quella del gruppo della "Section d'Or" nel 1912. Il 1912 è anche l'anno in cui, all'interno del Cubismo, Robert Delaunay comincia ad assumere una posizione autonoma, indirizzandosi, con la serie delle Fenêtres, verso un Cubismo caratterizzato da un accentuato cromatismo e chiaramente tendente ormai verso dimensioni astratte. Se piuttosto che sulle figure "canoniche" del Cubismo (Picasso e Braque) mi soffermo sulla figura di Delaunay è - palesemente - perché questo ci riporta ad una ‘sigla' che riavvicina all'argomento di questa ricerca. È infatti per la pittura di Robert Delaunay che Apollinaire conia, sempre nel 1912, la definizione di cubismo orfico, in una conferenza dal titolo Le Cubisme écartelé, tenuta a Parigi, alla Galèrie de La Boétie, il 12 ottobre, poco dopo l'inaugurazione della mostra della "Section d'Or" " (6).

L'anno dopo Apollinaire pubblicherà un volume dedicato a Les Peintres Cubistes nel quale proclamerà l'esistenza di quattro modi di essere del Cubismo: scientifico, fisico, istintivo e orfico:

"Quattro tendenze si sono attualmente manifestate nel cubismo quale io l'ho sezionato. Due di esse sono parallele e pure.

Il cubismo scientifico è una di queste tendenze pure. E' l'arte di dipingere delle composizioni nuove con elementi presi non dalla realtà di visione, ma dalla realtà di conoscenza. [...] Il cubismo fisico, che è l'arte di dipingere composizioni nuove con elementi tratti in massima parte dalla realtà di visione. Quest'arte appartiene tuttavia al cubismo per la disciplina costruttiva. [...] Il cubismo istintivo, l'arte di dipingere quadri nuovi ispirati non alla realtà visiva, ma a quella suggerita all'artista dall'istinto e dall'intuizione, tende da gran tempo all'orfismo. Agli artisti istintivi fanno difetto la lucidità e un credo artistico; [...]  Il cubismo orfico è l'altra grande tendenza della pittura moderna. E' l'arte di dipingere composizioni nuove con elementi attinti non alla realtà visiva, ma interamente creati dall'artista e da lui dotati d'una realtà possente [la trad. esatta sarebbe, però, potente - nota mia]. Le opere degli artisti orfici devono offrire simultaneamente un piacere estetico puro, una costruzione che colpisce i sensi e un significato sublime, ossia il soggetto. E' arte pura. La luce delle opere di Picasso contiene quest'arte che, da parte sua, Robert Delaunay inventa e alla quale tendono anche Fernand Léger, Francis Picabia e Marcel Duchamp" (7).

A parte le polemiche e le discussioni sulla paternità dell'Orphisme che seguirono alle dichiarazioni di Apollinaire e a parte la conoscenza che di quelle infuocate diatribe tra futuristi italiani (Boccioni e Soffici su Lacerba in primo luogo) e i cubisti francesi che il poeta di Marradi sicuramente ebbe, nella poesia di Campana (come pure nelle descrizioni enfatiche e sostenute di Schuré o nelle opere pittoriche di Delaunay) non predomina, sempre e comunque, il termine alto del Sublime come devastazione e contemporanea sopra-elevazione dell'Io, come osservazione terrificata e terrificante del lato oscuro della realtà, come stravolgimento del reale stesso in nome di ciò che rappresenta il punto di vista superiore dell'arte?

Note

(1) Su tutti questi aspetti religiosi e cultuali in relazione alla loro tensione cosmogonica, il suo nesso con la tragedia antica in rapporto diretto alla cultura dei Misteri Eleusini e le falloforie dionisiache individuate come l'originario "canto per il capro", cfr. Gianni Carchia, Orfismo e tragedia. Il mito trasfigurato , Milano, CELUC, 1979. Sull'argomento, inoltre, mi permetto di rimandare al mio "Il Tragico e il Sublime in letteratura" in Aa. Vv. Aura. Scritti per Gianni Carchia, a cura di Liliana Lanzardo, Torino, Edizioni SEB27, 2002, pp.184-194.

(2) Edouard Schuré, I grandi iniziati, trad. it. di  A. Cervesato, Bari, Laterza, 1906, pp.109-110.

(3) Dino Campana, Opere e contributi, a cura di Enrico Falqui, Firenze, Vallecchi, 1973, vol.I, pp. 6-7.

(4)Edouard Schuré, I grandi iniziati cit., p.216.

(5)Cfr. Neuro Bonifazi, Dino Campana, Roma, Edizioni dell'Ateneo, 1964.

(6)Piero Cudini, "Dinamica e figuratività del linguaggio poetico. Ipotesi su Genova di Dino Campana", in "Annali della Scuola Normale Superiore di Pisa", (III), (VIII), 2, 1978, pp.656-657.

(7)Guillaume Apollinaire, I pittori cubisti. Meditazioni estetiche, trad. it. di  Franca Minoia, Milano, SE, 1996, pp. 24-26.

Fue un hombre joven, de raza real, dotado de una seducción maravillosa. Se decía que era hijo de una sacerdotisa de Apolo. Su voz tenía un extraño encanto. Hablaba de los dioses en un ritmo nuevo y parecía inspirado. Su cabellera rubia, orgullo de los Dorios, caía en ondas doradas sobre sus hombros y la música que fluía de sus labios prestaba un contorno suave y triste a su faz. Los orígenes de Orfeo y de la teología órfica se pierden en el tiempo, no sabemos a ciencia cierta donde termina la historia y donde comienza el mito, pero podemos estar seguros que toda creencia o culto se origina en una realidad pasada. Históricamente hablando, la primera mención de Orfeo procede de mediados del siglo VI a. C., pero todo parece indicar que para entonces su nombre ya era muy conocido y asociado a antiguos textos sagrados. Los primeros hombres nominaron y entrelazaron sucesos naturales de tal modo que nada en el mundo pasara inadvertido y explicaron por medio de símbolos el proceso de la vida y de la muerte. Los protagonistas, seres sobrenaturales, fueron tomados de la mistificación y mitificación de personajes de carne y hueso que vivieron en un pasado remoto para buscar una explicación de lo inexplicable y emitir una enseñanza moral. La historia de Orfeo comienza en la antigua Grecia, en la región de Tracia. Tracia es una parte de la península que mucho más tarde será Grecia. En un tiempo en el que todavía no existen los griegos, ni la habían invadido los Dorios, ni habían llegado los primeros Aqueos, es el tiempo de los Pelasgos, de ellos sabemos por su grafía que pertenecen al Piélago, al mar, eran gentes marineras, colonizadores que se dedicaron a la pesca y a la navegación aún antes que los fenicios. Su antigüedad data del siglo décimo cuarto, antes de nuestra era, así que podemos calcular que Orfeo es un personaje de más de 3,400 años. Su nombre, etimológicamente hablando, conserva la raíz sánscrita y después la indoeuropea orf que significa quedarse solo, de ahí las palabras huérfano, orfandad, orfanato, orfelinato. Así, Orfeo quiere decir “el que se quedó solo”, Sobre su nacimiento hay dos versiones, una divina y otra terrestre. La divina dice que fue hijo de Apolo y de la musa Caliope, la otra dice que fue hijo del rey-río Eagro y de Menipe, hija de Támiris. Durante su infancia recibió de Apolo la lira fabricada por Hermes, con la cual entonaba arrobadoras melodías, además era poeta y tenía una voz maravillosa al grado que cuando el cantaba las fieras se echaban a sus pies, las aves estimulaban su trino, las tempestades se calmaban y todos aquellos que habían perdido la armonía, la recuperaban. También fue dotado de una belleza excepcional. Dicen que su pelo era rubio y rizado, su cuerpo agraciado y sus ojos de un azul intenso. Su vida está llena de acción y aventuras, y es tan compleja que parece imposible que una misma persona haya podido hacer tanto durante el transcurso normal de una vida. Se dice que a temprana edad viajo a Samotracia y a Eleusis y también a Memphis, en Egipto donde fue iniciado en los misterios de esos cultos. A su regreso a Tracia instituyó los misterios de los Cabires, transformó el culto de Ceres y de Dionisio instituyendo las orgías y las expiaciones, consagró la majestad de Zeus en Tracia, la de Apolo en Delfos e instituyó las bases del tribunal de los anfictiones, que fue la unidad social de Grecia. Con respecto a sus aventuras, tiene tres muy importantes, la primera, según nos relata Ovidio en el décimo Libro de las Metamorfosis, es cuando tomó parte en la búsqueda del vellocino de oro junto a Jasón y los Argonautas. Orfeo no remaba, sólo marcaba el ritmo con el tambor. Por ser iniciado en los misterios de Samotracia, era el encargado de pedir protección a los Cabires (dioses menores protectores de los marineros), por lo que ejerció como sacerdote. Durante una tempestad, sus cantos consiguieron tranquilizar a la tripulación e incluso calmar la furia de las olas. En esta expedición su mayor hazaña fue anular el embrujo que los cantos de las Sirenas producían en los marineros. Orfeo entonó tan dulces melodías que la tripulación no sintió deseos de acercarse a ellas, evitando así estrellarse contra las rocas y ser devorados por ellas. Algunas leyendas cuentan que tras este episodio las Sirenas se suicidaron. Después de ayudar a Jasón y a los Argonautas, Orfeo gano el amor de Euridice por la dulzura de su música. La felicidad le fue vedada por los designios de los dioses. Euridice fue mordida por una serpiente la cual, según Virgilio, piso mientras trataba de huir descalza de las solicitudes amorosas de Aristeo, hijo de Apolo. Orfeo tras ambular desconsolado y recurrir en vano a su lira en busca de consuelo, desciende finalmente por la puerta de Ténaro al reino de Plutón. Allí empezó a tañer, y las sombras acudían en multitud en torno suyo. Las Euménides y Cerbero mismo se ablandaron y la rueda de Ixión se detuvo. Orfeo llegó hasta las aguas de la laguna Estigia y con su música hechizó a Caronte, quien tenía el encargo de transportar a quienes abandonaban el lugar de la luz por en medio de las aguas, y lo llevó hasta el otro lado de la laguna del olvido. Todos le dejaron pasar vivo a la región de las sombras sin morir mientras no cesara su artificio, así llegó ante Perséfone y Plutón a quienes pidió que le devolvieran a su esposa, y tal fue la muestra de su desolación y el canto tan adolorido que Plutón se apiado de él Una sola condición se le impuso: Orfeo precedería a Euridice. Ella podría regresar al mundo de la luz sólo si Orfeo no volvía su cabeza para mirarla, hasta que ella estuviera a salvo bajo la luz del sol. Ascenderían, y cuando por fin la luz del sol bañara sus rostros ella sería con Orfeo. Terrible condición pues Plutón conocía la flaqueza humana. Orfeo, atemorizado por la oscuridad del camino que él mismo iba abriendo y guiaba con los sones de su lira, empieza a desconfiar y duda de que su esposa realmente venga tras él. Cuando finalmente están saliendo a la luz del sol, no aguanta más la curiosidad, la tentación de saber si ella viene allí y voltea a mirar en el momento en que ella iba a ser tocada por los rayos del sol, y, ella, ante la mirada ansiosa de Orfeo se esfuma al instante. El quiso abrazarla pero solo encontró en su abrazo un ligero humo. Euridice regresó al mundo subterráneo y Orfeo la pierde para siempre, pues ya no le valen las lágrimas y las canciones. La tercera aventura la tuvo después de muerto. Su muerte nos ofrece mitos con diferentes versiones. Generalmente se admite que murió destrozado por las mujeres tracias. Los motivos de la ejecución pudieron ser varios. Sin embargo se cree que después del sacrificio estas mujeres lanzaron los pedazos de Orfeo, junto con su lira al agua. Los trozos llegaron a Lesbos donde se les dio sepultura. Se dice que durante mucho tiempo se escucho su lira y que su cabeza seguía profetizando y entonando canciones. La lira de Orfeo finalmente fue transformada en constelación y el músico llegó a los Campos Eliseos donde canta para los bienaventurados. A Orfeo se le considera como fundador de las artes en Occidente, se le atribuyó el invento de la cítara de nueve cuerdas, cada una en honor de una musa, como poeta se le atribuye el Hexámetro, como filósofo se le atribuye la teología órfica. En sus principios esta filosofía tenía como divinidad principal a Dionisio, y nos enseña que el alma es prisionera del cuerpo constantemente corrupto. Se cuenta que Dioniso nació de Zeus y Kore, en Creta. Cuando Zeus anunció a los demás dioses que su hijo sería su sucesor en el trono, los Titanes, celosos por esta noticia, atrajeron la atención del niño dios y cuando estuvo en sus manos, lo descuartizaron en siete partes que primero hirvieron y después asaron y, finalmente, comieron. Sin embargo, Atenea pudo rescatar aún vivo su corazón, que presentó a Zeus en un casco. Zeus, indignado ante tal fechoría, descargó su rayo sobre los Titanes para hacerlos desaparecer de la faz de la tierra. De las cenizas humeantes surgieron los hombres, formados de dos partes, una mortal y titánica, el cuerpo, y otra inmortal y divina que proviene de Dionisio. Así, los seres humanos poseemos un yo oculto de origen divino que causa un desequilibrio en el cuerpo, pues el alma es de naturaleza divina, con un carácter superior que permite la liberación de los sentidos y de las ataduras del cuerpo. Dionisio es el dios liberador de los órficos, y el mito del despedazamiento de Dionisio por parte de los Titanes el eje de dicha doctrina. Orfeo, igual que Dionisio, fue desmembrado. El culto a Dionisio está relacionado con la individualidad más exacerbada, donde la persona se encuentra en “El abismo de la disolución” a través de las emociones llevadas al extremo. Por otro lado, Orfeo instruye a los elegidos reencontrando al individuo frente a lo colectivo, la salvación frente a la religiosidad colectiva del momento. El orfismo, con el tiempo toma un camino diferente del original. En esta nueva rama, se dice que Orfeo llevó de Egipto a Tracia el culto solar, representado por Apolo, siendo este dios la deidad central. Un concepto relacionado con esta filosofía es el del “Huevo Cósmico”, en donde de él nace Eros que trae la luz al mundo y relaciona todas las cosas por medio del amor (atracción) dando lugar al comienzo del Tiempo. También tenemos los conceptos de Caos y Océano como algo No manifestado, negativo pero altamente creativo. La inmortalidad del alma es incuestionable. Los órficos fundaron una especie de congregación que se estableció sin autorización legal, y sus miembros pretendían que estaba en sus manos abrir las puertas del inframundo a sus adeptos valiéndose de ciertas ceremonias religiosas. Se suponían depositarios de la doctrina de Orfeo y celebraban la iniciación de los nuevos adeptos representado la muerte de Dionisio por los Titanes, embadurnando al candidato con barro en memoria del que usaron los Titanes para no ser reconocidos cuando asesinaron al niño. El orfismo tuvo gran influencia entre los pitagóricos, aunque tuvo que mantenerse oculto, ya que constituyó una religión muy poco común en su época. Es a partir de la caída del paganismo, cuando los Neoplatónicos recogen su legado y alcanza su máximo esplendor, quedando al final, como uno de los pocos reductos del paganismo frente al cristianismo. Sediento de sabiduría se dirigió a Egipto, donde se inició en la teología, en la física, en la medicina, en la geometría y en todos los conocimientos de su época. Orfeo representa el poder maravilloso del lenguaje, de la laringe de un ser sublimado, que ha cultivado su estética, que ha unido su pensar a su sentir. Por eso fue un filósofo, un poeta y un místico que arrobaba a todos los que lo escuchaban. Eurídice representa la energía maravillosa de la vida que hace que adoremos a la otra polaridad de la existencia, es el poder interno que nos permite sublimarnos y perfeccionarnos permanentemente. A Orfeo se le representa al lado de Euridice, vestido con traje griego o frigio y rodeado de varios animales atraídos por su canto. El mito de Orfeo nos enseña, entre otras cosas, que la vida es mejor si la vivimos en armonía (la música es armonía), que la intención es importantísima, ya que las buenas intenciones pueden calmar a las fieras, internas y externas. Que la muerte no la podemos controlar, que está fuera de nuestro alcance. Que nuestra intuición mira mejor que nuestros ojos, ya que los grandes misterios nunca los podremos ver de frente, solo los podemos soslayar o intuir

¿Se trata, quizás, de la historia de amor más enternecedora de la mitología griega?

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Para leer esta ficción literaria que he escrito, les pido que observen la imagen unos segundos. Después, pulsen el play del reproductor de la pieza musical y, mientras ésta suena, lean acompasadamente con la música el poemilla.

Requiem de cuerdas de Mime

[audio="http://www.goear.com/files/sst4/c918e7f0db2a9e024e1a67e4d35a6008.mp3"]

Lamento de Orfeo

Maldigo el momento en el que no tuve la convicción necesaria.

Maldigo el momento en el que me dominaron la debilidad y el miedo.

Maldigo el momento en el que me olvidé de seguir confiando en tu amor.

Maldigo el momento en el que tuve dudas.

Maldigo el momento en el que miré atrás.

Ese momento fugaz en el que te perdí...

No puedo ya volver por ti allá donde Tú estás.

Ahora, de ti nada me queda.

Sólo tengo mi lira,

que llora sin consuelo tu ausencia,

como lloro yo, Orfeo.

 A la Perséfone que perdí.

Contara con la presencia de la Comparsa Orfeo de la ciudad de Monte Caseros.

Recordemos que por segundo año consecutivo, La Comparsa Orfeo fue galardonada como comparsa campeona y se llevó el premio de Portabandera y Maestro de Sala de Comparsa. El resto de los premios fue para la Comparsa "Carun Bera"

Las jornadas se están llevando a cabo con toda normalidad y con un buen flujo de estudiantes, tenemos que resaltar la participación de 2 de nuestros integrantes en los concursos (Santiago Ludeña) y en el taller de virtualización (Juan Pablo Angamarca).

Para el 17 se tiene prevista la siguiente Agenda

En una nueva entrega les presentaremos imagenes de éstas jornadas tan esperadas en nuestra ciudad.

Toto es una banda estadounidense de Blues, Rock, Pop, Jazz y Funk. Reconocidos mundialmente por la habilidad para combinar diferentes estilos musicales; como los ya mencionados.

Toto tuvo un notable éxito comercial en la década de los 80s. Sus canciones más conocidas que ahora son unos clásico son: Rosanna, Africa y Hold the line. La banda ha realizado a la fecha 17 álbumes en los cuales han vendido más de 30 millones de copias y en su carrera como músicos han ganado 7 grammys.

Toto es uno de los grupos más importantes de la A.O.R. junto a Foreigner y Journey. Su último disco fue lanzado en el 2006, titulado Falling in Between.

Hold the line

:::: LETRA ::::

It's not in the way that you hold me
It's not in the way you say you care
It's not in the way you've been treating my friends
It's not in the way that you'll stay till the end
It's not in the way you look or the things that you say that you do

Hold the line
Love isn't always on time

It's not in the words that you told me
It's not in the way you say you're mine
It's not in the way that you came back to me
It's not in the way that your love set me free
It's not in the way you look or the things that you say that you do

Hold the line
Love isn't always on time

It's not in the words that you told me
It's not in the way you say you're mine
It's not in the way that you came back to me
It's not in the way that your love set me free
It's not in the way you look or the things that you say that you do

Hold the line
Love isn't always on time

It's not in the way that you hold me
It's not in the way that you make me feel
You see
It's all about the way you do the things you do
The way you do it
You've got to hold it
Hold it

Hold the line
Love isn't always on time

A continuación Letra y Video de Africa...

:::: LETRA ::::

I hear the drums echoing tonight
But she hears only whispers of some quiet conversation
She's coming in 12:30 flight
The moonlit wings reflect the stars that guide me towards salvation
I stopped an old man along the way
Hoping to find some long forgotten words or ancient melodies
He turned to me as if to say, "Hurry boy, it's waiting there for you"

It's gonna take a lot to drag me away from you
There's nothing that a hundred men or more could ever do
I bless the rains down in Africa
Gonna take some time to do the things we never had

The wild dogs cry out in the night
As they grow restless longing for some solitary company
I know that I must do what's right
Sure as Kilimanjaro rises like Olympus above the Serengeti
I seek to cure what's deep inside, frightened of this thing that I've become

Hurry boy, she's waiting there for you

It's gonna take a lot to drag me away from you
There's nothing that a hundred men or more could ever do
I bless the rains down in Africa, I passed some rains down in Africa
I bless the rains down in Africa, I passed some rains down in Africa
I bless the rains down in Africa
Gonna take some time to do the things we never had